índice BLOQUE 6. LOS FELICES AÑOS VEINTE. EL ART DECÓ

El desarrollo económico del periodo de entre guerras.

El auge del lujo. El arte como producto para la élite.

Notas distintivas de la arquitectura decó.

Estados Unidos: los grandes edificios New York: Chrysler building. Empire State building.

Mobiliario art decó.

Tamara de Lempickca. Pintora.

Escultura: Pablo Gargallo y Constantin Brancusi.

Música: la revista musical. El Folies Bergère. El Moulin Rouge.

Música dodecafónica, serialista y atonal.Arnold Schönberg.

La música norteamericana. Irving Berlin, George Gershwin.

La joyería Decó y los relojes de pulsera.

Las empresas Cartier y Patek Philippe. Moda: la revolución en el mundo de la moda y en el vestido de la mujer. Coco Chanel.

 

Bloque 6. Los Felices Años Veinte. El Art Decó

El desarrollo económico del periodo de entre guerras.

 

 

 

1.1 la relación entre el desarrollo económico mundial y el auge del art decó

 

La denominación felices años veinte o años locos

corresponde al periodo de prosperidad económica que tuvo Estados Unidos desde 1920 hasta 1929, como parte del periodo expansivo de un ciclo económico.

Esta prosperidad benefició a toda la sociedad e hizo que la economía siguiera creciendo

a un ritmo que no se había registrado antes, generando una burbuja especulativa.

Pero esta prosperidad duraría un corto periodo que finalizaría el 24 de octubre de 1929,

conocido como el Jueves Negro,

y con la llegada del Crack del 29

que culminaría finalmente con el advenimiento de la Gran Depresión.

 

Causas.

En la Primera Guerra Mundial EEUU había exportado grandes cantidades de armamento

y otros productos a los países europeos.

Al finalizar la guerra, la economía de Europa quedó tocada seriamente.

Al acabar la guerra, Inglaterra tenía deudas de guerra con EEUU,

al igual que muchos países europeos,

lo que lógicamente favoreció la economía de EEUU al ser receptor de estas.

Estados Unidos se vio frente a un exceso de demanda

lo que provocó ingresos estadounidenses crecieran vertiginosamente

mientras Europa se reconstruía.

La expansión de Estados Unidos se basó en una profunda transformación productiva

dominada por la innovación técnica.

De esta forma se disminuían costes y se aumentaba la producción,

obteniendo más beneficios.

Fue en esta época donde se popularizó el uso del teléfono,

el automóvil y los electrodomésticos.

Estos aparatos eran demasiado caros,

y fue entonces cuando se aplicó por primera vez la venta a plazos.

Esto creó una oleada consumista que hizo que se comprara tanto

hasta el extremo de que los consumidores se endeudaran por encima de sus posibilidades.

También fue objeto de popularidad la difusión de la radio como medio de comunicación masivo,

ya que era un dispositivo económico y al alcance de toda la población.

En estos tiempos la fábrica Ford innovó con la utilización de la cadena de montaje.

De esta forma se reducían costes y tiempos de producción.

Este método se aplicó a otros sectores (siderurgia, cristal,etc).

También tuvieron efectos positivos la demanda de la construcción de rascacielos.

Todo esto tuvo una gran influencia en el mercado de trabajo,

dejando la tasa de desempleados en Estados Unidos muy baja.

Se vivían unos años de excelente bienestar y de gran optimismo frente al futuro.

 

El auge del lujo. El arte como producto para la élite.

Estados Unidos: los grandes edificios.

 

 

 

1.2. Explica la evolución desde el arte basado en la naturaleza (modernismo),

al arte geométrico (art decó).

 

Origen del art déco

(también art decó o incluso art deco) fue un movimiento de diseño popular

a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como

arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial,

también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.

En 1925 organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) en París,

y se llamaron a sí mismos los modernos;

en realidad, el término art déco se acuñó en la retrospectiva titulada «Les Années 25»,

llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs

(Museo de Artes Decorativas) del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966;

1 el término es por lo tanto un apócope de la palabra francesa décoratif.

En inglés suele suprimirse la tilde y se escribe «deco».

En español, la RAE lo ha normalizado como art déco, con la tilde en la «e».

El art déco alcanzó su apogeo en los años 1920.

Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas,

el art déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués.

A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas,

el art déco es sólido y posee una clara identidad propia.

No se trata de un historicismo ni de un anacronismo;

es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial.

Su significación gira en torno al progreso,

el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria.

Elegante, funcional y modernista, el art déco fue un avance frente al art nouveau,

esta vez exitoso en la generación de un nuevo repertorio de formas

acordes con la problemática e imaginería de su tiempo.

El art déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial.

De manera simultánea a una creciente depresión económica

y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra, había un deseo intenso por el escapismo.

La gente gozó de los placeres de la vida y del art déco durante la era del jazz.

 

Características:

Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos

de principios del siglo XX se inspira en las Primeras Vanguardias.

Las influencias provienen del

constructivismo, cubismo, futurismo,

del art nouveau, del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus.

Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto

marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del art déco,

afín a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.

Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas:

las líneas aerodinámicas, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño se expresaron en formas fraccionadas,

cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría.

El color se nutrió de las experiencias del fovismo;

trapezoides, facetamientos, zigzags

y una importante geometrización de las formas son comunes al art déco.

Materiales: aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón y piel de cebra.

El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco,

el facetado y la línea recta o quebrada o greca .

Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles:

desde el diseño de zapatos para señoras hasta las parrillas de radiadores,

el diseño de interiores para teatros y rascacielos como el Edificio Chrysler.

 

El estilo art deco no estuvo limitado a la arquitectura;

el transatlántico SS Normandie, cuyo viaje inaugural tuvo lugar en 1935,

fue diseñado incorporando muchos diseños art deco,

incluyendo un salón comedor cuyo techo y decoración estaba realizada con vidrio de Lalique.

Otros buques con influencia art déco en su decoración fueron

el Île de France, el Queen Mary y el Nieuw Amsterdam.

 

2.1 Relaciona el art decó con los edificios anteriores de la escuela de Chicago,

y los edificios de New York especialmente el Chrysler Building y el Empire State Building Chrysler_Building

 

La Escuela de Chicago. New York: Chrysler building. Empire State building.

 

El Edificio Chrysler,

Fue el edificio más alto del mundo durante once meses,

hasta que le superó el Empire State Building en 1931.

El Edificio Chrysler, diseñado por el arquitecto William Van Alen,

es un ejemplo clásico de la arquitectura art déco y muchos arquitectos contemporáneos lo consideran uno de los mejores edificios de Nueva York.

En los años posteriores a la Primera Guerra Mundial,

los arquitectos de Europa y los Estados Unidos habían empezado a simplificar las formas

de los diseños tradicionales y a usar materiales industriales de manera innovadora

para caracterizar a la edad moderna.

El estilo art déco parecía prestarse especialmente bien al diseño de rascacielos

debido a que este tipo de construcción simbolizaba progreso, innovación y modernidad

más que cualquier otro tipo. Aunque el estilo art déco duró poco tiempo,

coincidió con un gran boom inmobiliario en Nueva York a finales de los años veinte.

El exterior del edificio tiene muchos ornamentos heroicos,

como las gárgolas de las catedrales góticas.

Las esquinas de la planta 61 están decoradas con sendos pares de águilas

esculpidas por Kenneth Lynch, que tienen una longitud considerable

hay réplicas de las decoraciones del capó de Chrysler de 1926;

mientras que en las esquinas de la planta 24 hay piñas de tres metros de altura,

símbolos de la hospitalidad, que fueron fabricadas en el sitio.

El edificio está construido de albañilería, con estructura de acero y revestimiento metálico.

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Empire State Building

Empire State Building, rascacielos en la intersección de la Quinta Avenida y West 34th Street,

en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos.

Su nombre deriva del apodo del Estado de Nueva York.

Fue el edificio más alto del mundo durante más de cuarenta años,

desde su finalización en 1931 hasta 1972. Fue el primer edificio en tener más de 100 pisos.

Edificado por el Estudio de Arquitectura Shreve, Lamb and Harmon.

A diferencia de la mayoría de los actuales rascacielos,

el Empire State cuenta con un diseño art decó,

típico de la arquitectura de pre-Segunda Guerra Mundial en Nueva York.

Las modernistas marquesinas de las entradas de los pisos 33 y 34

conducen a dos pisos de altos corredores de todo el núcleo de ascensores,

atravesado por puentes cerrados de acero inoxidable y vidrio en el segundo piso.

El vestíbulo es de tres pisos de altura.

El corredor norte contiene ocho paneles de iluminación,

creados por Roy Sparkia y Renée Nemorov en 1963,

que representa el edificio como la octava maravilla del mundo, junto a las tradicionales siete.

3.1. Compara la escultura de Pablo Gargallo y de Constantin Brancusi.

 

 Pablo Gargallo El profeta

 

Pablo Gargallo

 

Fue un escultor y pintor español.

Es considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX,

a lo largo de su vida artística combinó paralelamente el clasicismo con la experimentación.

En El profeta, de 1933, culmina toda su trayectoria, que incorpora la vanguardia cubista

en una escultura que conjuga el volumen y el vacío,

y posee una gran energía de carácter expresionista.

Gargallo, influido por su amigo Julio González,

desarrolló un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales

de placas planas de metal, usando también papel y cartón.

También realizó esculturas más tradicionales en bronce, mármol y otros materiales.

Entre sus obras se encuentran tres piezas inspiradas en Greta Garbo:

Masque de Greta Garbo à la mèche, Tête de Greta

y los Garbo avec chapeau y Masque de Greta Garbo aux cils.

Sin embargo, su obra más conocida es su pieza maestra El profeta, de 1933,

que es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco

y a la vez posee una energía expresionista que conecta, por el tema tratado, con la tradición bíblica.

Se le considera uno de los artistas más significativos de la vanguardia española e internacional.

Constantin Brancusi

Constantin Brancusi

 

Aunque de origen rumano, se desarrolló y se dio a conocer en París.

Está considerado como uno de los grandes escultores del siglo XX.

Su obra ha influido en nuevos conceptos de la forma en escultura.

Su obra 215 esculturas, evolucionó desde 1908 hacia un estilo muy personal, geométrico,

con una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción,

proponiendo una realidad distinta. De esta manera, dejaba de lado el realismo escultórico del siglo XIX para dar paso al arte abstracto que se abría camino.

Inspirándose en el arte escultórico prehistórico y africano,

intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo

mediante una simplificación extrema de la forma.

Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce y la madera.

Predomina en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindro alargado.

Realizó una serie de esculturas en metal llamadas Pájaro en el espacio.

Entre otras obras de Brancusi se encuentran:

Madre durmiente (1906-10), El beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (1911),

El comienzo del mundo (1924), El pájaro (1924-49), la Columna del infinito (1933),

El espíritu de Buda (1933) y La gallina (1941).

 

tamara de lampique

 

4.1. Comenta la obra pictórica de la pintora Tamara de Lempicka

Tamara fue “la primera artista mujer en ser una estrella del glamour”.

Influenciada por el Cubismo, Lempicka fue una de las mayores representantes del estilo Art Deco influyente en dos continentes, fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood

y llamada “la baronesa con pincel”.

Fue la retratista más reconocida de su generación entre la “alta burguesía” y la aristocracia,

pintando duquesas, grandes duques y las altas esferas sociales.

A través de su red de amistades, expuso sus pinturas en los salones de mayor élite del momento.

Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos.

Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas,

con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural

por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras;

son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos.

Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general,

y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto.

Curiosamente, Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos

para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de última moda.

Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos,

también retrató a su hija en varias ocasiones

y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York.

También realizó cuadros de flores.

 

5.1. Explica las claves artísticas del musical,

relacionándolo con el “Folies Bergère”, el “Moulin Rouge”, “Cotton Club”

y la trayectoria artística y personal de Joséphine Baker

 

Música: la revista musical. El Folies Berguere. El Moulin Rouge.

 

 Folies Bergère

 

El musical

remonta sus orígenes a varias fuentes teatrales del siglo XIX,

incluida la opereta, la ópera cómica, la comedia musical, la pantomima, el minstrel show,

el vodevil y el género burlesco, también en ocasiones el género erótico cabaret.

 

El vodevil

(del francés vaudeville) fue un género de teatro de variedades que existió en EEUU

principalmente entre los años 1880 y 1930.

Se conoce también como vodevil a un tipo de comedia ligera que se desarrolló en Francia

a partir del siglo XVIII y que solía intercalar números musicales.

 

Cabaré

es una palabra de origen francés cuyo significado original era «taberna»,

pero que pasó a utilizarse internacionalmente para denominar salas de espectáculos,

generalmente nocturnos, que suelen combinar música, danza y canción,

pero que pueden incluir también la actuación de humoristas, ilusionistas, mimos

y muchas otras artes escénicas.

Se distinguen de otros locales de espectáculos, entre otras cosas, porque tienen un bar,

cuando son pequeños, y un bar y un restaurante, cuando son grandes.

A diferencia de lo que sucede en el teatro,

los asistentes pueden beber y conversar entre si, durante las actuaciones.

El público de los cabarés aplaude, con frecuencia, espectáculos atrevidos,

tanto políticos como sexuales.

Moulin Rouge

 

Tipos de Cabaret:

1 Los que siguen la tradición de Le Chat Noir y del Lapin Agile:

 Son pequeños o de tamaño medio, no suelen tener un restaurante, pero siempre tienen un bar. Actúan principalmente cantautores, cantantes, músicos y orquestas de jazz,

pero no exclusivamente ni en todos los lugares.

En inglés este tipo de cabaré se denomina French cafe (café francés) o, simplemente, café o club. En Benidorm, España, son bastante numerosos

y tienen la peculiaridad de que muchos están abiertos durante el día.

También son relativamente numerosos en Nueva Orleans y París.

 

  1. Los que siguen la tradición del Moulin Rouge y del Folies Bergère:

Son grandes, tienen un bar y un restaurante, y presentan revistas de gran espectáculo,

que son del agrado de muchos turistas. Uno de los más famosos es el Lido de París.

 

  1. Cabaré de vanguardia, los que siguen la tradición del Els Quatre Gats

de Barcelona y del Cabaret Voltaire de Zúrich. Folies Bergère. Inaugurado en 1872, music hall,

pero cabaré desde finales del siglo XIX hasta finales del siglo XX.

Se hizo célebre, entre otras cosas, por sus tableaux vivants y sus decorados en trampantojo.

Algunos artistas que actuaron en el Folies Bergère:

Joséphine Baker, Sidney Bechet, La Bella Otero, Charlie Chaplin, Maurice Chevalier,

Norma Duval, Loïe Fuller, Grock, Stan Laurel, Mata Hari, Cléo de Mérode,

Mistinguett, Édith Piaf, Jean Sablon y Charles Trenet.

En la actualidad presenta actuaciones de cantantes, comedias musicales, grupos de baile, etc.

 

Moulin Rouge, desde 1883.

Conocido por los carteles de Tolouse Lautrec

Algunos artistas que actuaron en el Moulin Rouge:

Jane Avril, Charles Aznavour, Joséphine Baker, artistas del cabaré Cotton Club de Nueva York,

en 1937, Bing Crosby, Dalida, Sacha Distel, Yvette Guilbert, La Goulue, Jerry Lewis, Dean Martin, Liza Minnelli, Mistinguett, Yves Montand, Édith Piaf, Ginger Rogers,

Frank Sinatra, Charles Trenet y Peter Ustinov.

 

El Cotton Club

fue un club nocturno de Nueva York (Estados Unidos)

que se mantuvo abierto durante la Ley Seca de los años 1920.

Fue fundado en 1920 en Harlem, en el barrio negro de Manhattan,

aunque generalmente denegaban la admisión a los consumidores afroamericanos.

El club fue abierto por el campeón de los pesos pesados Jack Johnson,

y el contrabandista y gángster Owney Madden adquirió el club en 1923

mientras estaba encarcelado en Sing Sing y cambió el nombre del local al de Cotton Club.

Fue un club mítico en la época ya que era el escaparate de las principales novedades musicales, como Fletcher Henderson, Duke Ellington, Count Basie, Bessie Smith, Cab Calloway,

The Nicholas Brothers, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Nat King Cole,

Billie Holiday o Ethel Waters.

Los domingos eran frecuentes las “Celebrities Nights”,

a las cuales asistían de público personas destacadas de la política y la cultura,

como Jimmy Durante, George Gershwin, Al Jolson, Mae West, Irving Berlin, Eddie Cantor,

el alcalde de Nueva York Jimmy Walker u otras celebridades.

Joséphine Baker

 

Joséphine Baker (1906 -1975)

fue una bailarina, cantante y actriz estadounidense, nacionalizada francesa.

Baker se convirtió en un icono musical y político internacional.

Se le dio apodos tales como la “Venus de bronce”, la “Perla negra” y la “Diosa criolla”.

Baker fue la primera mujer afroamericana en protagonizar una importante película, Zouzou (1934), en integrar una sala de conciertos en Estados Unidos,

y en convertirse en una animadora de fama mundial.

Joséphine Baker creció en el periodo de las peores revueltas racistas vividas en Saint Louis.

En 1922 se unió a una compañía de baile;

un año más tarde ya estaba en el coro de la primera obra de color en Broadway, “Shuffle Along”. Posteriormente trabajó en el mítico Cotton Club.

En 1925 fue a París como integrante del coro de La Revue Nègre.

El público europeo se quedó prendado de Joséphine Baker

y se convirtió en una estrella del Folies Bergière.

Introdujo el Charleston en el viejo continente

y protagonizó varias películas de éxito como

Le Siréne des tropiques, Zou o Princesse Tam-Tam, hasta el año 1935.

Dos años después se nacionalizó francesa.

Su talla como artista sólo es comparable con su humanidad y servicio al prójimo,

y prueba de ello es la vida que llevó a partir de 1939, cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, integrándose primero en el voluntariado y más tarde en la resistencia francesa,

hechos que la hicieron acreedora de la Legión de Honor y de la Cruz de Guerra,

dos importantes condecoraciones de ese país.

 

También es conocida por sus contribuciones al movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos (Coretta Scott King le ofreció el liderazgo no oficial del movimiento en 1968

tras la muerte de Martin Luther King, pero lo rechazó)

 

6.1. Identifica las claves esenciales del mobiliario decó.

En artes del diseño, la cultura Art Decó comprende al menos estos dos estilos:

 

1-Un estilo de recuperación neoclásica,

particularmente Imperio, acaso resurrección nacionalista francesa.

Carece de nombre en los libros de historia, pero habría que llamarlo algo así como neo-Imperio.

En moda, los trajes elevan el talle hasta debajo del pecho, como en los vestidos de 1800.

En muebles, Ruhlmann recupera la volumetría del mobiliario napoleónico,

pero prescinde del dudoso gusto decorativo de aquel estilo.

En arquitectura se hibridiza lo arcaico, procedente

de Egipto, Mesopotamia y América precolombina, con lo clásico occidental,

y surgen edificios de fría y sobria monumentalidad.

Tras la Segunda Guerra Mundial, este lenguaje, que fue favorito de los regímenes totalitarios,

será condenado por Estados Unidos

y hasta finales del siglo XX no ingresará en los libros de historia,

como si se tratara de un estilo maldito.

 

  1. Un estilo llamado aerodinámico

(inglés: streamline o streamlined moderne) por su decoración de líneas paralelas y zigzagueantes, así como por volúmenes acumulados que sugieren la penetración en el aire propia de los vehículos. Coincide con el tiempo de Entreguerras cuando se vivió el gran desarrollo tecnológico

de los medios de transporte: trenes, transatlánticos, aviones, zepelines.

Inspirados en los yates apareció un estilo fresco y desenfadado

en la arquitectura y los interiores hoteleros del sur de Estados Unidos.

Donald Deskey Racio City Music Hall.

En Madrid cabe destacar tanto el edificio Carrión como su interiorismo.

Los vasos de Lalique

Los vasos de Lalique,

con una decoración en altorrelieve muy detallada, se fabricaban según tres procedimientos: soplando con la boca el vidrio dentro de moldes;

mediante un proceso mecánico de aspiré soufflé o pressé soufflé; y moldeados en una prensa.

El material de base era siempre de cristal: cristal con un 50 por ciento de plomo.

Se dejaba claro o se coloreaba con óxidos metálicos, sulfatos y cloratos,

con los que se conseguía una gama de colores exquisitos que iban del verde esmeralda al rojo rubí.

El repertorio de motivos decorativos de Lalique era también variado:

animales naturales o estilizados, flores, formas humanas o mitológicas

y composiciones geométricas abstractas.

Las formas en relieve eran realzadas mediante la aplicación de tintes de colores esmaltados.

En su catálogo había una amplia variedad de objetos:

vasos, vajillas, objetos de tocador, frascos, perfumes, joyas, cajas de reloj, esculturas, espejos, juegos de escritorio, lámparas, muebles, accesorios arquitectónicos, fuentes

e incluso objetos novedosos como las mascotas de automóvil.

La Joyería Art Decó

7.1. Compara la tipología de las joyas decó, por ejemplo Cartier,

con las de otras épocas.

La 1ª Guerra Mundial supuso una ruptura en el diseño de joyería.

La guerra cambió el papel de la mujer en la sociedad.

La necesidad de que las mujeres ocuparan los puestos de trabajo de los hombres

creó una gran emancipación.

Los “Locos Años 20” florecieron con un gusto por el lujo decadente.

La moda femenina adoptó un estilo masculino y estilizado.

Los pantalones se convirtieron en el símbolo de la mujer liberada durante el día.

Pero por la noche, teatrales y provocativos vestidos fueron el último grito.

Las faldas se acortaron para enseñar las rodillas, incluso a veces más,

para bailar cómodamente los ritmos de moda: tango, charleston y fox trot.

El pelo se llevaba “a lo garçonne, destacando de esta manera los pendientes.

 

La joyería Decó y los relojes de pulsera. Las empresas Cartier y Patek Phillipe.

 (Historia de Cartier)

 

Cartier

La joyería Art Deco está caracterizada

por los diseños geométricos, diversas combinaciones de color y motivos abstractos.

 

En 1922, la apertura de la tumba de Tutankamon, inspiró un revival de lo egipcio.

También son comunes las influencias del arte maya.

Las piedras preciosas más populares del período Art Deco fueron los diamantes

Rubíes, zafiros, esmeraldas, coral, marfil, jade, madreperla y cristal de cuarzo fueron empleadas como acentos de color junto a los diamantes o en solitario.

El metal preferido fue el platino

 

La Joyería Art Decó II: Colores y Motivos

Aplicación de los colores y materiales

Aunque en un comienzo la joyería Art Déco tuvo como protagonistas a los diamantes,

poco a poco fueron introduciéndose los colores en los diseños.

Aún así, son muchas y espectaculares las piezas monocromáticas que pueden encontrarse,

puesto que la gran innovación introducida en estos diseños era su montaje

sobre esqueletos de platino, que las hacía enormemente flexibles y ligeras

y permitía trabajos minuciosos y extremadamente detallistas como los que veis en las fotografías.

Otra de las peculiaridades era la versatilidad de las piezas,

puesto que la mayoría de ellas contaban de varios elementos convertibles

que las permitían ser ahora collar, ahora broches, así como pulseras e incluso tiaras.

Fruto de los viajes a otros países y de la influencia de otras disciplinas artísticas,

fue introduciéndose el color en las piezas.

Aunque las combinaciones más comunes eran las que mezclaban los diamantes con piedras de color como los zafiros o las esmeraldas,

poco a poco se fue abriendo la veda hasta mezclar y trabajar en igualdad de condiciones

con materiales y piedras más nobles (diamantes, zafiros, esmeraldas y rubíes)

y otros de menos valor (onix, coral, jade…)

El primero en introducir estas maravillosas combinaciones fue el propio Cartier,

cuya colección Tutti Frutti es conocida ya no sólo por esa combinación de color,

sino por ser un trabajo ejemplo y muestra de las tendencias de la época.

 

MOTIVOS

Fruto de las influencias del arte típico de aquella época,

una de las temáticas más utilizadas fue la de los elementos naturales y los animales.

Plantas autóctonas como las rosas o los bouquets recargados cedieron paso a palmeras,

bambúes y todo tipo de vegetación extranjera.

Una tendencia que también se observó en los animales “retratados” en las piezas de joyería,

que pronto pasó a retratar serpientes, galgos, pekineses o loros.

Quizás el más importante de ellos fue la pantera de Cartier,

que aunque su primera aparición en 1914 tuviera lugar en forma de mascota

de las tarjetas de la exposición de entonces de Cartier

y como estampado en uno de los relojes de aquel evento,

no fue oficialmente nombrada imagen de la casa hasta muchísimo más tarde,

cuando Jeanne Toussant (directora creativa de la marca entonces),

apodada “La Pantera” por su fuerte carácter, oficializara al animal.

Sin duda los motivos con más presencia en esta época fueron los orientales,

tanto de la zona más cercana de Egipto como de China e India.

Tan pronto se reflejaban a la manera clásica en las piezas

(como el brazalete con dibujos de bambú en esmeraldas, diamantes y zafiros),

como se trabajaban de manera más original mezclando las turquesas o el ónix.

 

Cartier

Con el inicio del siglo XX, el estilo Art Nouveau que imperaba en esa época

está prácticamente ausente de las colecciones Cartier.

Los diseñadores de la Maison, incitados por Louis Cartier,

se aventuran en las formas abstractas y geométricas.

El siglo arranca con ímpetu y los códigos establecidos quedan trastocados:

estalla el color con el fauvismo, el movimiento expresionista alemán

o los ballets rusos de Diaghilev que París descubre con sorpresa y fascinación en 1909.

Cartier crea piezas con nuevas formas en lo que entonces se llamó el “estilo moderno”,

inaugurando así el futuro estilo Art Decó adelantándose a sus rivales en la creación artística.

 

7.2. Analiza el concepto del lujo en relación al arte, por ejemplo en la joyería

El precursor de los cambios en joyería fue Jacques Cartier,

 

Gran parte de aquella modernidad le vino de sus frecuentes viajes, sobre todo a Oriente,

cultura de la que quedó prendado. Desde su primer viaje en 1911,

Jacques Cartier viajó a la India, fue allí donde aprendió nuevas técnicas,

tallas y diseños que causaron sensación en la Europa del momento,

como las piezas de la colección Tutti Frutti. Pero la fascinación no fue sólo suya.

Jacques Cartier fue testigo en aquellos viajes del gran respeto y admiración

que las joyas y relojes parisienses suscitaban en los marajás.

Aquellos hombres, dueños de colecciones de piedras preciosas

que parecían haber salido de cuentos de aventuras acabaron confiando en el joyero

con los ojos cerrados, confiándole sus propias piedras

para que las montara en piezas contemporáneas, generalmente en platino.

Algunas piezas (ornamentos para turbantes, brazaletes de antebrazo, collares de gala)

fueron forjadas con formas tradicionales indias,

mientras que otras joyas se elaboraron con un estilo completamente nuevo y moderno.

El encargo más espectacular de todos fue la remodelación de las joyas

de la corona de Sir Bhupindra Singh, Marajá de Patiala,

cliente dueño del collar más grande fabricado por la casa

hasta el momento que incluía el famoso diamante De Beers, de 234,69 quilates,

y 5 vueltas con 2.390 brillantes, ni más ni menos.

Con el tiempo, los marajás más ricos de la India se convirtieron en clientes de Cartier:

el Marajá de Kapurthala, el Marajá de Nawanagar,

el Aga Khan, el Sultán de Mysore, el Nabab de Rampur, el Nizam de Hyderabad…

 

Patek Philippe

7.3. Debate acerca de la relación entre lujo y artesanía,

utilizando entre otros ejemplos posibles la empresa Patek Philippe.

Louis Cartier amigo de Santos Dumont pionero de la aviación le regalo el primer reloj de pulsera

en 1901 al escuchar de que desconocía el tiempo empleado para su hazaña

al no poder despegar los brazos de los mandos para consultar la hora.

Ese pequeño gran diseño tuvo tanto éxito y tal demanda

que Cartier empezó a comercializarlo en 1908,

entonces sólo para clientes selectos, y bajo el nombre de Cartier Santos

en honor a su mutua amistad. Patek Philippe & Co es una empresa suiza de relojes de lujo.

En la actualidad la familia Stern es la propietaria de la empresa.

Su presidente es el multimillonario Henri Stern.

Con los años, los relojes Patek Philippe han sido usados por un número notable de personas, incluidos los miembros de la realeza, estrellas de cine y magnates.

Es conocido el hecho de que el rey emérito de España, Juan Carlos I de Borbón,

suele lucir en su muñeca un reloj fabricado por esta empresa suiza.

Antoni Patek comenzó haciendo relojes de bolsillo en 1839 en Ginebra,

junto con su colega polaco Franciszek Czapek.

Se separaron en 1844, y en 1845 Patek se unió con el relojero francés Adrien Philippe,

inventor del mecanismo de disolución sin llave.

En 1851, se fundó la Patek Philippe & Co. En 1868, Patek Philippe hizo su primer reloj de pulsera. Han sido pioneros en el calendario perpetuo, cronógrafo y repetidor de minutos en los relojes.

La compañía fabricó los primeros relojes de cuarzo e incluso un reloj de pulsera digital,

Henry Graves Jr. fue el primer propietario del reloj más caro del mundo,

un reloj complejísimo con 24 funciones. Luego, fue subastado por 11 millones de dólares.

Más tarde, en el 2008. En la última puja, efectuada en noviembre de 2014,

dicha pieza adquirió un valor de venta de 19,3 millones de euros,

siendo adquirida por un comprador anónimo y batiendo todos los récords hasta la fecha.

 

8.1. Analiza la música dodecafónica, utilizando composiciones,

entre otras posibles, de la obra musical de Arnold Schönberg, Anton Webern o Alban Berg. Durante la Gran Guerra (1914-1918) la actividad musical europea se ralentiza,

muchos músicos son movilizados

y las infraestructuras musicales en muchos casos desaparecen.

Los compositores, durante y después de la guerra,

se ven obligados a trabajar con menos recursos, lo que llevará a una música simplificada, liberada también así de los excesos del último romanticismo.

Las tendencias difusas de los años del cambio de siglo

se convertirán poco a poco en corrientes definidas,

en estilos de época que dominarán el período desde el final de la guerra del 14 hasta la del 39, período conocido como de «entreguerras».

Entre estas corrientes destacan especialmente la dodecafonía y el neoclasicismo.

 

ATONALISMO

Este movimiento se funde con la corriente expresionista.

Durante la primera década del siglo XX,

los excesos de los post-románticos en el plano de la armonía,

hicieron que poco a poco la tonalidad, que hasta entonces organizaba

y era la base de las obras musicales, perdiera su papel.

El Atonalismo nace cuando una serie de compositores, con Arnold Schoenberg a la cabeza,

deciden otorgar a la disonancia la misma importancia que a la consonancia

y escribir sus obras con una tonalidad concreta.

Esto implica que todas las notas tienen el mismo valor, sin jerarquías.

De ahí la sensación de que se han perdido los puntos de equilibrio y de orientación,

por lo que para nuestros oídos, la música atonalista suena desafinada.

Entre las obras en las que Schoenberg recurre al Atonalismo,

podemos destacar “Cuarteto nº 2” y “La noche transfigurada”.

Esta ruptura con la tonalidad influiría también en artistas como

Richard Strauss, Gustav Mahler, Edgar Varese o Charles Ives, entre otros.

Sin embargo, la corriente del Atonalismo como tal tuvo una vida efímera,

ya que se trataba de componer sin ningún tipo de normas,

sumiendo a la música en una especie de caos.

 

Dodecafonía

Hacia 1920, Arnold Schönberg da a conocer un sistema de composición

que ha estado experimentando durante los años de la guerra y la posguerra,

tratando de encontrar un método que le permita componer obras atonales siguiendo unas reglas.

El método, al que llama simplemente «método de composición con doce sonidos»

se conocerá pronto como dodecafonía.

Este método consiste en organizar los sonidos en series

que incluyen las doce notas de la escala cromática temperada.

El compositor parte de una serie original, a la que aplica métodos contrapuntísticos

como la retrogradación, la inversión y el transporte,

consiguiendo así un conjunto de 48 series diferentes a partir de la primera;

de entre estas 48 escoge las que le convienen para su composición,

que queda así organizada en bloques «dodecafónicos».

De este trabajo con series se deriva el nombre de serialismo

con el que se conoce a veces la dodecafonía y sus derivaciones posteriores.

La primera obra importante de esta corriente es la Suite para piano op.25 de Schönberg,

a la que seguirán otras como las Variaciones para orquesta op.31.

Otras obras importantes de la dodecafonía son la Sinfonía op.21 de Anton Webern

y el Concierto para violín o la ópera Lulú de Alban Berg.

 

A partir de 1925, Schönberg imparte clases de composición en Berlín;

tras el ascenso de Hitler al poder, se exilia en Estados Unidos,

donde vivirá hasta su muerte continuando su labor didáctica.

 

Neoclasicismo

El término neoclasicismo surgió también hacia 1920

para referirse a ciertas obras de Igor Stravinski y otros compositores.

Se suele situar su origen en el ballet Pulcinella,

encargado por Diaghilev para relanzar la actividad de los Ballets Rusos tras la guerra;

Diaghilev pide a Stravinski que realice la orquestación de un conjunto de piezas

de compositores italianos de comienzos del XVIII;

el trabajo con esta música hace descubrir a Stravinski líneas musicales que utilizará en sus composiciones posteriores hasta 1950.

Sin embargo, las características fundamentales del neoclasicismo

ya habían aparecido en obras anteriores del mismo Stravinski

y de otros compositores mayores y más jóvenes:

por ejemplo las sonatas de Claude Debussy, compuestas entre 1915 y 1917,

Le tombeau de Couperin de Ravel, de 1917,

o la Sinfonía clásica del ruso Sergei Prokofiev (1891-1953), también del mismo año.

El neoclasicismo se caracteriza principalmente por una fuerte actitud antirromántica,

que rechaza tanto la complejidad de las obras del último romanticismo

como el afán de expresividad que constituye la base de la estética romántica.

Los compositores neoclásicos tratan de huir de ello creando obras más simples,

más asimilables por los oyentes, y ocupándose especialmente de la forma musical sin pretender transmitir o provocar emociones.

Se vuelve al cultivo de las formas y géneros clásicos, buscando una nueva sencillez,

ya que aspira a devolver a las obras musicales la comprensibilidad y el placer para el oído.

Por esa razón, la mayoría de las obras de este movimiento recuperan la tonalidad clásica.

Esta corriente ha tenido continuadores hasta la actualidad.

 

SERIALISMO

El Serialismo es un movimiento que se da a partir de la segunda mitad del siglo XX.

Consiste en la aplicación del concepto de serie, introducido por el Dodecafonismo,

a todos los parámetros integrantes del sonido (timbre, altura, duración, intensidad…),

y no sólo a la altura de las notas.

Aspira a convertirse en un sistema completo y perfectamente estructurado y racional;

sin embargo, el resultado es con frecuencia una música fría,

en la que las alturas, duraciones, timbres e intensidades están perfectamente ordenados

en series de doce grados cada una.

La música serial se caracteriza, por tanto, por el minucioso ordenamiento

de los parámetros musicales y su alto grado de elaboración previa,

ya que el compositor organiza la obra como si las piezas de un puzzle se tratara.

Entre los compositores más destacados cabe recordar a Oliver Messiaen, como

“Modos de valor e intensidad”, y Pierre Boulez, “El martillo sin dueño” o “Sonata para piano nº 3”.

 

9.1. Comenta la obra musical de George Gershwin e Irving Berlin.

Además de las tendencias citadas hay otras presentes en muchas obras de entreguerras.

La principal es el neopopularismo, que consiste en la utilización de técnicas musicales

de la música tradicional (modalidad, ritmos irregulares, estilos populares de canto…)

junto a técnicas de la nueva música.

Esta tendencia la representan principalmente Bartók y Falla,

pero está presente también en músicos más jóvenes,

como los españoles de la generación del 27,

o en cierto modo los jóvenes norteamericanos que se inspiran en la música afroamericana,

como George Gershwin (1898-1937).

Para los músicos norteamericanos, el jazz y las músicas relacionadas

se pueden considerar tradicionales; pero en Europa estas músicas son músicas urbanas,

que se utilizan en el ámbito de los cafés y cabarets. Junto a ellas aparecen otras músicas,

las músicas populares urbanas, conocidas también genéricamente como jazz.

En 1935 Gershwin estrenó su ópera Porgy y Bess,

un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos.

A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess

se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo.

Luego de Porgy y Bess, George Gershwin comenzó a componer música para películas.

Ese mismo año se mudó a California y escribió “Shall we dance?” Fred Astaire y Ginger Rogers,

y “A damsel in distress” (Una damisela angustiada) para Astaire, Joan Fontaine y Gracie Allen.

 

Irving Berlin (1888 –1989),

nacido en Rusia fue un compositor y letrista De Broadway estadounidense,

uno de los más prolíficos y famosos de la historia contemporánea de América.

Berlin, judío, fue uno de los pocos compositores de Tin Pan Alley/Broadway

que escribieron tanto las letras como la música de sus canciones.

Aunque no llegó a aprender nunca a leer música más allá de un nivel elemental,

compuso alrededor de 3000 canciones, muchas de las cuales se conviriteron en canciones populares y estándares, como “Cheek to Cheek”, “Puttin’ on the Ritz”, “Alexander’s Ragtime Band”,

“There’s No Business Like Show Business”,

canciones festivales como “White Christmas” (Blanca Navidad)

o “Eastern Parade” (Desfile de Pascua) e himnos patrióticos como “God Bless America”.

Todas ellas dejaron una huella indeleble en la música y cultura estadounidense.

Produjo 17 películas y 21 espectáculos de Broadway, además de sus canciones individuales.

 

10.1. Identifica los ritmos de la música negra americana:

espiritual, blues, jazz.

 

Diferencia en piezas musicales entre música espiritual, Blues y Jazz.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA AFRICANA QUE HEREDA EL JAZZ

 

Escala pentatónica.

Sólo tienen cinco sonidos y evitan los semitonos, lo que da a esta música una sonoridad especial.

 

La interpretación es colectiva.

Todos participan tocando, cantando, dando palmas, bailando o simplemente llevando el ritmo.

No existe la idea de público pasivo que solamente escucha y aplaude al final,

como en la música europea.

 

La música africana se recuerda,

no se escribe, y a menudo cambia durante la interpretación mediante la improvisación.

Se sigue un patrón de llamada y respuesta,

un tipo de estructura que consiste en una especie de diálogo musical entre un solista y el coro.

 

El solista entona una frase y el coro responde.

Esta es una forma de cantar canciones típicamente africana

que los esclavos africanos aplicaron a las canciones de trabajo:

en las canteras, o en las cuadrillas que construían carreteras,

gran parte del trabajo se realizaba manejando picos, martillos y palas

que seguían un ritmo constante; los cantos de trabajo se adaptaban a la velocidad de los martillos

y eran liderados por un miembro de la cuadrilla, al que después se unían los demás.

Esta forma de cantar es también muy corriente en los espirituales,

que la copian de las canciones de trabajo.

De los espirituales ha pasado a otras formas de música afroamericana,

como el blues o el ragtime.

 

Ritmos complejos.

Normalmente se superponen varios ritmos distintos,

lo que se conoce como polirritmia.

 

Utilización frecuente de la síncopa.

Una síncopa es una nota que comienza en una parte de compás más débil

rítmicamente que aquélla en la que termina,

de manera que se produce un desplazamiento en el acento.

Esto da una sensación rítmica muy rica y marcada y una acentuación “fuera de pulso”,

en la parte débil del compás, que suele acompañarse con palmas

 

Work songs o cantos de trabajo

Los esclavos negros trabajaban en la construcción y desempeñaban tareas agrícolas,

como la recolección de algodón en las plantaciones.

Para mitigar las penurias de la dura faena entonaban canciones de trabajo

en las que ya estaban definidas las características del denominado “sentido del ritmo negro”:

sus melodías sincopadas, basadas generalmente en la escala pentatónica,

estaban articuladas sobre un pulso musical muy marcado, que ayuda a llevar el ritmo en el trabajo,

y utilizaban un patrón de llamada- respuesta típicamente africano.

Los cantos de trabajo desaparecen con la abolición de la esclavitud,

pero influyen en el espiritual y el blues y contribuyen a la formación del jazz.

 

Los espirituales

Los esclavos adoptaron la religión de sus “propietarios”:

el cristianismo protestante, en cuyo culto tenía un importante lugar el canto de himnos

por parte de toda la congregación. Pero los negros adaptaron estos himnos a su forma de cantar,

y esto dio lugar al espiritual negro. Este estilo contiene elementos de los himnos protestantes,

pero manteniendo la expresión espontánea y libre característica de la música africana:

canciones europeas en lo que se refiere al lenguaje musical y a la forma,

pero africanas en el estilo de canto y el modo de expresión

Características de los espirituales:

– Uso de síncopas que variaban los acentos y daban gran riqueza rítmica.

– Los contratiempos eran marcados por palmas.

– El canto era acompañado por movimientos corporales

que recuerdan el antiguo “baile sagrado africano”.

– Existe un paralelismo estructural entre letra y música: a cada sílaba le corresponde una única nota.

– Se generaliza la estructura estrofa-estribillo.

– Se sistematiza la utilización del leit-motiv: suele ser, por lo general, un verso o una palabra

(por ejemplo, “Alleluia”) en forma de interjección

que aparece tanto en las estrofas como en los estribillos.

– Son frecuentes los gritos y clamores espontáneos de los fieles,

como “¡Gloria!” u otras frases de ánimo o afirmación.

– Algunos espirituales eran de movimiento rápido, ritmo vivo y carácter alegre

(Oh, when the Saints).

Otros espirituales, sin embargo, eran lentos y conmovedores, impregnados de nostalgia,

y solían reflejar la creencia de que el sufrimiento se vería recompensado en el cielo.

La interpretación de éstos últimos es emotiva y melódica

y la expresión pasa por una gran elasticidad rítmica.

 

El blues, una canción redonda

blues es un tipo de canción afroamericana que surgió en la segunda mitad del siglo XIX

de la misma mezcla de ideas africanas y europeas

que habían dado origen a los cantos de trabajo y a los espirituales.

Como éstos, el blues cantaba los sentimientos, temores y esperanzas de los cantantes,

pero lo hacía de una forma muy personal.

Los blues eran canciones de lamento e ironía que hablaban del duro trabajo,

de las creencias religiosas o de los desengaños amorosos.

El blues, en gran medida, fue creado por gente que no sabía música,

y por tanto, era una música aprendida de oído e improvisada.

Para facilitar la improvisación, tanto de versos como de música,

se desarrollan una serie de patrones, el más familiar es  el del blues de doce compases.

Musicalmente el blues se caracteriza por lo que se conoce como “rueda de acordes del blues”,

un ostinato armónico formado por una serie de acordes encadenados que se repiten en la canción.

 

La escala del blues

El blues produce a menudo un efecto de melancolía,

lo que se debe a que muchas de sus melodías se basan en la llamada “escala del blues”,

que consiste en una versión de la escala mayor diatónica, en la que algunos grados,

generalmente el tercero y el séptimo se tocan o se cantan un semitono más bajo.

Esto produce un efecto de desafinación intencionada (“calado”)

que ayuda a darle al blues ese sabor tan especial.

 

Guitarra “slide “

La “desafinación” de algunas notas era a menudo resaltada

por el cantante que medio hablaba y medio cantaba.

También fue imitada por los guitarristas que tocaban con un cuello de botella o slide,

un tubo que se coloca sobre uno de los dedos de la mano izquierda del guitarrista

y que después se desliza por las cuerdas hacia arriba y hacia abajo

mientras éstas se puntean con la mano derecha.

La guitarra tiene que estar especialmente afinada para esto.

Los primeros guitarristas usaban un cuello de botella (bottleneck),

que es también propio de la guitarra hawaiana.

 

El blues de doce compases

El blues se caracteriza por su movimiento, que en general es lento

y por su estructura de doce compases en 4/4, que consiste en tres frases

o secciones de cuatro compases cada una. El texto del blues se adapta a esta estructura,

utilizando los cuatro primeros compases para decir algo,

los cuatro siguientes para repetirlo y los cuatro últimos para concluir la idea.

 

La estructura de doce compases y la serie armónica no sólo es utilizada en el blues y en el jazz, sino también en el rock.

Muchas de las primeras canciones del rock que llegaron a ser famosas,

como Rock around the Clock, de Bill Halley; Blue Suede Shoes, de Elvis Presley,

o Can’t Buy me Love, de Los Beatles, están basadas en ellos.

 

Las letras

El sentido del blues queda definido por su propio nombre, ya que la palabra blue significa tristeza, melancolía, y “tener el blues” es sentir la tristeza de una situación a la que no se ve remedio.

Con su especial balanceo rítmico, estas canciones son una síntesis del sentimiento de un pueblo

que a la vez sufre, ama la vida y nunca se da por vencido.

 

La mano izquierda mantiene una pulsación regular y muy marcada

en compás de 2/4 imitando a una marcha de desfile.

– La mano derecha interpreta una melodía sincopada que se “cruza” con la pulsación,

dando lugar a la una sensación rítmica muy fuerte característica del ragtime.

De ahí el nombre de ragged time (“tiempo rasgado”)

En principio el ragtime se tocaba sólo con piano, pero pronto empezó a adaptarse para ser interpretado por las bandas de los locales de diversión de Nueva Orleans.

 

Características del jazz

  • El ritmo marca la melodía.
  • Uso de ritmos sincopados y diferentes al mismo tiempo (polirritmia).
  • La personalidad del solista se muestra por medio de la improvisación: el músico de jazz
  • crea al mismo tiempo que actúa, de manera que dos versiones de una misma melodía
  • son dos obras distintas.
  • Existe una sensación rítmica peculiar, indefinida, que los aficionados llaman “swing”. Así,
  • el jazz tiene swing del mismo modo que el flamenco tiene duende.
  • Las melodías se forman con las escalas mayor, menor, pentatónica y blues.
  • La armonía se va haciendo más compleja, con acordes modernos cada vez más disonantes.
  • Es una música en evolución constante.

 

La formación musical del dixieland nueva Orleans 1910 es bastante estable.

Hay tres instrumentos que destacan: la trompeta, el clarinete y el trombón (sección melódica).

El contrabajo, la batería, el banjo y el piano (sección rítmica) sostienen el ritmo y la base armónica, aunque también pueden improvisar solos.

Es un tipo de música que a menudo se toca en la calle o desfilando. Los instrumentos más pesados, e imposibles de trasladar al aire libre, como el piano, el contrabajo o la batería,

se sustituyen por la tuba e instrumentos de percusión, como la caja y los platos.

 

1920: Estilo Chicago

Una banda de estilo Chicago no se diferencia sustancialmente de una banda de DiXieland.

Lo que sí cambió fue la forma de entender la improvisación:

– Se pierde en gran medida la improvisación colectiva, que producía cierta sensación de confusión.

– Se consolida el “solo” (la improvisación individual).

– Las composiciones se estructuran en torno a un tema principal,

que se escucha solo al principio y al final.

En la parte central los músicos improvisan en función de unas armonías

y un número de compases determinados.

– Esa parte central se estructura en “chorus”, estrofas de improvisación individual.

En cada chorus improvisa un instrumento mientras los demás acompañan.

– Lo típico de estos años es que las bandas de jazz versionen canciones populares.

– La voz se incluye como un instrumento solista más,

que también improvisa y utiliza todos sus recursos expresivos, como el scat.

– El ritmo se suaviza. El estilo Chicago no es tan “alocado “ como el Dixieland.

Louis_Armstrong_restored

Louis Armstrong

es considerado el responsable de la transformación del estilo de Nueva Orleáns en estilo Chicago. Como improvisador, va más lejos que nadie en la transformación de un tema.

Sus solos, tanto de trompeta como vocales,

están perfectamente construidos y respiran espontaneidad.

Su figura ha sido fundamental en el desarrollo del lenguaje del jazz

y ha influido en todos los músicos posteriores.

 

Muchos blues suelen tener una temática social. Las letras hablan de la miseria de la población negra y su segregación en ghetos, de la violencia, los trabajos forzados, el paro y el éxodo rural. Los blues urbanos se centran en la vida hostil y en la soledad del ser humano en las grandes ciudades.

El ragtime

El ragtime es un género para piano en el que las dos manos del pianista tienen funciones claramente diferenciadas:

 

Moda: la revolución en el mundo de la moda y en el vestido de la mujer. Cocó Chanel

coco chanel

 

 

11.1. Analiza la revolución en el traje femenino que supuso la obra de Coco Chanel.

Si hay algo icónico en los años 20 son las flappers.

Pocas cosas pueden resumir tan perfectamente el espíritu de esos locos

y supuestamente felices años como esas mujeres liberadas,

que se enfrentan a todas las normas establecidas

y piden el voto femenino, bailan jazz, beben licores, fuman con boquilla,

conducen, se cortan el pelo en bobs o el incluso más atrevido “Eton Crop”

Eduardo Benito

que se puede apreciar en el dibujo de Eduardo Benito,

un dibujante español que triunfó en revistas como Vogue o Vanity Fair en esos años.

Resulta curioso que muchos de los gustos estéticos preferidos de Gabrielle “Coco” Chanel

sigan siendo los que hoy siguen dominando:

mujeres altas y delgadas, de piel morena, el uso de prendas sport y de influencia masculina,

la influencia marinera, los trajes como prendas elegantes

o la bisuteria como sustituto perfectamente aceptable de las joyas.

Nacida en 1883 en una familia de pocos recursos, se cría en un orfanato y es allí con las monjas donde aprende a coser y son ellas las que con 17 años le consiguen un trabajo como costurera,

que pronto abandona para dedicarse al mundo del cabaret.

En este mundo se relaciona con muchos hombres adinerados

y será uno de sus amantes el que financie su primera tienda,

una sombrerería que abre en París en 1909

que rápidamente extenderá a otras ciudades costeras francesas.

Y mientras alternaba amantes ricos (se la llega a realacionar incluso con el Duque de Windsor)

y mentiras sobre su vida, en 1910 abre por fin su casa de modas

en el 21 de la Rue Cambon de Paris, que en pocos años ocupará también los números 27, 29 y 31.

A partir de aquí todo son éxitos: en 1921 crea el perfume Nº 5,

en 1927 su famoso vestido negro, la generalización del punto.

Una de las tradiciones más antiguas en cuanto a la vestimenta

es la de asociar el color negro al luto,

costumbre que está documentada se practica desde el Imperio Romano.

Por eso no es de extrañar que en un encuentro casual en París el diseñador Paul Poiret

le preguntase a Coco Chanel por quién lo llevaba al verla vestida con un vestido negro.

“Por usted” fue la respuesta.

Y es que una de las mayores revoluciones de Chanel fue romper este vínculo

e introducir ese color en la vida de la mujer como sinónimo de elegancia.

Y es que el Petite Robe Noir (PRB), el Little Black Dress (LBD) o simplemente el vestido negro que revolucionó la moda en 1926 y que fue calificado como “el modelo Ford T de Chanel

o como el uniforme de la mujer moderna tras ser publicado en Vogue.

La II Guerra Mundial la obliga a cerrar sus tiendas y los años de ocupación nazi,

junto con su romance con un oficial alemán así como las acusaciones de haber sido una espía nazi

la obligan a exiliarse en 1945 a Suiza.

En 1954 regresa a París siguiendo el consejo de la directora de Harper’s Bazaar Carmel Snow

y reabre su negocio. En Francia no es muy bien recibido su regreso,

ya que no habían olvidado su comportamiento,

y la prensa de moda en Gran Bretaña critican su inmovilismo

pero triunfa en Estados Unidos con su pieza estrella estos años: el traje de tweed.

Los 17 años siguientes, en los que trabajó incansablemente hasta su muerte a los 87 años, terminarían por darle la razón a Coco y en la actualidad las creaciones de ambas etapas

son fuente continua de inspiración en la moda actual.

 

Mas conceptos artísticos de esta época, que se solapan en otros bloques

 

Cine: El ángel azul, Josef von Sternberg, Marlene Dietrich.

 

(El ángel azul)

https://youtu.be/LXcxyAs2V68

 

El expresionismo alemán:

El gabinete del doctor Caligari. Robert Wiene.

 

 

El género de la “Ciencia ficción”. Frizt Lang y su película

“Metrópolis”.

 

 

Música dodecafónica, serialista y atonal. Arnold Schönberg.

 

La música norteamericana. Irving Berlin, George Gershwin