índice BLOQUE 4. EL MODERNISMO-ART NOVEAU

La fantasía arquitectónica del fin de siglo: El Art Nouveau.

Características principales del Art Nouveau francés.

El movimiento en Europa: Modernismo, Jugendstil, Sezession, Liberty.

La arquitectura modernista europea. Víctor Horta.

El modernismo catalán. La obra de Gaudí.

Escultura. La obra de Josep Llimona.

El cartel publicitario en Cataluña. Alexandre de Riquer.

El mobiliario modernista.

La revolución en el vidrio. Los jarrones de Émile Gallé.

Las lámparas de colores de Louis Comfort Tiffany.

El esmalte en la joyería. La obra de Lluís Masriera.

 

Bloque 4. El Modernismo-Art Nouveau

 

(El nacimiento del Art Nouveau en Nancy)

1.1. Identifica los elementos diferenciadores del arte modernista

frente al geometrismo del art decó y los neoestilos anteriores.

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística

desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx,

durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque.

Las diferentes denominaciones que tiene en distintos países

hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno,

que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época,

tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo)

como los rupturistas (realismo o impresionismo).

En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza

a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial,

como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro

de mediados del siglo XIX.

 

* La utilización habitual de los términos modernism (en inglés) o modernisme (en francés)

no se refiere a este movimiento artístico, sino genéricamente a las vanguardias o al arte moderno.

 

Características:

– Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural

pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico

entrelazándose con el motivo central.

– Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios

como en la decoración.

– Tendencia a la estilización de los motivos,

siendo menos frecuente su representación estrictamente realista.

– Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles,

con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos

y los pliegues de las vestimentas (drapeado).

– Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos,

llegando hasta el erotismo en algunos casos.

– Libertad en el uso de motivos de tipo exótico,

sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas,

como por ejemplo el uso de estampas japonesas.

– Aplicación envolvente del motivo

tomando alguna de las características anteriormente mencionadas

en contraposición con las características habituales del elemento a decorar.

El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora

 

2.1. Comenta la duración cronológica y extensión geográfica del modernismo.

 

Duración modernismo: se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del xx,

durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque.

Desde 1880 hasta 1920 que comienza el Art Decó.

La Exposición Universal de París (1900) significó un hito destacado.

Fueron especialmente impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color)

de obras de arte junto a muebles y tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de l’Art Nouveau

Extensión geográfica: En distintos países recibió diversas denominaciones:

Art Nouveau –en Bélgica y Francia–,

Jugendstil –en Alemania y países nórdicos–,

Sezession –en Austria–,

Modern Style –en los países anglosajones EEUU , Reino Unido–,

Nieuwe Kunst –en Países Bajos– y

Liberty o Floreale –en Italia–.

Modernismo -en España y en Latinoamérica.

 

2.2. Explica el modernismo en Europa:

 

Art Nouveau, Liberty, Sezession, Jugendstil.

El modernismo es un arte burgués, muy caro,

que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes.

Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales.

Este movimiento utiliza las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan

a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores

y las forjas de las rejerías, etc..

Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo único característico del modernismo sino la profusión de motivos decorativos.

La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.

 

Art Nouveau

El modernismo arquitectónico nace en Bélgica

donde se le dará el nombre de art nouveau con la obra de Goh Ver Wayans y Victor Horta.

La ondulación de los tejados y fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado,

los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la decoración

y de cada elemento arquitectónico y de mobiliario del interior son características de sus obras:

de Van de Velde es la casa Bloemenwerf;

la casa Bloemenwerf

y de Horta la casa Solvay

(especialmente su característico interior de diseño muy recargado, con lámparas,

papel pintado, vidrieras, etc.),

la casa Tassel, la Casa del Pueblo y la Casa van Eetvelde, todo ello en Bruselas,

La_casa_Tassel

LaCasadelPueblo

así como el Gran Bazar de Fráncfort.

 

(La casa de hierro. Victor Horta)

 

1 Victor Horta

 

La Secesión vienesa (también llamada Secessionsstil, o Sezessionsstil en Austria)

formó parte del muy variado movimiento actualmente denominado modernismo.

Fue fundada en 1897 por un grupo de 19 artistas vieneses

que había abandonado la Asociación de Artistas Austriacos.

Como proyecto de renovación artística,

trataba de reinterpretar los estilos del pasado ante los embates de la producción industrial

que estaban desnudando estructural y estéticamente la realidad del arte y la sociedad de la época.

Su primer presidente fue Gustav Klimt.

Tiene unas características que le diferencian de otros modernismos:

en la secesión, aunque se busca la elegancia, predomina la sobriedad formal,

cierta severidad, en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo.

 

Jugendstil.

El Jugend dio nombre al Modernismo en Alemania, pues allí se conoce como Jugendstil,

y está considerada una publicación relevante para el arte y la literatura del cambio de siglo.

Sin embargo, el contenido y la orientación del Jugend no se redujo, en su auge, al Jugendstil.

Junto a las ilustraciones modernas y ornamentadas los textos satíricos

críticos desempeñaron un papel importante en la publicación.

Una obra representativa del Jugendstil será la renovación de la fachada del estudio fotográfico Elvira, de Munich, de August Endell (1871-1925)..

Por otro lado, la adopción por parte del Jugendstil de métodos de producción más industrializados sentó las bases de la evolución del diseño alemán, hacia una vertiente racionalista,

impulsada desde el Werkbund y posteriormente desde la Bauhaus.

Hermann Obrist, escultor y diseñador. Fundó una escuela de diseño en Múnich.

Hermann Obrist

Diseñó los bordados Cyclamen, telas para decoración de paredes

con un característico motivo de curvas » o «curva de latigazo»

 

En Reino Unido- Modern Style- Liberty

pueden considerarse dentro del modernismo arquitectónico Charles Rennie Mackintosh..

Los planteamientos de Mackintosh son originales

y aportan nuevas soluciones a sus problemas arquitectónicos.

Son características las formas prismáticas y octogonales.

Es el arquitecto modernista más sobrio en los exteriores,

lo que le vale ser un precursor del racionalismo arquitectónico.

Diseña muebles y joyas, y construye la Escuela de arte de Glasgow.

El Liberty (en inglés, libertad) Procede esta denominación de los almacenes londinenses

“Liberty & Co.” que, gracias al apoyo a los diseñadores de este nuevo estilo

suministraron a finales del siglo XIX objetos pertenecientes a este movimiento

en Italia desde Inglaterra, dando a conocer la tendencia

 

Este hecho ha provocado que Liberty sea tenido por un sinónimo.

Por un lado de Floreale (en italiano, floreal), como el desarrollo de este estilo en Italia,

conocido a través de su introductor El nuevo estilo encuentra en Italia una dificultad

más ligada a la mitología nacionalista que impregna la vida política y cultural.

La resistencia de los académicos, el apego a los estilos del pasado

y la defensa de identidad nacional, hicieron que el Modernismo en Italia durara poco tiempo.

Pietro Fenoglio, arquitecto italiano, construye su propia casa en una esquina,

Rogent y Amat

con líneas dinámicas y ligeras, propias del Art Nouveau francés y belga: la forma de las ventanas, las barandas de los balcones y la saliente del cuerpo angular de la construcción,

muestra un completo proyecto que llega al interior de la vivienda, en donde todos los muebles y objetos de decoración fueron diseñados por el mismo Fenoglio

 

La arquitectura modernista en España,,

Fué en Barcelona donde el modernismo tuvo mayor importancia.

Los arquitectos modernistas catalanes (Rogent y Amat, Domenech y Montaner

Domenech y Montaner

–El Palau de la Musica- , Puig y Cadafalch…) desarrollaron un lenguaje propio,

del que partió Antonio Gaudí para desarrollar su particular universo artístico, muy personal.

Con algunos ejemplos en Madrid, sí tuvo desarrollo en otras zonas

(Cartagena y La Unión, Alcoy, Valencia, Ávila,

Zamora, Zaragoza, el Bajo Aragón, Ceuta, Melilla, ,

en Salamanca como el Museo de Art Nouveau y Art Déco Casa Lis,

algunas de las casas de indianos de la zona cantábrica,Canarias) o

en Mallorca: El Gran Hotel, Can Forteza-Rey, Almacenes el Águila,

Forn Fondo, Can Casasayas o Can Corbella.

 

3.1. Compara la obra arquitectónica de Antonio Gaudí, Víctor Horta y Adolf Loos Víctor Horta:

Las cuatro casas – la Casa Tassel, la Casa Solvay, la Casa van Eetvelde

 

Stitched Panorama

 

Mallorca El Gran Hotel

 

y la Casa-taller de Horta – están situadas en Bruselas

y fueron realizadas por el arquitecto Victor Horta,

 

uno de los iniciadores del Modernismo a finales del siglo XIX.

Estas obras significaron una revolución estilística caracterizada por el plano abierto,

la difusión de la luz y la brillante

integración de las líneas curvas en la decoración y en la estructura del edificio.

Las cuatro casas de Victor Horta

fueron inscritas en el Patrimonio de la Humanidad de la Unesco el año 2000

La Casa Tassel Es una de las primeras construcciones del arquitecto .

Fue una obra faro ya que rompió la disposición clásica de las habitaciones

en las residencias de Bruselas.

En ellas, la puerta de entrada se encontraba siempre al lado de la fachada

y se prolongaba hacia el interior por un largo pasillo lateral

permitiendo entonces acceder a las tres partes que siguen una a continuación de la otra:

el salón en el lado de la calle, el comedor en medio y el patio cubierto al lado del jardín.

Víctor Horta puso la puerta de entrada en medio de la fachada,

colocó el pasillo en la zona central de la casa

y sacrificó el centro de la casa para instalar un pozo de luz.

 

La_casa_Tassel

Casa Solvai:

La fachada es simétrica

hasta el momento en que alcanza el nivel situado en torno a la puerta-ventana de la planta principal. Esta puerta da acceso a un balcón y está flanqueada por dos miradores.

En la fachada se pueden encontrar los materiales favoritos de Horta:

el vidrio, el hierro y la piedra natural.

Dentro, una primer escalera, provista de una barandilla en metal dorado,

conduce desde la planta baja a la planta principal donde se encuentran los espacios de recepción. Estos espacios están separados unos de otros por mamparas esmaltadas

que pueden abrirse para crear un enorme espacio continuo en casi toda la superficie de la casa.

Esta escalera está culminada por una impresionante vidriera

 

cuya curvatura garantiza también una distribución óptima del aire caliente

proporcionado por las bocas de calefacción situadas al pie de la escalera.

Bajo esta vidriera, una segunda escalera, permite alcanzar los pisos superiores,

donde se encuentran las habitaciones y salas de baño.

Casa Solvai

 

Museo Horta

Los dos edificios que componen esta casa se construyeron entre 1898 y 1901.

Aunque fueron concebidos juntos y se comunican interiormente,

tienen cada uno su propia individualidad, distinguiendo la casa privada de la casa del taller.

La vivienda privada incluye dos escaleras: la escalera principal

destinada a los propietarios e invitados, y una escalera de servicio.

Pero lo más notable es la estructura interna de la vivienda privada:

no se divide realmente en plantas, ya que la subida se hace progresivamente.

Y ello, combinado con la casi ausencia de paredes de separación,

abre perspectivas variadas, además de las horizontales,

que contribuyen a dar la impresión de una casa mucho más amplia que lo que realmente es.

 

1 Victor Horta

 

Construcciones modernistas en Galicia

 

 

El modernismo catalán. La obra de Gaudí.

 

Antonio Gaudí, parque guel

 

Gaudí:

su obra puede calificarse sin duda ninguna como un modernismo

fuertemente impregnado de referencias “historicistas”, incluso románticas,

sin duda ninguna exóticas… en la construcción se ven claras influencias neogóticas

(el Palacio Arzobispal de Astorga es un buen ejemplo) y neomudéjares

(pueden verse por ejemplo la Casa Vicens en Barcelona o El Capricho en Comillas),

y en la decoración puede hablarse de naturalismo, con referencias copiadas del natural.

En 1900 empieza la etapa que podemos llamar de “madurez” de su obra y de su prestigio.

Empieza recibiendo el premio del Ayuntamiento de Barcelona, precisamente por esa Casa Calvet, diseña la puerta de la Finca Miralles en Sarrià, empieza a edificar la Casa Sagués en Bellesguard, inicia en Montserrat una estación del Rosario Monumental,

y, sobre todo, comienza una de sus mayores obras, el Parque Güell.

Lo que tenía que ser una urbanización privada de sesenta viviendas queda reducida a unas pocas

y a la urbanización general del entorno.

Casa Batlló

Hasta 1910 desarrolla varios de sus proyectos más importantes, destinados a hacerse famosos:

la reforma de la Casa Batlló y, en el mismo Paseo de Gracia,

la construcción de la Casa Milà, la famosa Pedrera.

En el conjunto de la obra no eclesiástica de Gaudí no cabe duda de que La Pedrera

es el máximo exponente de sus ideas imaginativas, exuberantes, y totalmente originales.

La unión entre el soporte arquitectónico y la decoración que este sustenta

se desarrolla con la máxima profundidad, y en el reino de la curva

la Casa Milà

 

que constituye esta construcción paradigmática se revela lo más personal de Gaudí,

uno de los arquitectos más “personales” entre todos los modernistas.

También en esta “década prodigiosa”, mientras sigue trabajando en La Sagrada Familia,

inicia las obras que llevará a cabo en la Colonia Güell en Santa Coloma de Cervelló,

desde el punto de vista técnico, el diseño de la iglesia

presenta unas dificultades que Gaudí resolvió a la perfección,

y que conocemos bien dado que fueron descritas, junto con su imaginativa solución,

en la obra Filosofía de las estructuras, publicada en 1910 por el arquitecto Fèlix Cardellach.

En esta etapa de su obra, Gaudí abandona ya todo tipo de referencias historicistas,

y bajo la influencia del simbolismo imperante se lanza a un esteticismo sin excusas,

basado en una imaginación totalmente en libertad…

 

Adolf Loos

 

Adolf Loos ( 1870 1933)

fue uno de los arquitectos europeos más influyentes de finales del siglo 19

y, a menudo se caracterizaba por su discurso literario Ornamento y Delito

que prefiguró las bases de todo el movimiento moderno.

Como arquitecto, su influencia se limita principalmente a las grandes obras en su país natal,

Austria, y como un escritor tuvo un gran impacto en el desarrollo de la arquitectura del siglo 20, produciendo una serie de ensayos polémicos que elaboraron en su propio estilo arquitectónico

por el denunciando ornamento y una serie de males sociales.

Considerado por tanto como uno de los precursores del racionalismo arquitectónico,

defendiendo una arquitectura libre de todo ornamento,

rompiendo con cualquier tipo de influencia historicista.

ntroduce un nuevo concepto en sus obras, el “Raumplan”.

Un concepto según el cual se adjudica una importancia diferente a cada una de las estancias,

a cada uno de los espacios que conforman la edificación.

Un dormitorio no ha de tener la misma importancia que una sala de estar;

dependiendo de la importancia y cualidad representativa de los diferentes espacios,

su tamaño y altura habría de variar en consonancia. –

 

3.1. Compara la obra arquitectónica de

Antonio Gaudí, Víctor Horta y Adolf Loos.

 

 

 

fachada Decoración Espacio interior
Victor Horta Combina rectas y curvas

 

Formas decorativas vegetales Embellece las estructuras con elementos decorativos
Gaudí Emplea formas orgánicas

Líneas curvas, materiales diversos

 

Elementos estructurales toman formas orgánicas La estructuras orgánicas determinan un espacio conectado con el mundo natural
Adolf Loos Uso de lineas ortogonales Arquitectura libre de todo ornamento Visibilidad elementos estructurales, da importancia a unos espacios sobre otros respecto a un plan

 

La Escultura Modernista.

Escultura. La obra de José Llimona.

 

Josep Llimona, En Desconsuelo

 

Josep Llimona

Es muy frecuente encontrarla integrada en los edificios como un arte decorativo.

Aunque esto no es exclusivo de la arquitectura modernista, si es nuevo el grado de implicación. Muchos escultores colaborarán con los arquitectos, algunos de forma anónima,

como los que trabajaron con Gaudí

en la decoración de la puerta del Nacimiento de la Sagrada Familia de Barcelona.

También habrá escultores que desarrollen su actividad de forma independiente,

libres de los compromisos arquitectónicos.

La escultura modernista es marcadamente sensual, mezcla realismo y simbolismo,

pretende trascender la anécdota que el naturalismo había puesto en primer plano,

y por ello, mirará hacia el simbolismo.

La eclosión de la escultura modernista se produce con

Josep Llimona, Miquel Blay, Enric Clarasó y ,Eusebi Arnau.

todos ellos influidos por Auguste Rodin,

cuyo simbolismo se manifestó a través de la figura femenina de un marcado idealismo,

capaz de despertar un sentimiento o una emoción.

 

Miquel Blay

Miquel Blay

 

Enric Clarasó

Enric Clarasó

 

Eusebi Arnau

Eusebi Arnau

 

Josep Llimona i Bruguera (1864-1934)

influencias de Rodin y Meumier.

Le gusta la materia definitiva, labra el mármol con su propia mano, huye de lo complicado,

del realismo minucioso y del efectismo pictórico.

En Desconsuelo transmite a través de un desnudo femenino sentimientos de melancolía y tristeza. La figura de rodillas, con la cabeza caída y ocultando con el pelo su rostro

refleja el estado de abatimiento.

Se aprecia un delicado modelado del desnudo y el suave cuerpo juvenil

contrasta con la áspera dureza de la piedra sobre la que la muchacha se apoya.

La hermosa figura femenina surge del bloque de mármol,

como las figuras inacabadas de Miguel Ángel.

Las líneas onduladas y los contornos esfumados son rasgos que derivan de La danaide de Rodin, aunque existe gran diferencia entre la actitud resignada y melancolía de Desconsuelo y la vitalidad, fuerza y sensualidad de la obra del escultor francés.

 

En Juventud (1913),

hará un planteamiento similar de la imagen femenina, llena de sensibilidad y sensualidad.

La ternura y la fuerza viril las combinará en obras como

El estudiante y el Monumento al Doctor Robert en la Plaza de Tetuán de Barcelona.

Esta última conmemora la figura de Bartolomé Robert,

alcalde de Barcelona respondiendo a un modernismo ecléctico.

La base recuerda las formas de Gaudí y las figuras beben del realismo de Meumier,

sin dejar de estar presente la melancolía propia de Llimona.

Ha sido considerado uno de los mejores representantes de la escultura modernista catalana

 

Monumento al doctor Robert - 5

 

5.1. Identifica piezas escultóricas que puedan clasificarse como crisoelefantinas.

Llámase criselefantina (o crisoelefantina) a la escultura realizada utilizando oro y marfil:

el marfil para las zonas de la cabeza (rostro), brazos y pies (piernas),

es decir, allí donde debe mostrarse la piel del representado; y el oro para los vestidos,

como revestimiento de un armazón de madera.

Es, pues, una obra híbrida, compuesta de, al menos, estos dos materiales preciosos.

Su origen hay que buscarlo en el periodo griego arcaico, alrededor del II milenio a.C.;

y las obras, con el tiempo, ya en el periodo clásico, llegaron a ser monumentales.

De hecho, es con las dos soberbias realizaciones de Fidias (ambas perdidas ya en la antigüedad),

la Atenea Partenos y el Zeus de Olimpia, cuando se forja esta denominación

(cuya etimología es griega y compuesta de los dos términos que designan en este idioma

a los materiales empleados: χρυσός crhysos = oro; ελεφάντινος elephantinos = marfil).

Con el Art Nouveau y, sobre todo, con el Art Deco,

surgiera un gran número de artistas dedicados a esta especialidad.

Además de por el tamaño (es difícil que las figuras alcancen el metro de altura,

incluido el pedestal, siendo lo habitual que oscilen entre los 30 cm y los 60 cm),

las así denominadas modernas criselefantinas se diferencian de las originales

por los materiales empleados: aunque se siga utilizando el marfil

para las zonas en que se muestra la piel

(rostro, extremidades, en ocasiones el cuerpo entero, si se exhibe desnudo)

ya pocas veces se utiliza el oro, siendo sustituido por un menos valioso bronce,

que se pintará con esmalte de colores para representar la vestimenta y/o complementos,

o bien permaneciendo en su color o aplicando una pátina más dorada o más parda,

si representa la piel. Es así mismo habitual dispensar un especial cuidado en la base o pedestal,

que suele ser invariablemente de mármol u ónice, cuidando tanto su forma como, en ocasiones,

su combinación (entre piedras de distintas procedencias, o con bronce),

o el diverso veteado disponible, de tonos y diseños casi ilimitados.

A pesar de que ya no se suele utilizar el oro, se respeta la denominación;

e incluso cuando muchas de las obras de estos artistas están realizadas íntegramente en bronce

(que tampoco llevan marfil, por tanto) se incluyen bajo este título

(aunque a veces, en estos casos, se los especifica con el término genérico de bronces).

De entre los diversos autores que realizaron su obra casi exclusivamente con esta técnica

destacan, por su imaginación, fuerza de diseño, amor al detalle, gusto y variedad,

el rumano-francés Demetre Chiparus

y el alemán no menos delicado, e igualmente fecundo,

.

 

Demetre Chiparus 00 (5)

Demetre Chiparus

 

Fritz Ferdinand Preiss

Fritz Ferdinand Preiss

 

El cartel Los representantes del Art Nouveau

introdujeron un estilo pictórico alternativo al de Toulouse-Lautrec,

creando carteles de imágenes exóticas y estilizadas por medio de líneas fluidas

y de elegantes formas alargadas.

Entre los artistas de carteles estilo Art Nouveau más representativos

se encuentran el inglés Aubrey Beardsley,

el francés nacido en Checoslovaquia Alphonse Mucha,

el belga Henri van de Velde,

Henri van de Velde

Henri van de Velde

Alphonse Mucha

Alphonse Mucha

Aubrey Beardsley

Aubrey Beardsley

Van de Velde2

Van de Velde

las hermanas escocesas Frances y Margaret MacDonald,

el estadounidense Will Bradley,

el austriaco Gustav Klimt

 

Will_Bradley_Chap_Book

Will_Bradley

 

Frances y Margaret MacDonald

Frances y Margaret MacDonald

Gustav_Klimt_046

Gustav_Klim

 

y el holandés Jan Toorop.

Van de Velde, con su cartel Tropon (1899), marcó un hito

y un estilo totalmente nuevo en esta parcela del arte,

al eliminar totalmente las figuras humanas y sustituirlas por un dibujo abstracto.

Dentro de esta corriente modernista destacan en España Ramón Casas,

autor del célebre cartel de Anís del mono y Santiago Rusiñol.

 

Jan Too

 

6.1. Comenta la obra en cartel de Alexandre de Riquer,

El cartel publicitario en Cataluña. Alexandre de Riquer.

 

 

Ramón Casas y otros cartelistas españoles.

 (los carteles de Ramón Casas)

 

Alexandre de Riquer e Ynglada (1856 – 1920),

fue un intelectual, diseñador, dibujante, pintor, grabador, escritor y poeta,

una de las figuras más importantes del modernismo en Cataluña.

Alexandre Riquer destacó especialmente como diseñador gráfico, con gran dominio del dibujo.

Su gran producción artística en este campo tuvo un papel fundamental en la estética modernista, siendo el autor de algunas de las imágenes gráficas más representativas del modernismo catalán. Hizo carteles, aguafuertes, ilustraciones en libros y revistas, diplomas, postales, sellos, recordatorios, menús, partituras, tarjetas comerciales y ex-libris.

Colaboró en la ilustración de las revistas, entre otras,

La Ilustració Catalana y Arte y Letras y libros de la colección Arte y

Letras dirigida por Lluís Domènech i Montaner,

con quiencolaboró en las obras de la Exposición Universal de Barcelona de 1888,

en la decoración del Hotel Internacional

y las cerámicas exteriores del restaurante El Castell dels Tres Dragons.

 

Ramón Casas

es figura clave del modernismo. Sus carteles de Anís del Mono,

Codorniu y Cigarrillos París son tres ejemplos de trabajos premiados

en los que se muestra el valor comunicativo del artista, su magnífico uso del dibujo y el color,

la sencillez del mensaje (lo que agranda su penetración),

así como la utilización de la mujer en el ámbito de la publicidad.

El curioso, en este sentido, el permanente empleo de la imagen femenina en el cartel de Casas. Hasta los reclamos taurinos que se deben a su mano

tienen en primer término una bella mujer dominando la escena del ruedo.

 

Ramón Casas,

 

Santiago Rusiñol,

una de las figuras más representativas de la vida intelectual y artística de la Barcelona de su época, fraternal amigo de Casas,

al punto de que se admite la leyenda de que Rusiñol trabajó primordialmente el paisaje

porque dejó para su compañero la figura, para la que le consideraba mejor dotado

 

 

 

Las Artes Decorativas

Las Artes Decorativas modernistas alcanzaron notoriedad

por emplearse intensamente como complemento de la arquitectura,

caracterizándose por unas formas suaves y motivos vegetales que arropan al asunto principal. Destacan creadores que le dan tanta importancia a los contenidos como a los continentes,

caso de Gaudí que diseñó personalmente paneles cerámicos, vidrieras,

apliques de forja y muebles modernistas.

Pavo real y flor. Daniel Zuloaga. Col. Eleuterio Laguna

La persecución de un resultado conjunto y armónico provocó a los autores modernistas

se organizaran en equipos de diseñadores, tanto en la obra nueva como en las reformas.

Por ejemplo – ya en 1877 – en la reforma de la Casa Batlló, colaboraron con Gaudí

los arquitectos Jujol y Rubio i Bellver, los forjadores hermanos Badía,

los carpinteros Casa y Bardés, el ceramista Sebastià Ribó

y los Talleres Pelegrí, productores de vidrieras.

Por el creciente protagonismo de lo decorativo en la arquitectura interior y exterior,

la cerámica fue una de las disciplinas en las que más se plasmó el modernismo.

Su máximo exponente fue el ceramista Daniel Zuloaga,

que realizó revestimientos para edificios y decoración interior en toda España y en el extranjero,

así como piezas de pequeño formato que se exportaron a multitud de países;

fue el primero que confirió categoría de arte

a una actividad antes entendida como meramente artesanal.

 

Pavo real y flor. jpg

 

7.1. Analiza el mobiliario modernista.

El mobiliario modernista.

 

 

Las principales características del estilo modernista que se pueden aplicar a los muebles son:

inspiración en la naturaleza y utilización de motivos vegetales en la decoración,

uso de la línea curva y de la asimetría, uso de imágenes femeninas sobre todo en carteles,

pintura, uso de motivos exóticos.. .

El diseño de muebles se basó en diferentes formas y materiales de gran calidad

como maderas nobles y textiles con dibujos

que frecuentemente adoptaban la forma del “coup de fouet” tan propio del modernismo,

así como diseños inspirados en la naturaleza.

El mobiliario modernista fue diseñado por auténticos genios, artistas innovadores y vanguardistas, se emplearon maderas exóticas que no se habían utilizado mucho en Europa,

como un reto a los diseños clásicos, muchos arquitectos diseñaron muebles

para ocupar lugares privilegiados en edificios modernistas,

los mejores ebanistas crearon auténticas joyas combinando tipos de maderas con bronces, cerámicas, nácar.

También se empleó la técnica del pirograbado que enriquecía aún más los muebles.

 

Mobiliario Modernista: diseñadores

Destacar los maravillosos muebles diseñados por Gaudí

para el que mueble es una auténtica pieza de arte y tiene personalidad propia,

las características de cada uno se combinan y se integran en el conjunto del mobiliario

y del espacio donde van destinados.

Piezas como la silla del comedor de la casa Batlló diseñada en 1907,

es un asiento individual basado en la sencillez, elude las líneas rectas

o el banco de la casa Batlló, o el sillón de la casa Calvet en el que el asiento, de planta circular, está formado por cinco piezas, encajadas mediante

sin más ayuda que la de la precisión se une al respaldo mediante un cuello grueso,

del que también salen los brazos, que acaban en forma de mano arqueada y con el respaldo

en forma de corazón.

Destacar otros diseñadores de mobiliario modernista como fueron

Josep Maria Jujol, Domènech i Montaner, Joan Busquets i Jané,

Gaspar Homar y Francesc Vidal i Jevellí.

La interpretación alemana y escandinava del Art Noveau se inspiró en las tradiciones locales

y poseía una simplicidad de formas ejemplos de mobiliario de Van de Velde .

En Viena, Escocia y Alemania diseños de mobiliario son mas rectilíneos .

son de destacar los ejemplos de Mackmurdo y Mackintoch este último de gran sobriedad

en la decoración de Hill House

 

Mackintoch

 

Casa Calvet

Casa Calvet

 

8.1. Explica la importancia artística de las creaciones en vidrio

de Émile Gallé y Louis Comfort Tiffany

 

Louis Comfort Tiffany

 

La revolución en el vidrio

 

 

Creaciones en Vídrio Francia tiene como centro más importante la Escuela de Nancy

o el taller de los hermanos Daum, con figuras destacadas

como Jacques Gruber y Émile Gallé que realizaron objetos

sobreponiendo capas de vidrio de colores a una capa incolora.

 

escuela-nancy-32683_w600

 

Los jarrones de Émile Gallé.

 

El Art Nouveau debía mucho al arte japonés

que se había convertido en uno de los principales objetivos de los coleccionistas

Émile Gallé En sus trabajos iniciales usaría un cristal limpio adornado con esmaltes,

pero pronto tornaría hacia un original estilo mediante el uso del cristal pesado

y opaco tallado o grabado al agua fuerte con motivos florales.

Su carrera despegaría a partir de que su trabajo recibiera excelentes críticas

en la Exposición de París de 1878.

En la siguiente década Gallé mostraría exitosamente sus creaciones

en la Exposición Universal de París (1889), alcanzando fama internacional.

Su estilo, que enfatizaba en los adornos naturalistas y florales,

estaba a la vanguardia del movimiento Art Nouveau que emergía por aquel entonces.

Continuaría incorporando técnicas experimentales en su trabajo,

como el uso de burbujas de aire o láminas de metal, y también revitalizó la industria del vidrio, creando un taller propio para producir en masas diseños propios y de otros artistas,

siendo de gran importancia sus jarrones con formaciones vegetales o zoomórficas.

Actualmente algunas de sus obras se pueden ver en el museo Casa Lis en Salamanca, España.

Louis Comfort Tiffany

 

Casa Lis

 

Louis Comfort Tiffany

Las lámparas de colores de Louis Comfort Tiffany.

 

 

fue un artista y diseñador industrial estadounidense muy conocido por sus trabajos en vitral

y es el artista de Estados Unidos que más se asocia con el movimiento Art Nouveau.

En su fábrica usaba vidrios opacos en variedad de colores y texturas para crear un estilo único

de vitrales, que contrastaba con el método de vidrios transparentes pintados o esmaltados

que habían sido métodos dominantes de creación de vitrales en cientos de años en Europa.

El uso de vidrio con color para la creación de vitrales fue motivado

por los ideales del movimiento Arts and Crafts

Creó su propia técnica de ensamblado que consistía y consiste en la unión de las piezas cortadas, por finas láminas de cobre pegadas al canto del vidrio y luego soldadas entre sí.

Louis C. Tiffany empezó a manufacturar su propio vidrio llamado opalescente,

iridiscente y su última creación fue vidrio Favrile,

el cual rápidamente eclipsó sus anteriores realizaciones.

L.C. Tiffany fue un imnovador en su época,

ganándose multitud de enemigos defensores de las “Bellas Artes”,

pues todas las creaciones de Tiffany eran contrarias

a la tendencia conservadora de los vidrieros clásicos de la época.

Unas de sus más renombradas obras son las lámparas Tiffany.

Maumejean, hermanos Vidrieros Hermanos vidrieros de origen francés,

tenían un taller en París desde 1860, pero también estaban afincados en Barcelona

con un taller prácticamente de tipo industrial. Su producción, de un cierto eclecticismo,

destacó por la calidad técnica. Se establecieron en Madrid y San Sebastián,

donde consiguieron un gran éxito.

Colaboraron con Jeroni Martorell y Terrats

realizando las vidrieras de los dos edificios de la Caixa Sabadell

También trabajaron en Barcelona en la Casa Pérez Samanillo (1910; Balmes, 169),

del arquitecto JJ. Hervàs, y el Palacio Episcopal de Astorga

(cuando A. Gaudí ya no dirigía las obras).

Capilla del hospital de jornaleros de San francisco de Paula. Hospital de Maudes.

Raimundo Fernández Villaverde, 18 Arquitectos,

Antonio Palacios y Joaquín Otamendi. 1908, 1916.

El estilo arquitectónico está inspirado en el Secessionsstil vienés.

Cuenta con cerámicas de Daniel Zuloaga y vidrieras modernistas de la casa Maumejean.

También podemos observar ejemplos en numerosos edificios de la capital

entre los que destacan las vidrieras del Casino de Madrid y del Instituto San Isidro.

 

Joaquín Otamendi

Joaquín Otamendi

 

Antonio Palacios

Antonio Palacios

 

9.1. Comenta la tipología de la joyería modernista,

por ejemplo los diseños de René Lalique, Lluís Masriera y otros.

 

El esmalte en la joyería. La obra de Lluís Masriera.

 

 

El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo,

teniendo a la naturaleza como la principal fuente de inspiración.

Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado

y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas.

El interés generalizado en el arte japonés

y el entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería,

fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación.

En los dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas, particularmente en los diamantes por lo que la preocupación principal de joyero

consistía en proveer un marco adecuado para su lucimiento.

Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería,

motivada y encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas.

Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo

en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre.

Los críticos franceses contemporáneos eran unánimes al reconocer

que la joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador,

joyero y vidriero René Lalique estaba en su centro.

Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería,

extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales

–como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el arte japonés.

Revolucionó muchos tópicos de la alta joyería,

incorporando en la elaboración de sus piezas un sentido escultórico

que privilegiaba la forma y composición sobre los materiales,

lo que le llevó a utilizar materiales atípicos hasta entonces en la creación joyera,

como el vidrio, el esmalte, el cuerno, el marfil o las piedras semipreciosas,

utilizando las piedras preciosas populares de la época solo cuando entendía que eran necesarias

para la armonía del conjunto, evitando su uso obligado como objeto de valor,

logrando así que sus creaciones fuesen deseadas y perseguidas a nivel mundial

por su belleza inherente, más que por su valor evidente basado en los materiales de fabricación.

En el apogeo de su carrera de joyero, Lalique progresivamente cambia de camino

y se convierte en vidriero. Sus primeros experimentos se remontan a los años 1890,

pero su encuentro con el perfumista Fraçois Coty en 1908 va a jugar un papel decisivo, decidiéndolo no solamente a crear

sino también a producir frascos para los más grandes perfumistas.

Poco a poco se añaden a su producción, cajas, jarrones, lámparas…etc.

Su notoriedad en el dominio del vidrio es tal que la fábrica de Combs-La-Ville,

no puede responder a la demanda que se produce,

por ello después de la primera guerra mundial Lalique abre una segunda manufactura en Alsacia,

en Wingen-sur-Moder, para producir en grandes cantidades,

patentando varios novedosos procesos de fabricación del vidrio

y varios efectos técnicos como el satinado Lalique o el vidrio opalescente.

Los joyeros españoles

Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición distinguida

y para ello buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del joyero como artista más que como artesano.

En la mayoría de los trabajos esmaltados las gemas cedieron su primacía.

A los diamantes se les daba un papel subsidiario en combinación con materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y cuerno animal.

 

En España destaca el orfebre Lluis Masriera, miembro de una conocida saga catalana de artistas, que además fue pintor, dramaturgo y escenógrafo. Sus piezas de joyería se caracterizan

por la aplicación de esmaltes translúcidos.

Su obra presenta una gran influencia de Lalique,

Fuera de Cataluña, sobresale el bilbaíno Paco Durrío,

que trabajó fundamentalmente en París y que, además de diseñar joyas con influencias simbolistas, fue también ceramista y escultor.

 

Paco DurríoT

Paco Durrío

 

Lluis Masriera

Lluis Masriera

 

 

En america

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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