índice BLOQUE 7. LA GRAN DEPRESIÓN Y EL ARTE DE SU ÉPOCA

El fin de la fiesta. La crisis económica. El crack bursátil de 1929.

Crisis económica mundial. Auge de los totalitarismos.

  • La fotografía comprometida con los pobres: Dorothea Langue, Walker Evans.
  • La primera película de animación: Blancanieves y los siete enanitos” de Walt Disney.
  • El cómic europeo: “Tintín”, Hergé.
  • El cómic norteamericano.El primer súper héroe: “Superman” Jerry Siegel, Joe Shuster.
  • El héroe triste y solitario: “Batman” BobKane, Bill Finger.

El orgullo americano: “Captain America” Joe Simon, Jack Kirby.

Las aventuras espaciales: “Flash Gordon”, Alex Raymond.

  • El exotismo selvático: “Tarzán”, Burne Hogarth.
  • El cine español. Producciones Cifesa. Ballet:

La trayectoria del Ballet de la Ópera de París. Serge Lifar.

  • Las “Big Band” americanas: Benny Goodman, Glenn Miller, Duke Ellington, Tommy

 

7 la gran depresión y el arte de su época

El fin de la fiesta. La crisis económica. El crack bursátil de 1929.

Crisis económica mundial.

 

  1. El crack bursátil de 1929. Crisis económica mundial. Auge de los totalitarismos.

 

Causas de crack de 1929

En primer lugar, hay que tener en cuenta que Estados Unidos

había tenido un crecimiento económico, y una alta prosperidad.

Los ingresos de la población no habían subido tanto

como para que el consumo siguiera creciendo.

En la industria se había producido un incremento importante de la producción,

tras la recuperación de la crisis de 1921, el desarrollo había sido constante hasta 1927, produciéndose abundancia de productos industriales.

En la agricultura el aumento de la producción era importante había superproducción.

La principal causa fue la especulación

(los precios de las acciones no reflejaban la situación económica real de las empresas),

los negocios eran más rápidos y beneficiosos, los pequeños ahorradores que decidieron invertir, hicieron de esto su forma de vida; no se invertía con el dinero ahorrado,

los agentes de la bolsa prestaban a sus clientes más dinero

tomando como garantía los propios títulos comprados,

porque pensaban que el precio de las acciones nunca bajaría.

 

Consecuencias del crack en EEUU

A partir de ese momento empezó la gran depresión.

Miles de inversores se arruinaron, y los que habían comprado las acciones con créditos,

ya no los podían pagar.

Aumentó el pánico de toda la población

Hubo suicidios masivos.

Crisis agrícola por la caída de precios.

Los bancos quiebran (más de 2000) ya que miles de personas acudieron a retirar sus ahorros

de las entidades, y estos no lo pudieron soportar.

Falta capital para la industria

El paro aumenta (más de 12 millones de desempleados)

El consumo se contraerá, por lo que las empresas no podrán salir adelante,

ya que el número de consumidores de sus productos desciende,

ya que muchos de ellos están arruinados y otros con una situación económica muy complicada.

 

La fotografía comprometida con los pobres: Dorothea Langue, Walker Evans

 

A NIVEL MUNDIAL

La crisis se expande al resto del mundo,

con lo que se generaliza una cierta desconfianza frente el sistema capitalista

que se centra en las clases más desfavorecidas.

En esta época tienen un auge espectacular el comunismo y el fascismo.

Las conexiones entre la economía internacional y la de Estados Unidos,

pero sobre todo la dependencia de este país sobre la economía europea,

hicieron que la Gran Depresión, se extendiera por todo el mundo.

La caída de los precios en América afectó a las industrias de otras partes de mundo

que tenían precios superiores a los estadounidenses y que al no poder competir,

vieron disminuidas sus exportaciones.

Por otra parte, la reducción de la demanda norteamericana, (es decir, de sus importaciones), frenó las exportaciones de muchos países, con lo que disminuyó el comercio mundial.

Los Estados Unidos también trataron de repatriar capitales

que habían invertido en diferentes países.

Esto tuvo una especial repercusión en Alemania

que tenía cuantiosos créditos tomados a Norteamérica,

pues ese país había sido prácticamente obligado a endeudarse

para hacer frente a las reparaciones de guerra estipuladas en el Tratado de Versalles,

las que debían ser pagadas en efectivo.

 

En España, el frustrado proceso de modernización

que intentaron algunos sectores de la sociedad, durante la II República,

coincidió con la depresión económica más grave de la historia del capitalismo.

La Guerra Civil Española desangró a España,

la convirtió en un Estado totalitario

y sirvió de preámbulo a la gran guerra que estaba por venir en el continente.

 

  1. El arte social o comprometido.

 

2.1. Comenta la obra fotográfica de Dorothea Lange y Walker Evans.

Fotografía como documento social

  • Diferencia entre reportaje documental

y reportaje de actualidad

  • La fotografía documental

trata de situaciones existentes y prolongadas.

  • El reportaje de actualidad

toma las situaciones o sucesos como si fuesen casos breves

y aislados y se concentra sobre los hechos básicos (Qué ocurrió, a quién, cuándo y donde).

  • La fotografía documental

examina sucesos y las condiciones relacionándolos con las vidas afectadas por ellos.

Busca las causas del suceso y

las consecuencias de éste para las personas que han tomado parte o que se ven afectadas por él.

  • La fotografía de actualidad

ilustra acontecimientos que conmueven a la opinión pública y la hacen reaccionar.

  • La fotografía documental

está motivada por un sentimiento de identificación, la toma de cierta postura

y por el interés que posee el fotógrafo.

Lo que está mostrando es importante para él y desea que ella,

en el convencimiento de que si las consecuencias humanas son comprendidas,

el público tomará consciencia y actuará.

Dorothea Lange -

Dorothea Lange

(1895 – 1965) fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense,

mejor conocida por su obra la “Gran Depresión”

para la oficina de Administración de Seguridad Agraria.

Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión

la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.

Con el comienzo de la Gran Depresión,

Lange llevó el objetivo de sus cámaras de su estudio a las calles.

Sus estudios de desempleados y gente sin hogar

llamaron pronto la atención de fotógrafos locales

y la llevaron a ser contratada por la administración federal,

posteriormente llamada “Administración para la Seguridad Agraria”

(Farm Security Administration).

En diciembre de 1935 se divorcia de Dixon

y se casa con el economista agrario Paul Schuster Taylor,

profesor de economía de la Universidad de California.

Taylor forma a Lange en asuntos sociales y económicos,

y juntos realizan un documental sobre la pobreza rural y la explotación de los cultivadores

y trabajadores inmigrantes durante los siguientes seis años.

Taylor hacía las entrevistas y recogía la información económica,

y Lange hacía las fotos.

Entre 1935 y 1939 Lange trabajó para departamentos oficiales,

siempre retratando en sus fotos a pobres y marginados,

especialmente campesinos, familias desplazadas e inmigrantes.

Distribuidas sin coste a los periódicos nacionales,

sus fotos se transformaron en íconos de la era.

Lewis Hine

Lewis Hine

En 1932 publicó su colección Men at Work, Periodo 1920-1940 En éste periodo,

Hine comenzó la serie “El hombre en su trabajo”,

que documentalizó la dignidad y personalidad de quienes trabajaban en la industria.

Esta serie culminó a principios de los años treinta

con un excepcional proyecto documental sobre la construcción del Empire State Building,

desde la primera excavación hasta la colocación de la viga de acero más alta.

Hine apuntó por vez primera que la idea de una fotografía documental

completamente real y objetiva, era imposible.

Walker Evans

Walker Evans,

(1903 1975) fotógrafo estadounidense.

Estudio en Williams College entre 1922-1923 y en la Sorbona en 1926,

se inició en la fotografía en 1930.

Obtuvo una beca de la Fundación John Simon Guggenheim en 1940.

Se incorporó en 1945 la revista Time y a la revista Fortune en 1965.

Ese mismo año pasó a ser profesor de fotografía en la escuela de arte de la Universidad de Yale.

Su trabajo está relacionado con la crisis económica del 29 ,

durante esta década participa en el programa Farm Security Administration.

Las imágenes de los aparceros en Alabama,

al igual que las de Dorothea Lange se encuentran entre los iconos del mundo moderno.

Evans encuentra la belleza en los objetos banales y cotidianos

Su obra fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte en 19942

Todos los derechos corresponden por lo tanto al Met,

excepto las fotos que hizo para el Farm Security Administration

y que conserva la Biblioteca del Congreso

 

2.2. Compara la obra fotográfica de los artistas comprometidos socialmente,

con la fotografía esteticista, de, por ejemplo, Cecil Beaton.

Cecil Beaton

 

Cecil Beaton

fue conocido por su primera exposición en Londres de 1926.

A continuación, tras crear su propio estudio de fotografía (dedicado a la moda y a los retratos)

a finales de la década de 1920, trabajó para la edición americana de Vogue,

que le contrató inicialmente como ilustrador antes de convertirse en fotógrafo.

Poco después, firma un contrato con la versión británica de la revista Vogue en 1931

Comenzó su carrera fotografiando a sus amigos ricos y famosos.

También trabajó con la revista de moda Harper’s Bazaar y para la revista Vanity Fair.

Realizó numerosos retratos de celebridades en el Hollywood de los años 1930,

y fue retratista oficial de la familia real británica en 1937

A principios de la década de 1950, acusó una cierta decadencia como fotógrafo de moda,

y se convirtió en un fotógrafo independiente.

En esta época, se encargó de fotografiar la magnificente fiesta organizada

en su palacio de Venecia por el excéntrico multimillonario de origen hispano-mexicano

Carlos de Beistegui, a quien llegó a conocer de cerca.

A partir de entonces, se fue volcando en la elaboración de decorados y vestuarios

para el teatro y para el cine.

 

3 La importancia del arte como denuncia social.

Las Hurdes, tierra sin pan” de Luis Buñuel.

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Las Hurdes, tierra sin pan es un documental de 27 minutos, dirigido por el cineasta español Luis Buñuel y rodado entre el 23 de abril y el 22 de mayo de 1932.

Aunque originalmente era mudo, en 1935 obtuvo dinero de la embajada de España en París

para sonorizarlo (narrado en francés por una voz en off).

Este crudo documental sobre la situación de atraso en que permanecían Las Hurdes

está basado en un estudio de antropología de Maurice Legendre, (1927),

que por esos años leyó el cineasta.

Con esta película Buñuel da un giro a su obra, alejándose del surrealismo ortodoxo

para acercarse a propuestas más sociales y al comunismo.

Pero el surrealismo siempre aspiró a reflejar la realidad en sus distintas facetas

y nunca a darle la espalda.

Partían de la realidad para encontrar los elementos nunca vistos convencionalmente para constituir nuevas facetas del surrealismo,

que era un movimiento de rebeldía contra la sociedad burguesa en todos sus aspectos

y que tenía como arma principal el escándalo.

Buena parte de estos objetivos se cumplen en esta cinta de Buñuel,

pues consiguió escandalizar a los gobernantes e intelectuales de su tiempo

y con ello obtuvo una repercusión que permitió difundir el mensaje social

y de denuncia que tenía este documental

financiado por el intelectual anarquista Ramón Acín.

La belleza terrible y amarga de las imágenes de Las Hurdes

(el burro matado por abejas,

el entierro del niño en su ataúd blanco descendiendo por el río)

encierra tanto surrealismo como La Edad de Oro.

 

Repercusión

Al estreno del filme en el Palacio de la Prensa de Madrid

acudió el doctor Gregorio Marañón,

que había acompañado a Alfonso XIII en su visita a Las Hurdes en 1922.

Indignado por lo desagradable y según él lo injusto de la película,

protestó enérgicamente contra ella,

opinión que recibió y compartió el gobierno de la Segunda República

que decidió prohibirla por la mala imagen que presentó de España.

En 1937 el filme se estrenó en Francia

donde, también a los pocos días de su proyección,

hubo de ser retirada a instancias del gobierno francés y de la prensa.

Es curioso observar que casi veinte años después

ocurrió algo parecido con la película Los olvidados,

que retrataba los barrios más deprimidos de Ciudad de México

y cuyo estreno en México provocó reacciones violentísimas.

Fue solicitada la expulsión de Buñuel por parte de la prensa,

sindicatos y otras asociaciones.

Permaneció solo cuatro días en cartel

sin que faltaran intentos de agresión física contra el cineasta,

solo que en esta ocasión el premio conseguido en el Festival de Cannes

hizo que la película fuera avalada por el prestigio de este importante certamen,

así como por la defensa que de ella hicieron algunos intelectuales mexicanos,

entre los que destacó Octavio Paz.

 

La primera película de animación: Blancanieves y los siete enanitos” de Walt Disney.

Blancanieves y los siete

4 La importancia para el cine de la obra creativa de Walt Disney.

“Walt” Disney

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(Chicago 1901-1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación infantil,

está considerado un ícono internacional

gracias a sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento

durante gran parte del siglo XX, famoso por personajes como

el Pato Donald o Mickey Mouse. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney

la compañía Walt Disney Productions, que años después se convirtió

en la más célebre productora del campo de la animación

hoy es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos del mundo, en especial Mickey Mouse, una caricatura de un ratón,

a la que el propio Disney puso su voz original.

«La locura de Disney»: Blancanieves y los siete enanitos

Aunque los ingresos del estudio eran muy considerables,

no eran todavía suficientes para Disney,

quien en 1934 empezó a planear la producción de un largometraje.

Cuando en la industria de la animación se supo que Disney planeaba la producción

de un largometraje animado sobre Blancanieves,

se bautizó al proyecto como «la locura de Disney»,

y todo el mundo estuvo de acuerdo en que el proyecto terminaría arruinando al estudio. Investigaría acerca de la animación realista de seres humanos,

la creación de personajes animados con personalidad definida,

efectos especiales, y el uso de procesos especializados

y aparatos como la cámara multiplano.

Frente a la cámara se coloca una serie de capas espaciadas unas de otras,

y se mueven a distintas velocidades, para generar una sensación de profundidad.

El proceso de producción de Blancanieves y los siete enanitos

(Snow White and the Seven Dwarfs) se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937. Blancanieves, el primer largometraje animado de lengua inglesa,

y el primero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938.

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Aportaciones de Disney al cine de animación.

 

Las películas de Disney siempre han ido a la vanguardia

en lo que se refiere a la tecnología del cine de animación.

A veces experimentando con técnicas por primera vez,

otras veces lanzando a nivel masivo innovaciones creadas por otros.

Veamos algunos de sus hitos:

 

Interacción de actores reales con dibujos animados

Cortos conocidos como Alice Comedies (1923),

en los que una niña interpretada por Virginia Davis nteractuaba con personajes animados

de un mundo de fantasía y con su gato, llamado Julius.

 

Sincronización de imagen y sonido en animación

En 1928 Disney estrenó el revolucionario Steamboat Willie,

primera película de animación con sonido protagonizada por Mickey Mouse.

La primera película sonora de la historia se estrenó solo unos meses antes,

en 1927 El cantor de Jazz

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Technicolor

Dentro de su serie Silly Symphonies, Disney fue experimentando

con distintas temáticas y técnicas.

En 1932, lanzó Flowers and Trees, primer corto animado en Technicolor

 

Primer largometraje animado

También en Blancanieves se presentó la cámara multiplano

que inventó William Garity para la compañía.

 

Sonido estereofónico

En Fantasía en 1940 y por primera vez en una película comercial,

Disney usó sonido estereofónico multicanal.

Fantasía en 1940

 

Canción del Sur, en 1946, o solo fue el primer largometraje de Disney

en usar a actores reales, y  compartirlos con escenas con dibujos animados.

ejemplos

 

Innovación en el uso de xerografía.

101 Dálmatas introdujo un nuevo proceso de Xerografía:

el animador Ub Iwerks había estado experimentando con cámaras Xerox,

para transferir dibujos directamente a celuloide, eliminando el proceso de entintar.

 

Animación por ordenador

Tron es una película insólita, casi inexplicable desde una perspectiva empresarial,

pero esencial para entender el cine de animación actual:

con ella, John Lasseter comenzó a testear las posibilidades

de un corto con fondos digitalizados.

Fue despedido después de una reunión en la que intentó convencer a sus jefes

de la conveniencia de producirlo.

De ahí a Lucasfilm Computer Graphics y a Pixar desarrollaron la animación por ordenador

con hitos como Toy Story, Monstruos SA o Cars.

El círculo se completó cuando en abril de 2006, Disney compró Pixar

y Lasseter pasó a ser director creativo de Pixar… y Walt Disney Animation Studios.

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CAPS (Computer Animation Production System)

CAPS era una colección de programas, sistemas de escaneado, servidores, ordenadores en red

y estaciones de trabajo dedicadas que desarrollaron Disney y Pixar a finales de los ochenta.

Este sistema eliminó la necesidad de celuloide,

cámara multiplano y efectos especiales tradicionales,

computerizando el proceso de entintado y coloreado, entre otros detalles de postproducción. Paradójicamente, el sistema solo se empleó en un plano de La Sirenita.

La Sirenita supuso, así, la última película de la productora

que incluyó en su metraje animación clásica en celuloide.

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5 El Cómic en la gran depresión

La Gran Depresión de 1929 impulsaría una renovación temática

y estilística en la historieta estadounidense, de tal manera que,

a pesar de la aparición de notables series de comedia como Li’l Abner (1934) de Al Capp,

los siguientes años estarían marcados por las tiras de aventuras,

tras el éxito Flash Gordon (1934) de Alex Raymond, Príncipe Valiente de Harold Foster

y el Tarzán de Burne Hogarth, ambos de 1937, Superman Jerry Siegel

y Joe Shuster 1938, Batman de Bob Kane.,

potenciarían un grafismo realista y elegante, cercano a la ilustración,

en detrimento del grafismo caricaturesco habitual hasta entonces,

pero, lo que es más importante, sustituyeron definitivamente lo episódico por la continuidad, tornando fundamental el suspense en la última viñeta para fidelizar lectores.

Mientras tanto, Paul Winckler había fundado en 1928 y en París la agencia Opera Mundi

para distribuir el cómic norteamericano en toda Europa.

 

Las revistas franco-belgas como Junior o Coeurs Valliant

que incluían una historieta de aventuras con un grafismo característico:

Tintín, creado en 1929 por Hergé.

Pronto se sumará a ellas Le Journal de Spirou, revista nacida en 1938 en Marcinelle (Bélgica), que hoy en día se sigue publicando

y en la que habrán de trabajar todos los grandes maestros del cómic franco-belga.

 

El cómic europeo: “Tintín”, Hergé.

Hergé

 

5.1. Analiza la importancia del cómic europeo,

especialmente la obra de Hergé

Las aventuras de Tintín (cuyo nombre original, en francés, es Les Aventures de Tintin et Milou) es una de las más influyentes series europeas de historieta del siglo XX.

Creada por el autor belga Georges Remi (Hergé),

y característica del estilo gráfico y narrativo conocido como “línea clara”,

está constituida por un total de 24 álbumes,

el primero de los cuales se publicó en 1930 y el penúltimo en 19761

(el último, Tintín y el Arte-Alfa, no llegó a terminarse,

aunque se publicaron posteriormente los bocetos realizados por el autor).

En la serie, junto a Tintín, un intrépido reportero de aspecto juvenil

y edad nunca aclarada que viaja por todo el mundo junto con su perro Milú,

hay una serie de personajes secundarios que han alcanzado tanta o más celebridad

que el protagonista: entre ellos, el capitán Haddock,.

Las aventuras de estos personajes están cuidadosamente ambientadas en escenarios reales

de los cinco continentes, y en lugares imaginarios creados por Hergé.

 

  • Línea clara:
  • Delimitación de las figuras mediante una línea continua y depurada.
  • Ausencia de tonos intermedios, manchas de negro y efectos de sombra y luz.
  • Aplicación del efecto máscara, es decir la combinación

de unos personajes gráficamente caricaturescos con un entorno realista.

  • Respeto a la narrativa clásica,

aunque no excesivamente encorsetada en el montaje de los planos (viñetas).

  • Amor a la Historieta de Género, especialmente a la historieta de aventuras.

 

El cómic norteamericano.

 

El primer súper héroe: “Superman” Jerry Siegel, Joe Schuster. El héroe triste y solitario: “Batman” Bob Kane, Bill Finger. El orgullo americano: “Captain

Superman

 

 

5.2. Explica el nacimiento de los superhéroes norteamericanos del cómic:

 

Un superhéroe

es un personaje de ficción cuyas características superan las del héroe clásico,

generalmente con poderes sobrehumanos aunque no necesariamente,

y entroncado con la ciencia ficción.

Generados a finales de los años 1930 en la industria del comic book estadounidense,

que contribuyeron a levantar, han gozado de multitud de adaptaciones a otros medios, especialmente el cine. características típicas de los superhéroes son:

Un origen o momento en el que se convierte en superhéroe,

ya sea por ser el modo en que obtuvo sus capacidades especiales

o el momento del trauma que le obligó a ello.

Los más frecuentes son:

Origen no humano:

extraterrestres, dioses mitológicos, semidioses, razas ficticias apartadas de la humanidad, robots, fantasmas, demonios, etc.

Ejemplos: Superman, Thor, los Inhumanos, la Visión y Ghost Rider.

Origen natural:

mutantes.

Ejemplos: Wolverine y Cíclope.

 

Experimentos científicos.

El origen del superhéroe puede ser una consecuencia accidental de un experimento.

Ejemplos: Spider-Man, Flash, Hulk o Los 4 Fantásticos.

También pueden ser incluidos experimentos con un fin buscado deliberadamente

(como Capitán América).

 

Obtención de tecnología avanzada o artefactos místicos,

como el anillo de Linterna Verde, la armadura de Iron Man o el adamantium

del que están hechos las garras y el esqueleto de Wolverine.

 

Traumas.

Por ejemplo, aquellos superhéroes cuyas familias fueron asesinadas.

Suelen carecer de superpoderes pero disponen de sofisticadas armas,

herramientas y habilidades que les permiten hacer justicia:

Batman, The Punisher, Daredevil, etc.

 

Una o varias capacidades especiales:

Superpoderes:

capacidades superiores a las de los humanos corrientes,

como lanzar rayos energéticos, volar, fuerza sobrehumana,

invulnerabilidad, telepatía, telequinesis, etc.

 

Tecnología

muy por delante de su época, como Iron Man.

 

Poderes místicos,

como el Doctor Extraño, Zatanna o el Doctor Fate.

Por lo general no aparecen como poderes “propios” del personaje,

sino como técnicas ocultas de invocación de poderes

o entidades sobrenaturales que podrían ser aprendidas y dominadas

por cualquiera que también las estudiase.

 

Conocimientos

de artes marciales, científicos, o de otro tipo, como Puño de Hierro.

 

Habilidades atléticas,

como el Capitán América o Flecha Verde.

 

Gran inteligencia,

como Mr. Fantástico y Batman.

 

Su lucha desinteresada en defensa del inocente,

ya sea combatiendo el crimen, catástrofes, invasiones extraterrestres o cualquier otra amenaza, con frecuencia al margen de la ley.

Se puede hablar así de su estructura de valores morales:

generosidad, sacrificio, autocontrol, piedad, etc.

que convierten a los superhéroes en verdaderos “santos” modernos

(“salvadores del mundo” dentro de la más auténtica tradición cristiana),

en un mundo que carece de fe en los antiguos.

En cualquier caso, no modifican de forma importante la vida en la Tierra,

dedicándose a asuntos de poca trascendencia

(no acaban con la guerra ni el hambre, por ejemplo).

También puede relacionarse con el triunfo del individualismo,

atemperado con la idea de servicio a la comunidad y el trabajo en equipo.

 

Su perfección anatómica

suele seguir cánones cercanos a los grecolatinos,

aunque puedan seguir otras estéticas, como la del manga.

 

Una identidad secreta

(doble identidad o álter ego); tienen una identidad de “civil”,

aparentando ser una persona corriente, y otra bajo la que actúan como superhéroes,

como Clark Kent (Superman) o Peter Parker (Spider-Man),

aunque hay excepciones como Los cuatro fantásticos.

 

Un uniforme, generalmente muy ajustado

(para llevarlo bajo la ropa civil) y de colores llamativos, que suele ocultar su identidad secreta,

a la vez que le identifica como superhéroe.

Para algunos teóricos, este “traje ajustado que parece una exhibición de ropa interior”

es el verdadero rasgo que los distingue de otros personajes con poderes sobrehumanos,

como Doc Savage o La Sombra.

 

Una galería de villanos,

personajes con características similares a las de los superhéroes

excepto en las referidas a su motivación y sus métodos,

por lo general opuestos a los del mismo.

Las historias sobre superhéroes casi siempre involucran en algún grado un conflicto

del héroe con un villano o grupo de villanos:

el Duende Verde (de Spider-Man), el Joker (de Batman), el Mandarín (de Iron Man),

Lex Luthor (de Superman) o Red Skull (del Capitán América).

 

Originalmente los creadores de Superman,

1938 Jerry Siegel y Joe Shuster, concibieron al personaje como un villano creado por un científico loco pero dándole vueltas a la idea crearon un cuento de un Súper Hombre proveniente de otro planeta que hacia el bien.

La idea fue rechazada de golpe,

pero convencidos de que había creado un concepto totalmente nuevo insistieron hasta que,

ya en formato de comic, su historia fue aceptada.

En el año 1938, el editor Max Gaines aprobó la publicación

y en el mes de junio de ese año, Superman fue publicado en la revista “Action Comic”,

al precio de diez centavos.

El éxito fue instantáneo; en dos semanas, la edición # 1 de la revista Action Comic,

en la que se publicó la primera aventura de Superman, se agotó.

Este fue el inicio de la avalancha de superhéroes que coparon el mercado

de los magazines de comics o revistas de historietas de los años 30 y 40.

Superman posee extraordinarios poderes

y se le describe tradicionalmente como «más rápido que una bala,

más poderoso que una locomotora, capaz de saltar altos edificios de un solo salto»,

superfuerza, invulnerabilidad, supervelocidad,

poderes de visión (rayos x, calorífica, telescópica, infrarroja, y microscópica),

superoído, y superaliento, el cual le permite soplar a temperaturas congelantes

así como ejercer la fuerza de un viento huracanado.

Batman

Batman

es una serie de cómics con el héroe homónimo de DC Comics. 1939.

En 1940, un mes después de la primera apareció su nuevo compañero,

Robin el Chico Maravilla.

Autores Bob Kane, Bill Finger.

El caballero de la noche, un emblema de DC.

A diferencia de muchos otros superhéroes, Batman no posee superpoderes,

por lo que hace uso de «sus conocimientos científicos, habilidades detectivescas

y una gran destreza física». Así como tampoco utiliza armas de fuego,

ya que manifiesta un rechazo a las mismas debido al asesinato de sus padres

perpetrado con un arma de fuego.

En las historias es considerado como uno de los mejores detectives del planeta.

Sin embargo posee solo una regla, razón por la cual es conocido y temido

por los criminales de la ciudad:

Batman no mata, pero si sabe hacer daño,

ya que se vale de cualquier método para atrapar a los criminales

u obtener la información que necesita de ellos,

incluyendo a veces la intimidación y la tortura física.

Captain America

“Captain America” Joe Simon, Jack Kirby.

El superpatriota supersoldado de los Estados Unidos.

Steve Rogers fue inoculado con un misterioso suero del supersoldado

desarrollado por el profesor Reinstein para el gobierno estadounidense,

lo que le permitió “aumentar su físico y mejorar sus tejidos cerebrales

hasta alcanzar una estatura e inteligencia sorprendentes.

” En el universo Ultimate, además, el suero del supersoldado

ha hecho a Rogers inmune a gases venenosos,

enfermedades de todo tipo y le permiten recuperarse a una velocidad mayor de cualquier herida. Además de sus habilidades de combate,

Rogers tiene una gran habilidad arrojando su escudo,

pudiendo impactar contra varios blancos con un solo lanzamiento.

Debuto en 1941 en Captain América Comics

1, número que en la portada lo mostraba metiéndole un sonoro puñetazo al mismísimo Hitler,

el número vendió un millón de copias.

FlashGordon

1934 “Flash Gordon”, Alex Raymond.

Su punto de partida es bastante delirante: Flash Gordon, un famoso jugador de polo,

y Dale Arden, futura novia del héroe, se lanzan en paracaídas

cuando el avión en que viajaban se estrella contra un meteorito.

Caen cerca del lugar donde el científico Hans Zarkov prepara sus planes

para desviar la trayectoria de un meteorito mayor que va a chocar contra la Tierra.

El plan consiste nada menos que en lanzar un cohete contra el meteorito.

En ese cohete viajan él mismo, Dale Arden y Flash Gordon.

Como resultado, viajan con ese cohete por el espacio y, van a parar al planeta Mongo,

futuro escenario de sus aventuras.

A pesar de lo absurdo del planteamiento inicial, las aventuras de Flash y sus amigos

en el planeta Mongo, y sus combates contra el malvado Ming en unos extraños escenarios,

en parte futuristas, en parte inspirados en antiguas civilizaciones, tuvieron un gran éxito.

La obra de Alex Raymond, en especial Flash Gordon fué modelo de todas las historias

de ciencia ficción durante muchos años. Se ha alabado la perfección académica de sus figuras, de una concepción casi escultórica, e incluso el efectismo en general de su dibujo,

 

Influencias de Flash Gordon Serie TV que se emitió en los 50 .

“The new adventures of Flash Gordon”, emitida entre 1979 y 1980,

fue la única serie de dibujos animados sobre el héroe.

Se produjo también una película de dibujos para televisión,

escrita por el guionista de Star Trek Samuel Anthony Peeples y llamada

“Flash Gordon: The greatest adventure of all”.

1980 se filmó la película “Flash Gordon”,

producida por Dino de Laurentiis y protagonizada por Sam J. Jones,

acompañado de actores como Max Von Sydow (Ming) u Ornella Mutti (Aura).

Esta nueva versión introducía algunos cambios en el argumento,

pero mantenía la esencia de la tira original.

El grupo británico Queen se hizo cargo de la banda sonora,

dándole al film aún más repercusión con el tema principal, “Flash”.

 

America” Joe Simon, Jack Kirby. Las aventuras espaciales: “Flash Gordon”, Alex Raimond. El exotismo selvático: “Tarzán”, Burne Hogarth.

 

 

(Flash Gordon)

 

Tarzán”de Burne Hogarth

 

(Tarzan)

 

 

5.5. Comenta la relación entre cine y cómic en el caso de:

“Tarzán”de Burne Hogarth. “Tarzán” de Burne Hogarth.

en 1936 le llegó su gran oportunidad al ser designado sucesor de Harold Foster

al frente de la página dominical de Tarzán, de United Feature Syndicate, q

ue realizaría durante un total de doce años, de 1937 a 1945, y de 1947 a 1950.

En su trabajo con Tarzán se han observado influencias del manierismo

—sobre todo en su tratamiento del cuerpo humano—,

el barroco e incluso el expresionismo alemán y el arte chino,

en lo que se refiere a la abigarrada composición de sus páginas,

hasta el punto de recibir el apodo de «Miguel Ángel del noveno arte».

Otorgó una agitación y un dinamismo inéditos en el resto de cómics de la época.

 

Hogarth ha superado brillantemente los márgenes del tiempo y sigue estando vigente

desde el punto de vista gráfico Del Cómic al Cine Tarzán,

uno de los íconos de la cultura popular, y por ende,

el personaje más representativo de la jungla africana,

ha tenido una agitada historia desde su creación en 1912 ,

pasando de los cómics a la pantalla grande.

Repasemos a continuación su trayectoria a través de los años.

Tarzán fue creado por Edgar Rice Burroughs,

y apareció por primera vez en el “pulp” ALL STORY MAGAZINE (octubre de 1912).

Tarzán y sus padres – aristócratas ingleses – fueron abandonados en la costa occidental

de África, y luego de que estos últimos murieron, el niño John Clayton III

-Lord de Greystoke- fue adoptado por Kala, perteneciente a una manada de monos.

Tarzán no solo fue un éxito en el papel sino que traspasó su gran influencia a la pantalla grande, donde se produjeron 89 películas entre 1918 y el 2010

(el primer actor en caracterizarlo fue Elmo Lincoln).

También se realizaron series televisivas entre 1958 y el 2003.

Quizá los actores más recordados fueron Johnny Weissmüller, Lex Barker,

Gordon Scott y Ron Ely

Los Primeros Dibujantes de Tarzán LOS DIBUJANTES DE TARZAN

Tarzán empezó a publicarse en los clásicos pulps en 1929, novelas de edición popular,

donde no había más dibujo que en la portada.

Si embargo, a poco tiempo pasó a editarse en las tiras dominicales y en el cómic book,

lo cual significó que un gran número de artistas deje su marca y sea recordado notablemente.

A continuación un listado de los grandes dibujantes de Tarzan.

 

1.Tira dominical:

Inicialmente fue Hal Foster el que le dio la apariencia a Tarzán

Luego continuarían Rex Maxon, Burne Hogarth, Ruben Moreira,

Bob Lubbers, John Celardo, Russ Manning (el más reconocido de todos),

Gil Kane, Mike Grell, Thom Yeates y Gray Morrow.

 

  1. Cómics:

Varias editoriales americanas tuvieron los derechos para realizar cómics del hombre mono. Caben resaltar a la DELL Comics, luego Gold Key, DC Comics, Marvel Comics,

Editorial Novaro, Blackthorne Comics, Malibu Comics y Dark Horse.

6 Explicar la trascendencia posterior en el arte,

del cómic de esta época El cómic como obra de arte.

El comic como modelo el obras de arte (el arte Pop)

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX

que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular

tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios,

comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. …

Artista destacado Roy Lichtenstein.realizó pinturas utilizando como referencia tiras de comic

de los años 30-50

 

El cómic y los museos

Considerado el noveno arte, no es por ello menor que las ocho artes que lo preceden.

El cómic, uno de los lenguajes artísticos más populares del siglo XXI,

se hace hueco Los grandes centros de arte.

En 2009, Le Louvre abrió sus puertas para mostrar el trabajo de los autores

que participaron en esta colección.

En 2012, mostró los originales del álbum Les Fantômes du Louvre de Enki Bilal.

Esta iniciativa inspiró a otros museos que entendieron las posibilidades narrativas del cómic.

El Museo de Orsay, junto a la editorial Futuropolis,

creó en 2014 su propia colección de cómics ambientada en la mítica estación de tren

y sus colecciones de arte. Hasta la fecha han aparecido dos álbumes

dibujados por Catherine Meurisse y Manuele Fior.

Los cómics llegaron a los museos españoles en 2014 con el álbum

Mitos del Pop de Miguel Ángel Martin, un encargo del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid como complemento de la exhibición homónima dedicada al Pop Art.

 

Cabría preguntarse si existe un verdadero deseo de incluir

en las colecciones de los museos el cómic

o si es solamente utilizado para que otros públicos visiten las salas del museo

Alta cultura , cultura popular , cultura de masas.

Alta Cultura: es un concepto utilizado de formas diferentes en entornos académicos,

cuyo uso más común es la valoración de ciertos productos artísticos y culturales

especialmente obras de arte, obras literarias y obras musicales,

para ponderarlos como los de más alta estima.

También designa a la sofisticada, cultura de las élites por oposición a la cultura de las masas (tanto a la cultura de masas como a la cultura popular),

o a conceptos como lo kitsch, lo bárbaro, lo rústico o lo primitivo (culturas primitivas);

todos ellos términos identificables con lo que puede denominarse baja cultura.

 

Cultura Popular

En la música: el tango, el jazz, el reggae, el rap, el heavy metal y el rock

En las artes plásticas: el grafiti,

En la literatura: las llamadas literaturas de género: fantástico, novela negra, ciencia ficción

En nuevos medios de expresión: el cómic/manga, los videojuegos, el anime, los juegos de rol

 

La cultura de masas

consigue fabricar a gran escala, con técnicas y procedimientos industriales,

ideas, sueños e ilusiones, estilos personales, y hasta una vida privada

en gran parte producto de una técnica, subordinada a una rentabilidad,

y a la tensión permanente entre la creatividad y la estandarización;

apta para poder ser asimilada por el ciudadano de clase media.

Surge, así, el concepto de industria cultural, el cine y la radio no necesitan ya darse como arte, se autodefinen como industrias

 

7 El cine español.

Cultura y situación económica de España Antes y después de la Guerra Civil

La crisis del cine sonoro y el cine de la Segunda República

 

En 1931, la llegada de producciones extranjeras con sonido hunde la producción nacional,

que se reduce únicamente a cuatro títulos.

Al año siguiente, Manuel Casanova funda la Compañía Industrial Film Española S.A. (CIFESA), la productora más importante que jamás haya tenido el país.

Se ruedan 6 películas, incluida la primera película de Luis Buñuel en España,

de carácter documental, Las Hurdes, tierra sin pan.

En 1933 se habían rodado ya 17 películas (4 en 1931, 6 en 1932 y 7 en 1933), y en 1934, 21, entre las cuales está el primer éxito del cine español sonoro

La hermana San Sulpicio (1934) de Florián Rey.

La producción de filmes iría ascendiendo hasta las 24 películas rodadas en 1935.

En estos años se consolidaron productoras y directores de películas

que obtuvieron una importante aceptación popular,

como Benito Perojo, a quien se deben El negro que tenía el alma blanca (1934)

y La verbena de la Paloma (1935), el mayor éxito del cine español de este período;

o Florián Rey que se ocupa de la dirección de La hermana San Sulpicio (1934),

Nobleza baturra (1935) y Morena Clara (1936).

Este podría haber sido el comienzo de la consolidación de la industria cinematográfica española, pero el inicio de la Guerra Civil aborta los pequeños avances de la cinematografía

de la Segunda República.

 

El cine español. Producciones Cifesa

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La guerra y la posguerra

Desde 1936, los dos bandos empiezan a usar el cine como medio de propaganda.

En el bando franquista, se crearía el Departamento Nacional de Cinematografía.

Al concluir la guerra civil, numerosos profesionales del cine marcharían al exilio.

En el nuevo régimen, se instaura la censura y se impone la obligatoriedad del doblaje

al castellano de todas las películas estrenadas en territorio nacional.

Destacarían directores como Ignacio F. Iquino (El difunto es un vivo, de 1941),

Rafael Gil (Huella de luz, de 1941), Juan de Orduña (Locura de amor, de 1948),

Arturo Román, José Luis Sáenz de Heredia (Raza, de 1942, con guion del propio Franco)

y, sobre todo, Edgar Neville (La torre de los siete jorobados, de 1944).

También puede destacarse Fedra (1956) de Manuel Mur Oti.

CIFESA se impone como la productora más rentable de la época,

cuyos largometrajes inspirados en episodios o personajes de relevancia histórica obtienen el beneplácito de las autoridades y a menudo el respaldo del público.

 

8 La situación del ballet europeo,

la influencia de los coreógrafos soviéticos

en el Ballet de la Ópera de París.

 

El Ballet ruso soviético

Mientras Ballets Russes de Diaghilev

estaba compuesto por bailarines de la comunidad francesa

que habían sido exiliados de la Revolución Rusa.

En Rusia el ballet continuó su desarrollo bajo el dominio soviético

Después de un estancamiento en la década de 1920,

a mediados de la década de 1930 la nueva generación

de bailarines y coreógrafos apareció en escena.

Se promovió la perfección en la técnica y la precisión en la danza.

Agrippina Vaganova, quien fue entrenado por Petipa y Cecchetti,

encabezando la Academia de Ballet Vaganova.

Esta escuela fue diseñada para entrenar a bailarines

para el Ballet Kirov en San Petersburgo/Leningrado.

El ballet obtuvo una buena posición en el gusto del público.

Las compañías de Moscow-Bolshoi y la de St. Petersburg- Kirov

fueron muy populares en el público.

Algunas piezas de la época tuvieron un gran impacto como la de “Romeo y Julieta” producido por Prokofiev y Lavrovsky.

La pieza, “Llamas de Paris”, muestra todas las facetas del arte realista socialista.

La pieza “Fuente de Bakhchisara” con música de Boris Asafiev

y coreografía de Rostislav Zakharov fue todo un éxito.

El ballet reconocido de “La Cenicienta”, en la cual Prokofiev creó la música,

también fue creación del ballet soviético.

 

Ballet: La trayectoria del Ballet de la Ópera de París. Serge Lifar.

 

 

 

 

Ballet Ruso en el Resto del Mundo

Después de la muerte de Serguéi Diáguilev en 1929

los maestros que trabajaban con él

tuvieron un gran papel en la difusión del ballet en todo el mundo.

Pero crear un colectivo igual, que reuniera artistas

de tantos géneros del arte, nadie pudo hacerlo.

 

Las huellas del conjunto de Diáguilev en el mundo

El primer bailarín del conjunto de Diáguilev, Serguéi Lifar,

encabezó el ballet de la Ópera de París.

La primera bailarina Anna Pávlova fundó su propio conjunto en Londres

y también organizó clases para niños británicos en su estudio.

Estos niños compondrían más tarde su propio conjunto londinense.

Creando su propia compañía que viajó por todos el mundo.

Michel Fokine trabajó con muchos grupos de ballet,

incluido el futuro American Ballet Theatre.

Leonid Massine colaboró con el Ballet Ruso de Monte Carlo,

compañía creada tras la muerte de Diághilev,

donde trabajaron bailarines de los conjuntos de Serguéi Diáguilev y Anna Pávlova.

 

Ballet de la Ópera de París.

Sus orígenes pueden ser rastreados hasta 1661

con la fundación de la Académie Royale de Danse (Academia Real de Danza)

y la Escuela de Danza de la Ópera (1713) por Luis XIV de Francia.

Como parte del Théâtre National de l’Opéra,

la compañía dominó la danza teatral del siglo XVIII y el inicio del siglo XIX.

Sus artistas desarrollaron técnicas de ballet clásico

La decadencia de la compañía a fines del siglo XIX fue detenida por Jacques Rouché, director de la Ópera de París y de la Opéra-Comique entre 1914 y 1944.

Después de las exitosas producciones de vanguardia de los Ballets Rusos

de Sergei Diaghilev, Rouché contrató a los artistas estrellas rusos

Michel Fokine, Anna Pávlova y Bronislawa Nijinska

y en 1930 nombró a Serge Lifar director de la compañía.

Entre los principales bailarines al mando de Lifar estuvieron

Yvette Chauviré, Solange Schwarz, Marjorie Tallchief, Michel Renault y George Skibine.

9 Las composiciones musicales de las denominadas “Big Band” americanas

por ejemplo la orquesta de Benny Goodman

9.1. Identifica la música “Swing”

y su relación con las Big Band americanas.

 

La expresión en inglés big band (literalmente, gran banda)

hace referencia a un grupo amplio de músicos de jazz que tocan conjuntamente;

puede ser traducida libremente como orquesta de jazz.

Las big bands aparecen como tales a finales de la década de 1920,

aunque su etapa de oro es el periodo comprendido entre 1935 y 1950.

La estructura de las big bands ha ido evolucionando a lo largo del tiempo,

desde las bandas de diez u once miembros de la época inicial del swing,

hasta las grandes orquestas de más de veinte músicos de los años setenta.

En cualquier caso, característica esencial de las big bands

es la existencia de secciones instrumentales,

en algunas de las cuales los mismos instrumentos se encuentran duplicados.

Como regla general, aunque no exista un único formato de Big Band,

habitualmente se compone de tres secciones: metales (horn section), maderas (reeds) y ritmo.

 

Las “Big Band” americanas: Benny Goodman, Glenn Miller, Duke Ellington, Tommy Dorsey, etc.

 

 

 

Época swing

Con la consolidación del estilo swing,

las big bands pasaron a constituirse en el eje del desarrollo del jazz.

Fueron precisamente estas grandes bandas las que facilitaron la enorme popularización

del estilo, al convertirse en sinónimo de música de baile.

Precisamente su papel de orquestas de baile, y el hecho de que el público blanco,

al bailar, se desconcertaba fácilmente si no percibía con claridad la estructura melódica,

llevaron a muchas orquestas a tocar straight, es decir, solo el tema principal,

reduciendo las improvisaciones a unos pocos compases.

Esta tendencia, que se desarrolló frente a la línea principal de evolución del jazz,

originó una diferenciación entre swing bands

(aquellas que subrayan los aspectos rítmicos y el trabajo de improvisación de los solistas),

y sweet bands (que reducen los aspectos característicos de las primeras,

y se centran en la melodía y sus arreglos,

dirigidas básicamente al baile, como la mayor parte de las orquestas blancas,

entre ellas las de Glenn Miller, Harry James, Buddy Morrow, Frankie Carle o Guy Lombardo).

 

Benny Goodman,

fue un clarinetista y director de orquesta estadounidense de jazz.

Conocido como El rey del swing, el representante más popular de este estilo jazzístico

e iniciador de la llamada era del swing.

Una de sus interpretaciones más famosas es la de “Sing, sing, sing (with a swing)”,

empleada en múltiples bandas sonoras y obras de teatro y musicales.

Otros músicos importantes fueron: Glenn Miller, Duke Ellington, Tommy Dorsey,