índice Bloque 2. El Romanticismo tardío

La revolución industrial. La colonización de África. Guerra con China.

La guerra de secesión Norteamericana. Independencia latinoamericana.

Nacionalismo italiano y germánico. Historicismo nostálgico.

Arquitectura. Neoestilos: neomudéjar, neogótico.

Exposiciones universales de París, Londres y Barcelona. La torre Eiffel.

Escultura: Auguste Rodin. Camille Claudel, escultora. Mariano Benlliure. Pintura. Francia: los Pompier: Bouguereau, Cormon, Alexandre Cabanel, Jean-Léon Gérôme

Pintura: El retrato galante: Los Madrazo. Franz Xaver Wintelhalter

Mariano Fortuny y Madrazo, artista total: pintor, escenógrafo, diseñador de moda, inventor.

El historicismo: Eduardo Rosales. Francisco Pradilla. Alejandro Ferrant.

Reino Unido: El movimiento prerrafaelita: John Everett Millais,

Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt, etc.

Decoración y moda: Mariano Fortuny y Madrazo. El movimiento

“Arts and Crafts”, William Morris.

El desarrollo de la técnica fotográfica. El retrato fotográfico.

Los orígenes del cine y el nacimiento del cine americano.

Música: regionalismo eslavo. La zarzuela

Danza: Tchaikovsky (El lago de los cisnes).

 

Bloque 2. El Romanticismo tardío

La revolución industrial

 

CONTEXTO HISTÓRICO Y POLÍTICO

(2a MITAD DEL SIGLO XIX) EN EUROPA

lo más significativo es la consolidación de los estados modernos,

a partir de las ideas nacionalistas románticas de la primera parte del siglo.

Europa Occidental. En 1871 se produce la unificación de Alemania

que pasará pronto a ser la principal potencia de Europa Central.

Italia se unió en 1870. Predominio del norte. El sur, empobrecido,

sufre la emigración a América.

En Francia, en el mismo año, se proclamó la Tercera República que dura hasta hoy.

Sin embargo, Inglaterra mantiene la supremacía económica y política en Europa.

En el este de Europa, Rusia es una gran potencia aunque se inició una continua convulsión social, debido a las malas condiciones de vida de la mayoría de la población.

 

FUERA DE EUROPA.

Estados Unidos, después de la Guerra de Secesión,

acelera su industrialización y se convierte en potencia mundial.

El imperialismo estadounidense (imitando a los países europeos) se extiende en Sudamérica

 

La guerra de secesión Norteamericana.

 

 

ASPECTOS SOCIALES Y ECONÓMICOS

En Europa se produce durante la segunda mitad del siglo XIX

un rápido crecimiento económico propiciado por la expansión económica.

Este avance de la industrialización esta también ligado a la intensificación del comercio

y el progreso técnico junto a la consolidación del poder de la burguesía.

No obstante, también la clase social, el proletariado, se organiza.

Tiene lugar una reunión de dirigentes socialistas de toda Europa,

la 1ª Internacional de Marx, y aparecen los primeros sindicatos

que tienen por objeto la protección de los derechos obreros.

Nace un nuevo sistema socioeconómico y político: el sistema capitalista,

propiciado por el desarrollo de dos nuevas clases protagonistas en la segunda mitad del siglo XIX.

 

 

 La colonización de África

 

LA BURGUESÍA

que acumulaba riqueza y poder se acercó a la nobleza, atraídos por su prestigio.

La mezcla fue una nueva clase dominante, que impuso sus valores e intereses:

el dinero, la productividad, el trabajo y el pragmatismo.

La segunda revolución industrial.

La elevada producción y los progresos técnicos como el motor de explosión,

la electricidad, el ferrocarril, incremento de mano de obra

y los nuevos mercados de consumidores,Llevó a la implantación del taylorismo.

Método de trabajo que buscaba aumentar la productividad,

creando cadenas de trabajo en las que los obreros se especializaban en pocas tareas.

Permite aumentar la productividad pero toma al ser humano casi como una máquina.

 

EL PROLETARIADO.

Trabajadores que organiza el “movimiento obrero”.

En 1864-1889 se constituye en Londres la I y II Asociación Internacional de Trabajadores,

que se extiende rápido a muchos países europeos.

Otro fenómeno generalizado fue la implantación de la educación primaria obligatoria.

Esto respondía a objetivos del nuevo sistema socioeconómico y político:

unificar valores como la cultura y la lengua nacionales, y crear un sistema educativo laico,

libre de la dirección de la Iglesia.

 

Guerra con China.

 

Independencia latinoamericana.

 

 

  1. 1. Relaciona el internacionalismo político europeo

y la llegada a Europa del arte de Oriente.

Los beneficios producidos por la revolución Industrial y la revolución del transporte

elevan la necesidad de las potencias europeas de invertir el otros países

influyen en la aparición del capitalismo imperialista a fines del siglo XIX en un grupo de países de Europa, América del Norte y Japón.

 

 

Nacionalismo italiano y germánico

 

 

A lo largo de la historia, del siglo XVI al XVIII,

los ambientes cortesanos de Europa fueron cubiertos por la lujosa decoración de la Chinoiserie, pero las transformaciones sociales y la apertura de Japón en el siglo XIX

produjeron una expansión del Japonismo a la cultura burguesa.

En esta segunda etapa, ya en el siglo XIX, la valoración del arte extremo oriental

—especialmente el influyente arte nipón— no radica en su consideración de objeto de lujo,

sino en sus propiedades estilísticas, utilizadas como referencia frente al arte academicista.

El arquetipo del Japonismo lo constituye la figura idealizada de la geisha,

cuya imagen fue recreada en ópera de Giacomo Puccini (1858-1924), como Madama Butterfly.

En el terreno de las Bellas Artes, apreciamos una doble lectura del fenómeno del Japonismo.

Por una parte, atendiendo a su temática, puede ser entendido como género; por otra parte,

sin preocuparnos necesariamente del tema de la obra,

puede ser considerado como una influencia estilística

que influyó en la renovación del arte académico occidental y aportó elementos de vanguardia.

La gran influencia del arte japonés como inspiración para el arte contemporáneo

ha sido ampliamente estudiada, especialmente en los impresionistas,

post-impresionistas, simbolistas y modernistas.

Desde la apertura de los puertos japoneses previa a la restauración Meiji (1868).

El norteamericano J. A. M. Whistler (1834-1903), tras conocer los grabados japoneses en París,

fue uno de los primeros pintores en representar con gran sensibilidad cromática

todo el repertorio temático del Japonismo a partir de 1864.

01 J. A. M. Whistler

 

Fué París el epicentro del arte, y del fenómeno Japonismo:

Con figuras como Manet, Van Gogh (que veremos en el capítulo siguiente).

En el arte Español tuvieron influencia también otras corrientes orientalistas islámicas

tuvieron un papel masivo en la geografía del exotismo de los pintores nacionales.

Sorprende, no obstante, encontrarnos en fechas paralelas

a los primeros cuadros japonistas de Whistler

 

02 Mariano Fortuny

algunos ejemplos del extraordinario pintor Mariano Fortuny (1838-1874),

cuya proyección ciertamente excede el mercado local

y hemos de situarlo en primera línea de la pintura europea.

En la primera de las tres versiones que realizó con el título El Coleccionista de Estampas (1863) apareció una armadura japonesa propiedad del artista,

un jarrón de porcelana china y un abanico japonés.

 

1.2. Comenta la guerra de Secesión Norteamericana y su influencia en el arte.

Uno de los aspectos importantes de “La Guerra Civil y el arte estadounidense”

es que transmite la respuesta de los creadores ante una gran crisis nacional

que hizo necesario llevar a la práctica los ideales de los Padres Fundadores de la nación.

La Guerra Civil o de Secesión de Estados Unidos duró alrededor de cuatro años

y dejó un inmenso número de víctimas fatales y de heridas,

así como una crisis económica nunca antes conocida en el territorio del Sur.

Eliminaron los ideales románticos de la pintura americana anterior e introdujeron el sentimiento de ansiedad. Las fotos llevaron a los hogares los desastres bélicos.

 

Arquitectura:

2.1. Identifica los edificios relacionados con los movimientos neogótico y neomudéjar.

Neogótico:

En el siglo XIX la Europa continental vivió una auténtica fiebre neogótica que,

además de levantar nuevos edificios, restauró y completó edificaciones medievales,

como catedrales y castillos. En Francia destacó la labor restauradora y reconstructora de

Eugène Viollet-le-Duc.

 

Neogótico.

4 Eugène Viollet-le-Duc

 

 

El ambiente artístico de mediados del siglo XIX fue muy proclive al medievalismo,

que se extendió por todas las artes, especialmente en la decoración y el mobiliario (Arts and Crafts), pero también en pintura, con distintos criterios

(los nazarenos en Alemania, los pre-rafaelitas en Inglaterra)

o en literatura (drama romántico, novela histórica, novela gótica)

o en música (óperas de ambientación medieval).

 

Edificios representativos:

05 El Palacio de Westminster

, sede del parlamento del Reino Unido en Londres.

06 famosas gárgolas de Notre Dames

Las famosas gárgolas de Notre Dame de Paris, fruto de la intervención de Viollet-le-Duc (1846)

 

Tower Bridge sobre el Támesis, en Londres.

07 Tower Bridge

San Jerónimo el Real de Madrid

08 San Jerónimo el Real de Madrid

Palacio Episcopal de Astorga

9

Fachada de la catedral de Barcelona.

10 Fachada de la catedral de Barcelona.

 

Historicismo

En este periodo conviven, por un lado la arquitectura historicista,

y por otro lado el progresivo desarrollo de la arquitectura del hierro,

consecuencia de los cambios introducidos por los nuevos materiales

y procesos industriales generados en la revolución industrial

 

Historicismo nostálgico.

 

Neomudejar

El neomudéjar es un estilo artístico y arquitectónico que se desarrolló principalmente

en la Península Ibérica a finales del siglo XIX y principios del XX.

Se enmarca dentro de las corrientes orientalistas

de la arquitectura historicista imperante en Europa por aquella época.

El nuevo estilo se asoció especialmente a construcciones de carácter festivo y de ocio,

como salones de fumar, casinos, estaciones de tren, plazas de toros o saunas.

En España el estilo neomudéjar fue reivindicado como estilo nacional,

por estar basado en un estilo propiamente hispánico.

Arquitectos como Emilio Rodríguez Ayuso o Agustín Ortiz de Villajos

 

Arquitectura. Neoestilos: Neomudejar,

11 Emilio Rodríguez Ayuso o Agustín Ortiz de Villajos

vieron en el arte mudéjar algo únicamente español

y empezaron a diseñar edificios utilizando rasgos del antiguo estilo,

entre ellos las formas abstractas de ladrillo y los arcos de herradura.

Sin embargo, lo que la historiografía ha considerado tradicionalmente como neomudéjar,

son en muchos casos obras de estilo neoárabe, puesto que utilizan elementos califales,

almohades y nazaríes, siendo el único aspecto mudéjar el uso del ladrillo visto.

Frecuentemente se ha considerado a la plaza de toros de Madrid

de Rodríguez Ayuso y Álvarez Capra de 1874 como el inicio del neomudéjar

12 Rodríguez Ayuso y Álvarez Capra

 

3.1. Relaciona las exposiciones universales

de París y Londres con la arquitectura.

Las Exposiciones Universales se originaron en la tradición francesa de exposiciones nacionales,

una tradición que culminó con la exposición industrial francesa de 1844 celebrada en París.

13 1844 celebrada en París exposicin universal

 

Esta feria fue pronto seguida por otras exposiciones nacionales en la Europa continental y, finalmente, el Reino Unido.

14 exposicion universal reino unido

Francia inicia una serie de exposiciones universales, a partir de 1855,

cuya periodicidad de 11 años (1855, 1867, 1878, 1889 y 1900) se impone implícitamente.

Esta periodicidad es indispensable para encuentros de semejante magnitud.

La Exposición Universal de 1855 reúne, por primera vez, las industrias y las Bellas Artes.

Influencias en la arquitectura posterior

– Utilización de nuevos materiales industriales en arquitectura:

hierro , remaches y cristal

– Creación de espacios diáfanos de gran amplitud.

 

  • Potenciar la arquitectura espectáculo en cuanto a sus dimensiones

y su relación con el ocio y disfrute, incorporación a la arquitectura de otros avances industriales. Como la iluminación eléctrica.

  • Difusión de los avances arquitectónicos por las fotografías

lo que posiblilita su influencia en otros paises

La primera Exposición Universal se celebró en el Palacio de Cristal en Hyde Park,

Londres, Reino Unido, en 1851, bajo el título

“Gran Exposición de los Trabajos de la Industria de Todas las Naciones

El Crystal Palace de Paxton, calificado por algunos de sus detractores

como el monstruo de cristal, fue catalogado durante mucho tiempo como obra maestra e,

incluso, como una de las maravillas del mundo arquitectónico.

Desgraciadamente hoy desaparecido a causa de un incendio,

este palacio ejerció una decisiva influencia en la concepción de otros pabellones

levantados en posteriores exposiciones universales.

 

Londres

 

 

 

Este fue el caso de Nueva York, ciudad que en 1853 organizó la segunda muestra de estas características y que dispuso de un Crystal Palace basado en la idea de Paxton,

con la novedad de presentar una gran cúpula de fundición.

La edición correspondiente a 1855 se celebró en París,

donde el arquitecto Viel levantó el Palacio de la Industria;

un edificio concebido como réplica al de Londres; si bien su ancho duplicó largamente al de aquel, y en el que se emplearon grapas metálicas y cristal engastado.

Hasta finales del siglo XIX, Londres y París se alternaron en la organización de estas exposiciones, destacando Francia en cuanto a las novedades arquitectónicas

que presentaron los sucesivos certámenes

 

La Exposición Universal de París de 1889 contó con una Galería de Máquinas,

construida según el proyecto del arquitecto Louis Dutert (1845-1906)

y del ingeniero Contamin (1840-1893).

Algo menor que el Crystal Palace londinense, huía del aspecto de invernadero

y sus monumentales pilares descansaban sobre 40 pilastras de albañilería.

La bóveda, cuya altura alcanzaba los 43 metros, cubría, sin ningún apoyo intermedio,

una superficie de 4,5 hectáreas.

El edificio despertó una expectación similar a la que en su día suscitara el pabellón de Paxton.

 

Exposiciones universales de París

 

Mas sobre la exposición universal de París

 

 

 

Eiffel, experto en la construcción de puentes, estaciones de ferrocarril y edificios de hierro,

ya había participado en la construcción de la estación de Pest (Hungría),

en la de los almacenes Au Bon Marché de París

y en los cálculos del techo de la Galería de Máquinas de la Exposición de 1867.

Asimismo, suya fue la ejecución de muchos puentes, entre los que destacan el del Duero,

en Portugal, y el viaducto de Garabit, en Francia,

de 165 metros de luz sobre las aguas del río Thuyére,

como igualmente concebiría la estructura metálica que sustenta la estatua de La Libertad,

en Nueva York.

 

La construcción de la torre Eiffel, de 300 metros de altura,

Exposición Universal de París de 1887, conmemorativa del centenario de la Revolución francesa, donde Eiffel lleva adelante otro ejemplo de la nueva arquitectura.

Se trata de la famosa torre que tomó su nombre, una obra que sorprendió

y desató entonces toda suerte de reacciones, negativas en su mayoría.

 

3.2. Identifica los elementos principales de la erección de la Torre Eiffel.

Descripción de la torre por niveles La base

La torre se asienta en un cuadrado de 125 metros de lado,

según los mismos términos del concurso de 1886.

Tiene 325 metros de altura con sus 116 antenas;

está situada a 33,5 metros por encima del nivel del mar.

Los cimientos: los dos pilares situados del lado de la Escuela militar de Francia

reposan sobre una capa de hormigón de 2 metros;

esta, a la vez, reposa en una cama de grava, haciendo un hoyo de siete metros de profundidad.

Los dos pilares de la parte del río Sena se sitúan incluso por debajo del nivel del río.

El primer nivel Situado a 57 metros sobre el suelo, con una superficie de 4200 metros cuadrados, puede soportar la presencia simultánea de aproximadamente 3000 personas.

Una galería circular colocada en el primer piso permite una vista de 360° sobre París.

Esta galería tiene colocados varios mapas de orientación y catalejos

que permiten observar los monumentos parisinos.

Apuntando hacia el exterior están inscritos los nombres de setenta y dos personalidades

del mundo científico de los siglos XVIII y XIX.

El segundo nivel Situado a 115 metros por encima del suelo,

posee una superficie de 1650 metros cuadrados aproximadamente;

puede soportar la presencia simultánea de alrededor de 1600 personas.

Se considera que es el piso que posee la mejor vista,

debido a que la altitud es óptima con relación a los edificios que se encuentran abajo

El tercer nivel Situado a 275 metros sobre el suelo, con una superficie de 350 m²,

puede soportar la presencia simultánea de alrededor de 400 personas.

El acceso se hace obligatoriamente por un ascensor

(la escalera está prohibida al público a partir del segundo piso)

y se llega a un espacio cerrado lleno de mapas de orientación.

Al subir algunas escaleras, el visitante llega a una plataforma exterior

La torre Eiffel.

Exposición universal  de Barcelona.

Escultura 4.1. Explica la evolución del clasicismo de Canova al expresionismo de Rodin.

 

Neoclasicismo Cánova: Las tres Gracias encarnan el desnudo femenino en toda su perfección, perviven los modelos clásicos en la fisonomía, anatomía y peinado Realismo-romanticismo Carpeaux por el contrario todo es movimiento, mayor naturalismo en la anatomía los gestos los cabellos, contraste de texturas Rodin La fuerza colosalista.

– La rugosidad de las superficies, que como la de Miguel Ángel ganó el apelativo de obra “inacabada. Esto le da una gran fuerza expresiva, sugerir más vitalidad y potenciar los efectos de luz y trasladar el Impresionismo a la escultura.

– Multiplicidad de planos

 

Camille Claudel, escultora.

4.2. Analiza la obra de Camille Claudel.

EL lega a París en 1883 con el fin de perfeccionar su técnica e ingresar en la Academia Colarussi. Ese mismo año se encuentra por primera vez con Auguste Rodin,

mientras el célebre escultor sustituía una clase de su amigo Alfred Boucher.

Al año siguiente empieza a trabajar en su taller,

posa para él y colabora en la realización de las figuras de La puerta del Infierno.

Además de ser una de las principales colaboradoras del escultor,

fue también su compañera durante algunos años, se convirtió en su modelo y su musa,

inspirando obras como La Danaïde o Fugit Amor.

16 Camille Claudel.

 

La edad madura

La pareja frecuentaba los ambientes artísticos y culturales más importantes del París de la época

y pasaron juntos largos períodos fuera de la ciudad,

sin embargo a Rodin se le relacionó sentimentalmente con Rose Beuret,

esta situación sería la inspiración de una de las obras más importantes de Camille:

La edad madura. En esta escultura vemos representada la escena de Camille arrodillada y suplicante, dirigiendo sus manos hacia Rodin, quien le da la espalda mientras una mujer mitad ángel mitad bruja, que representa a Rose Beuret, se lo lleva.

Mientras sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen con frecuencia artículos sobre ella en las revistas de arte, en medio de una crisis emocional, Camille se encierra en su taller, se aleja del mundo y en diciembre de 1905 realiza su última gran exposición.

 

Esculura: Auguste Rodín.

 

5.1. Compara la obra de Rodin y Camille Claudel y establece las conclusiones pertinentes.

Camile colaboraría con Rodin en la ejecución de dos de las obras más célebres del escultor:

“Los Burgueses de Calais” y, sobre todo, “Las Puertas del Infierno”,

una de las obras magnas de su autor, de más de seis metros de altura y

con más de 200 figuras en su composición,

considerada una de las más extraordinarias muestras del impresionismo escultórico

de todos los tiempos.

Durante todo aquel tiempo, Camille trabajó arduamente como ayudante y modelo de Rodin,

la mayoría de las veces a expensas de su propio trabajo;

y es que la alumna se había enamorado irremediablemente del maestro,

Durante casi diez años, Rodin y Camille trabajaron codo con codo,

influyéndose e inspirándose uno a otro, y creando algunos de sus mejores trabajos:

“Fugit Amor”, en el caso de Rodin; “Sakountala”, en el de Camille.

Sin embargo, su relación pasional era cada vez más tormentosa,

debido al maltrato psicológico al que el escultor sometió a su joven amante;

no sólo la humillaba y menospreciaba como artista, también se exhibía con otras mujeres ante ella.

 

18 “Sakountala”l

 

17 “Los Burgueses de Calais”

 

 

5.1. Obra de Rodin

Viajó a Italia , donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento

y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel

(el fuerte impacto de la terribilitá de Miguel Angel se aprecia en toda su obra).

La Edad de Bronce:

Para Rodin , la belleza en el arte consistía en

una representación fidedigna del estado interior,

y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía.

 

19 Manos de amantes

Manos de amantes,

obra de 1904. Esculpidas en mármol blanco, las dos manos se acarician con gran sensualidad.

Con ellas, Rodin alcanza la máxima depuración formal.

Las manos eran uno de los temas favoritos del artista .

Cuentan que tenía montones de ellas en su taller. De todos los tamaños y de ambos sexos.

En esta escultura se puede apreciar la influencia de Miguel Ángel

en el tipo de bases que utiliza para sus piezas.

Son soportes que dan una idea de inacabado. Una forma de decir: ahí lo dejo.

No lo acabo porque el mundo termina cuando yo lo decido non finito de Miguel Ángel

es especialmente evidente en Fugit amor,

una obra en la que un hombre y una mujer están fundidos en un abrazo.

Una escultura que es necesario rodear totalmente para poder aprehenderla en todos sus detalles.

El escultor francés dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica

expresada a través del modelado y la textura .

En el arte de Rodin se funden una técnica impresionista ,

que con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos obtiene efectos de luz ,

la profundidad vital y la fuerza colosal que anima las figuras.

Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX

20 EL BESO

EL BESO una representación visual del amor en la que una fuerza interna une en audaces enlaces

y abrazos a seres que así manifiestan la expansión de su energía vital, de la felicidad compartida. 1888 – 1889 mármol 181,5 x 112,3 x 117 cm

EL BESO Esta desmitificación y la representación del amor

como parte del comportamiento de todo ser humano provocó una fuerte reacción en sus contemporáneos que juzgaron como crudamente realista e impúdica a El Beso

(escena aceptada y gozada siempre que se diera un contexto mítico o literario)

 

LAS PUERTAS DEL INFIERNO (1880-1917)

La puerta representaba principalmente escenas del Infierno,

la primera parte de la Divina Comedia de Dante .

Aunque Rodin no completó las Puertas del infierno,

creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos ,

siendo todos ellos aclamados como obras independientes.

17 Las Puertas del Infierno

EL PENSADOR

una de las obras en la que la influencia de Miguel ángel se refleja con mayor intensidad.

La enérgica concentración del rostro y de los músculos tensos y las manos fornidas,

recuerdan al gran maestro florentino

 

20 EL PENSADOR

 

BURGUESES DE CALAIS 1889

bronce 217 x 255 x 177 cm Los burgueses de Calais

anuncia las vigorosas deformaciones del Expresionismo ,

anticipando con sus formas sarmentosas y sus expresiones enigmáticas

algunos de los caminos que la escultura recorrerá en el siglo XX;

esta escultura es un monumental grupo en bronce

en el que se representan personajes históricos con gran diferenciación psicológica

 

Mariano Benlliure.

 

 

  • 6.1. Identifica la escultura española,

especialmente la obra de Mariano Benlliure.

21 Mariano Benlliure

 

1º fase : El siglo XIX se inicia con el movimiento neoclásico procedente del siglo anterior.

Se produce la decadencia de la escultura religiosa

y cobra importancia la escultura como elemento decorativo de la arquitectura.

Su gran mecenas será la realeza que con la construcción de sus nuevos palacios

o la reforma de los existentes hacen necesario que se establezca la plaza de escultor de cámara.

Las Academias serán las encargadas de la formación de los jóvenes artistas

y las que establecen concursos y becas de estudio en Madrid, Roma o París.

Se impone la rigidez académica que exige la imitación de la Antigüedad.

El resultado es una estatua fría, que no comunica nada más que unas poses y unas medidas.

 

Antonio Solá con el Monumento a Daoiz y Velarde en la plaza del Dos de Mayo de Madrid

22 Monumento a Daoiz y Velarde

2ª fase Romanticismo

El corto periodo romántico en escultura responde a encargos oficiales

para embellecer edificios o erigir monumentos conmemorativos.

A diferencia de lo que sucede en pintura, se caracteriza por la falta de carácter y la desorientación. Es una época de transición, que alterna elementos clasicistas

con otros criterios que desembocarán en un nuevo realismo.

La corte deja de ocuparse de la escultura, a Isabel II no le interesa demasiado el arte

y se suprimen los pintores de cámara.

A partir de 1845 la Academia deja de dirigir la enseñanza artística

y se crea la Escuela de Bellas Artes.

Las Exposiciones Universales sustituirán los premios y pensiones de la Academia.

Ponciano Ponzano

 

3ª fase Realismo

Lo entendemos como la inspiración directa en la realidad que nos rodea.

Los escultores que en el último tercio del siglo XIX

asimilaron la corriente naturalista son más abundantes.

 

23 Ángel Caído

Ricardo Bellver (1845-1924) Es el autor del Ángel Caído,

monumento que se encuentra en el Parque del Retiro de Madrid.

Es un hermoso desnudo juvenil que representa al diablo.

Se encuentra sobre un tronco seco, con sus grandes alas abiertas

y una serpiente enrollada en el cuello. Su rostro se crispa como grito desesperado

mientras con la mano intenta librarse del rayo que lo derriba.

Bellver supo ser muy cuidadoso y expresivo sin caer en detallismos excesivos.

 

24 estatua ecuestre del General Martínez Campos

Mariano Benlliure (1862-1947)

Puede ser considerado como el puente con el Modernismo.

Una de sus esculturas decorativas más modernistas es el grupo alegórico

que corona el edificio de La Unión y el Fénix.

Entre sus monumentos destaca la estatua ecuestre del General Martínez Campos.

Una estatua antiheroica, de realismo casi fotográfico.

El jinete cabalga pesadamente, con el capote abrochado al cuello y flotando sobre sus hombros, mientras el caballo, que ha detenido su marcha, vuelve la cabeza para rascarse.

 

Escultores del XIX:

  • Ponciano Ponzano · Ricardo Bellver · Eduardo Barrón · Mariano Benlliure
  • Agustín Querol · Mateo Inurria ·Aniceto Marinas

 

Aniceto Marinas García

Sus obras más significativas se encuentran en Madrid: Monumento a Velázquez

(en la puerta principal del Museo del Prado, 1899),

Monumento a Eloy Gonzalo (en la plaza de Cascorro, 1902),

grupo La Libertad (en el Monumento a Alfonso XII del Parque del Retiro, 1905)

 

Pintura

7.1. Identifica la pintura orientalista europea,

ya sea francesa, inglesa, etc. con los orientalistas españoles

por ejemplo Mariano Fortuny.

 

En el romanticismo, la seducción por el oriente cumplía el mismo papel

de alejamiento de la realidad que el historicismo medievalista.

26 Washington Irving

Washington Irving encontró en Granada la conjunción de ambos (Cuentos de la Alhambra), contribuyendo a la generación del tópico del exotismo español.).

Pintores como Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme y Alexander Roubtzoff

se recrearon en representaciones de todo tipo de escenas ambientadas

en escenarios de los países árabes del norte de África y Oriente Medio.

27 Jean Auguste Dominique Ingres

Cuando Jean Auguste Dominique Ingres, director de la francesa Académie de peinture

pintó una visión muy colorista de un baño turco,

hizo que este oriente erotizado se hiciera públicamente aceptable

por su generalización difusa de las formas femeninas,

que podrían haber sido todas ellas el mismo modelo.

La sensualidad se veía aceptable en el exótico oriente.

Este estilo tuvo su momento álgido en las Exposiciones universales de París de 1855 y 1867.

Además, la posibilidad de emprender viajes por esos territorios estimuló a los artistas,

que en algunos casos acompañaron misiones diplomáticas o científicas,

a describir lo visto e intentar representaciones más documentadas de Oriente.

Este tipo de producción visual tuvo tal aceptación que, hacia mediados del siglo xix, la pintura orientalista abundaba en los salones anuales de París, y en 1893 se creó la Société des Peintres Orientalistes con Jean-Léon Gérôme como presidente honorario

28 Mariano Fortuny

Mariano Fortuny.

En España el principal ejemplo fue Mariano Fortuny (1838-1874),

que viajó a Marruecos donde quedó prendado del pintoresquismo local.

Temas marroquíes fueron igualmente tratados por Josep Tapiró (1836–1913)

y Antonio Fabrés (1854–1938).

El imaginario orientalista persistió en el arte hasta principios del siglo XX,

como evidencian los desnudos orientalistas de Matisse.

El uso de Oriente como un telón exótico continuó en las películas,

por ejemplo en muchas de Rodolfo Valentino.

Más tarde árabes ricos con togas se convirtieron en un tema popular,

especialmente durante la crisis del petróleo de los años 1970.

En los años 1990, el terrorista árabe se convirtió en la figura de villano

preferida de las películas occidentales.

 

8.1. Relaciona la obra pictórica historicista de los pintores:

El historicismo:

Eduardo Rosales.

 

 

Eduardo , Francisco Pradilla y Alejandro Ferrant.

La pintura de historia, o pintura histórica, es un género pictórico

que se inspira en escenas con eventos de la historia cristiana, de la historia antigua

(mesopotámica, egipcia, griega, romana…),

de la mitología o de los acontecimientos históricos recientes.

En la segunda mitad del siglo XIX estos pintores españoles cultivaron la «pintura de historia»

con obras como La muerte de Viriato, de Madrazo o el Cincinato de Juan Antonio Ribera. Fue especialmente demandada en los encargos de instituciones y los concursos académicos,

siendo sin duda el género más destacado a lo largo de todo el siglo XIX.

En concreto, las becas para las jóvenes promesas que iban a estudiar a la Academia de España

en Roma dieron lugar a una emulación para representar en lienzos de grandes dimensiones episodios gloriosos o espectaculares de la historia española.

Con su difusión pública se quería construir una visión de historia nacional española

Eduardo Rosales Gallinas (Madrid, 4 noviembre 1836 – Madrid, 13 de septiembre de 1873)

fue un pintor del siglo XIX español Ingresó en 1851 en la Real Academia de Bellas Artes

de San Fernando, donde fue alumno de Federico Madrazo.

Se unió al grupo de pintores españoles que se reunían en el Antico Caffè Greco

(Casado del Alisal, Dióscoro Puebla, Fortuny).

Allí comenzó a asociarse con los círculos puristas nazarenos, pero pronto abandonó esa tendencia, en la que realizó su primera obra de importancia,

29 Eduardo Rosales Gallinas

Tobías y el ángel. A continuación se interesó por un estilo más realista, en el que realizó su gran obra maestra, Doña Isabel la Católica dictando su testamento, conservada en el Museo del Prado. Acudió con ella a la Exposición Universal de París de 1867 obteniendo un enorme éxito.

 

Francisco Pradilla y Ortiz

Su primer cuadro de importancia fue El rapto de las sabinas

para las oposiciones a la pensión de la Academia española en Roma,

al que siguió en 1878 Doña Juana la Loca, como trabajo de dicha pensión.

Por este colosal cuadro obtuvo medalla de honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes (España) de 1878 y una medalla de honor en la Exposición Universal de París de 1878.

Se superó con la realización de La rendición de Granada (3,3 x 5,5 m) de 1882,

que destaca tanto por la limpieza de la caracterización

como por la viveza de la representación y la grandeza del estilo.

El cuadro ganó el primer premio en una exposición de Múnich de 1893.

 

Alejandro Ferrant y Fischermans

Lograría el máximo galardón en 1878 con El entierro de san Sebastián

(San Sebastián en la cloaca Máxima), colosal lienzo que actualmente cuelga en el Museo del Prado.

En 1874 acudió a aprender a Roma (Italia),

pensionado en la primera promoción de pintores de la Academia Española de Bellas Artes,

Pintó principalmente temas religiosos e históricos,

aunque también se dedicó a la pintura de género y la decorativa.

En este último género hay que destacar sus trabajos en: la iglesia de San Francisco el Grande,

el Palacio de Linares de Madrid,

el oratorio del Palacio de Miramar en San Sebastián

y la sede de la Diputación Foral de Navarra en Pamplona.

Su estilo se atiene al gusto académico predominante en la época:

predominio del color sobre el dibujo y pincelada suelta;

el uso de tonos pardos delata influencias del barroco.

Fue director del Museo de Arte Moderno de Madrid

(que en 1971 se integraría en el Museo del Prado).

Su hijo Ángel Ferrant (1890-1961) fue un destacado escultor de la vanguardia española.

 

9.1. Reconoce la obra de los pintores “Pompier” franceses:

Bouguereau, Cormon, Alexandre Cabanel, Jean-Léon Gérôme, entre otros.

Art pompier ( lit.francés: «Arte bombero» )

es una denominación peyorativa para referirse al academicismo francés

de la segunda mitad del Siglo XIX, bajo la influencia de la Academia de Bellas Artes.

La expresión refiere todavía hoy al arte académico oficial, adicto al poder,

que aunque utiliza técnicas magistrales resulta a menudo falso y vacío de contenidos.

El origen del apelativo es incierto: podría derivar de los yelmos de las figuras clásicas,

similares al casco de un bombero;

o podría simplemente referirse al carácter pomposo y retórico

de muchas representaciones de la época.

La corriente artística del Neoclasicismo, inserta en el Siglo XVIII

y prolongada a la primera mitad del XIX

tenía en el rigor racional el primer requisito para prestarse a la enseñanza en las academias,

el camino de la imitación de los modelos clásicos modelo de armonía y belleza.

La Academia real de pintura y escultura se había creado en Francia en 1648,

con el objetivo de garantizar a los artistas una norma de calidad,

dotándolos de un estilo pleno de simplicidad aunque también de grandiosidad,

de armonía y de pureza William-Adolphe Bouguereau Hombre fuerte del academicismo francés, primer presidente del departamento de pintura de la Sociedad de Artistas Franceses

y gran favorito de la clase adinerada de su época.

Vivió 80 años y se le reconocen más de ochocientas obras.

Ilustres admiradores suyos fueron, por ejemplo, Napoleón III

y el pianista y compositor romántico Chopin.

Otros grandes artistas contemporáneos como Gauguin, Cézanne o Van Gogh

lo aborrecieron o ignoraron.

 

32 Fernand Cormon Dante y Virgilio en el infierno

Obras: Dante y Virgilio en el infierno, El nacimiento de Venus Fernand Cormon

también conocido como Fernand-Anne Piestre, fue un pintor francés,

uno de los principales pintores de temas históricos de la Francia moderna.

Atrajo a una edad muy temprana la atención de la crítica por el sensacionalismo de su arte,

pues por un tiempo su poderoso pincel

se detuvo con especial placer en escenas de derramamiento de sangre,

como el Asesinato en el Serallo (1868) y

La muerte de Ravara, Reina de Lanka, ambas en el Museo de Toulouse.

Su obra más conocida, Caín huyendo antes de la maldición de Jehová,

inspirada en La Légende des siècles de Victor Hugo, se conserva en el Musée d’Orsay.

 

Pintura. Francia: Pompier: Bouguereau, Cormon, Alexandre Cabanel,

 

 

Alexandre 

Pintor de historia, de género y retratista, su obra evolucionó con los años hacia temas románticos, tales como Albaydé, inspirado en un poema de Orientales de Victor Hugo.

Su obra fue especialmente conocida y reclamada por los coleccionistas internacionales

y por las instituciones, y fue uno de los artistas preferidos de los emperadores Napoleón III

y Eugenia de Montijo. Artista contrario al Naturalismo y al Impresionismo,

y en particular enemigo de Édouard Manet, fue criticado a su vez por Émile Zola y los naturalistas, así como por todos aquellos que defendían la emergencia de un arte menos galante

y más social y exigente.

Obra: El nacimiento de Venus, El Ángel Caido,

 

Fedra Jean-Léon Gérôme

(Vesoul, 11 de mayo de 1824-París, 10 de enero de 1904)

fue un pintor y escultor francés academicista cuyas obras son,

por lo general, de tema histórico, mitológico, orientalismo, retratos y otros temas,

con lo que lleva al Academicismo tradicional a un clímax artístico.

Es considerado uno de los pintores más importantes de este período académico,

y además de ser pintor y escultor, fue también un maestro con una larga lista de estudiantes.

Obras: Pelea de Gallos, Pollice Verso (pulgar girado).

 

El retrato galante: Los Madrazo.

 

10.1. Relaciona el retrato pictórico de Los Madrazo

y Franz Xaver Wintelhalter Los Madrazo:

En esta notable dinastía de artistas están representadas diferentes tendencias pictóricas

del siglo XIX español, desde el Neoclasicismo del periodo de Fernando VII,

del que fue un claro exponente José de Madrazo (1781-1859),

hasta el Realismo de Federico (1815-1894) -el mejor retratista del momento-,

las pinturas de encargo de Luis (1825- 1897),

las pinceladas impresionistas de Ricardo de Madrazo (1852-1917)

o el aire romántico de Raimundo (1841-1920).

 

José de Madrazo y Agudo (Santander, 22 de abril de 1781 – Madrid, 8 de mayo de 1859)

fue un pintor y grabador español, que evolucionó del barroco al neoclásico.

Fundador de una famosa saga de artistas, fue padre de Federico Madrazo, Pedro Madrazo

y Luis Madrazo, abuelo de Raimundo Madrazo y Ricardo Madrazo,

y bisabuelo de Mariano Fortuny y Madrazo. Federico Madrazo

fue pintor de cámara de la reina Isabel II,

del mismo modo que su padre había sido pintor de la Corte con Fernando VII.

Pintó retratos, sobre todo del mundo aristocrático y de la cultura,

Gozó de gran prestigio y tuvo diversos aprendices, como los franceses Léon Bonnat y Gérôme.

Su hija Cecilia fue madre del también pintor Mariano Fortuny y Madrazo Luís (1825-1897) participó en varias Exposiciones Nacionales de Bellas Artes,

viajó a lo largo de varias ciudades europeas, y cultivó la pintura de historia y el retrato.

Pedro (1816-1898) fue crítico de arte, pintor,

uno de los grandes nombres de la historiografía de la pintura del siglo XIX

y autor de los catálogos oficiales de la pintura del Museo del Prado.

34 Gérôme Pollice Verso

 

Franz Xaver Winterhalter

fue un pintor y litógrafo alemán especialmente conocido por sus retratos de la realeza

realizados a mediados del siglo XIX.

Entre sus obras más conocidas se cuentan La Emperatriz Eugenia

rodeada de sus damas de compañía (1855) y los retratos hechos a la emperatriz Isabel de Austria, popularmente llamada Sissí (1864). En París, Winterhalter se convirtió pronto en pintor de moda. Fue nombrado pintor de la corte del rey Luis Felipe de Francia,

hábil combinando el retrato y la lisonja

e intensificando la ostentación oficial con la moda moderna.

El propio Winterhalter consideraba sus primeros encargos reales un interludio

antes de regresar a la pintura artísticamente respetable desde un punto de vista académico,

pero fue víctima de su propio éxito y, durante el resto de su vida,

trabajaría casi exclusivamente como pintor de retratos..

Winterhalter se convirtió en una celebridad internacional

que disfrutaba del mecenazgo de la realeza.

35 José de Madrazo y Agudo

 

 

Reino Unido: El movimiento prerrafaelita:

 

John Everett Millais, Dante Gabriel Rosseti, William Holman Hunt, etc.

 

 

  • 14.1 Analiza la obra pictórica del movimiento prerrafaelita.

La Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelite Brotherhood)

fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres

por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt.

La Hermandad duró como grupo constituido apenas un lustro,

pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX.

Se utiliza el término prerrafaelismo para caracterizar al movimiento pictórico que representan.

Los autores de esta corriente se inspiraron básicamente en el estilo artístico

que se dio antes del maestro Rafael, de ahí el nombre que tomaron estos artistas,

basándose en los autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento

y asuntos aún más antiguos, medievales principalmente, leyendas arcaicas e incluso,

como en el caso del pintor Lawrence Alma-Tadema, pasajes de la época clásica de Grecia y Roma. La elección de este nombre recuerda

que el grupo focaliza su crítica en torno a un cuadro de Rafael (1483-1520),

La Transfiguración (1518-1520, museos del Vaticano),

del que Hunt decía que “debería ser condenado por su inmenso desprecio de la sencillez

de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud, poco espiritual del Salvador”.

Querían volver a una forma de arte, acorde con la que existía antes de Rafael,

libre de cualquier amaneramiento académico.

El arte medieval, y en particular aquel de los primitivos italianos,

es el que designan como modelo de pureza y de libertad.

características:

  • Expresar ideas auténticas y sinceras;
  • Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas;
  • Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero,

descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria;

  • Y, lo más importante de todo, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.
  • La búsqueda de la perfección en el detalle y el preciosismo representativo

se conjugan con nuestra imaginación y nos hacen huir de la realidad

para sumergirnos en mundos perdidos, de exquisita sensibilidad y muy atractivos.

  • Interés por la luminosidad de la pintura y la intensidad del color.

 

37 John Everett Millais, Ofelia

Ejemplos: Autor: John Everett Millais, Ofelia (1852),

Tate Britain, Londres Todas sus obras de este período están realizadas con gran atención

por los detalles, destacando a menudo la belleza y complejidad del mundo natural.

En pinturas como Ofelia (1852), Millais creó superficies pictóricas densamente elaboradas basándose en la integración de elementos de la naturaleza.

Este procedimiento ha sido descrito como una especie de «ecosistema pictórico».

 

38 Dante Gabriel Rossetti

Dante Gabriel Rossetti sus cuadros muestran algunas de las cualidades realistas

del movimiento prerrafaelita temprano. Pinta Ecce ancilla Domini!,

una representación de la Anunciación que exaltaba la pureza.

Es una interpretación moderna de la Virgen María y de la Anunciación,

en la que María es representada como una adolescente indiferente y atemorizada.

 

 

William Holman Hunt Todas sus pinturas concedían una gran atención al detalle,

y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso,

a menudo inspirado en los textos bíblicos.

Obra El pastor.

 

Diseño

 

Fortuny

 

11.1. Reconoce los trabajos de diseño y vestuario

de Mariano Fortuny y Madrazo.

Su padre era el genial pintor español Mariano Fortuny y su madre, Cecilia de Madrazo,

también provenía de una familia de artistas pues era hija del también pintor Federico de Madrazo

y hermana de Raimundo de Madrazo. Su abuelo, Federico de Madrazo

A los tres años de edad su padre falleció y su madre decidió trasladarse

con sus hijos y su hermano Raimundo a París. Estudió dibujo y química en Francia y Alemania.

En 1888 se mudó al palacio Martinego, en Venecia,

donde se interesó por la gran colección de tejidos antiguos atesorada por su familia.

Hacia 1906 abrió su taller en el Palacio Pesaro degli Orfei junto a su esposa

y creó telas y trajes originales utilizando técnicas secretas.

Entre 1909 y 1910 Mariano registró dos patentes en París.

En 1911 creó la sociedad Mariano Fortuny para comercializar tejidos

y para imprimir mecánicamente papeles pintados, fotografías y tejidos,

a excepción del terciopelo y la seda. Movido por sus inquietudes artísticas desde joven,

Fortuny viajó por toda Europa a la búsqueda de artistas que admiraba,

entre ellos el compositor alemán Richard Wagner.

Su talento abarcó también la investigación en diferentes campos,

como en pintura, fotografía, escultura, arquitectura, escenografía

o técnicas de iluminación para artes escénicas.

Ejemplo de su diseño de vestuario es el vestido Delfos

( sus pliegues recuerdan al Auriga del Delfos)

que revolucionó la moda en las primeras décadas del siglo XX

Diseñó también lámparas de seda y metal. Y estampados sobre tela.

40 Mariano Fortuny vestido Delfos

 

40 mariano fortuny El pastor

El movimiento “Arts and Crafts”, William Morris.

 

Mas sobre arts and crafts

 

12.1. Explica el movimiento “Arts and Crafts” inglés 1850-1900

Liderado por William Morris es un movimiento del diseño y artes decorativas

que reacciona frente a la producción industrial y a la moda victoriana.

 

Características:

Creencia en la superioridad de la producción artesanal sobre la producción mecanizada,

que se ve como algo degradante para el creador y el consumidor.

Simplicidad de las formas, Volúmenes llanos y lineales.

Primera fase: inspirada en formas vegetales, animales y naturaleza.

Segunda fase: más abstracta inspirada en el movimiento y figuras míticas.

Regreso a los gremios como único modo de garantizar la dignidad de los objetos.

Rechazo de  máquina. Retorno a la Artesanía.

Búsqueda de honradez, sencillez, moral, religión, ética.

41 William Morris Ecce ancilla Domini

41 William Morris Burne-Jones

 

41 William Morris The Chaucer

 

13.1. Comenta los planteamientos estéticos de William Morris.

Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad Prerrafaelita,

movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura,

y propugnaba un retorno a la artesanía medieval,

considerando que los artesanos merecían el rango de artistas.

Con Webb construyó la Red House, que fue su regalo de boda para Jane Burden.

En los años siguientes (1857-62) se convirtió en pintor profesional.

Con su experiencia en arte y arquitectura fundó, en 1861,

junto con Dante Gabriel Rossetti, Burne-Jones, Madox Brown

y Philip Webb, Morris, Marshall, Faulkner & Co.,

una empresa de arquitectura y diseño industrial que él personalmente financiaba.

Mediante esta empresa, Morris creó un “revival” cultural en la Inglaterra victoriana

que se basaba en las artes y los oficios de la época medieval

como paradigma de la primacía del ser humano sobre la máquina

y a la vez de un trabajo hecho atendiendo a las más altas cotas de expresión artística.

Morris se preocupó intensamente en preservar las artes y oficios medievales

abominando de las modernas formas de producción en masa.

El movimiento de artes y oficios pretendía volver a la manufactura artesanal

contrastada con la producción industrial de la época

y así hacer llegar la cultura a las áreas menos pudientes de la sociedad.

Lo que se le reprochó fue que los productos llegaron a ser tan complejos

en su fabricación que solo las clases altas pudieron adquirir los ejemplares.

 

Obras:

Tapiz del pájaro carpintero, para muchos el mejor tapiz de los realizados por Morris en alto lizo. La inscripción en letras góticas arriba y abajo del marco son de un poema del propio.

Las vidrieras dieron gran renombre a Morris and Company.

Rey Arturo y Lanzarote del Lago, pertenecientes a una serie sobre la Muerte de Arturo.

Los papeles pintados de Morris alcanzaron una alta reputación.

Sus diseños florales sobre el Honeysuckle,(madreselva) de una particular suavidad cromática.

En diseño gráfico, editorial: funda Kelmscott Press en 1891 donde produce trabajos originales

(The Story of Sigurd the Volsung, The fall of the Nibelungs, etc),

así como reimpresiones de los clásicos, siendo su obra más conocida The Chaucer

que fue ilustrado por Burne-Jones.

Morris estudió al detalle el arte del período medieval y

por ello no es sorprendente que sus famosas iniciales y bordes de los libros

 

15.1. Identifica la técnica del retrato utilizada por Nadar.

Gaspard-Félix Tournachon más conocido como Nadar,

fue un fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta francés.

Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica

que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas

de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire.

Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.

Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero,

pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos

que le alejaban de los criterios más comerciales,

pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico.

En todo momento se negó a colorear los retratos,

así como a practicar cualquier tipo de retoque.

También renunció a la utilización de elementos de atrezzo.

Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo–

y del gesto –mirada y actitud de los modelos

favorecida por la relajación de los amigos fotografiados–,

como elementos principales de la fotografía.

Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo.

Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva,

no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura.

En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado razón

por la cual se prescinde de adornos superfluos.

En aras del realismo, desprecia el coloreado de las imágenes o su retoque

buscando con ello una mayor claridad.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858,

realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático.

Esta innovación tuvo un gran interés militar.

 

En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos

para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna.

También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial

consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

 

 

 

 

 (Grandes genios e inventos de la humanidad. La fotografía)

 

El retrato fotográfico.

  (Historia de la fotografía. El retrato)

 

 

16.1. Compara el retrato en pintura con el retrato coetáneo en fotografía.

La daguerrotipia y las formas originarias de fotografía

como el calotipo adoptaron rápidamente el género del retrato.

“La fotografía por su propio derecho tuvo un impacto decisivo en la historia del retrato..

“La fotografía no relegó el retrato a la obsolescencia, sino que expandió todo su potencial.” Inicialmente la falta de sensibilidad de las placas

provocó que los retratos implicaran largas tomas de hasta quince minutos de exposición.

Sin embargo cuando aparecieron otros procedimientos como el colodión húmedo

los tiempos para obtener la exposición fueron reduciéndose cada vez más,

acelerando el proceso.

En cuanto a lo estético, los primeros fotógrafos echaron mano de los estilos e ingredientes

del retrato utilizados por la pintura. El éxito de la fotografía de retrato fue inmediato.

Su primer impacto fue la democratización del retrato: “…

este nuevo proceso hizo que la creación de este tipo de imágenes

fuera mucho más accesible y abierta al público en general.

En The Photographic News de 1858 se leía “El retrato ya no es el privilegio de los ricos.” Efectivamente, en aquel entonces un daguerrotipo costaba 50 centavos la imagen,

el equivalente a media jornada de trabajo. Aunque no era barato,

resultaba mucho más accesible que una pintura.

Las damas de la alta sociedad eran retratados por los grandes maestros del retrato pictórico

Mientras que las damas Burguesas utilizaban la fotografía

en sus Carté de Visita popularizadas desde 1854

Ingres, a pesar de firmar en 1862 una “Protesta de los grandes artistas

en contra de cualquier asimilación de la fotografía al arte”,

no hace ascos para posar de vez en cuando delante del objetivo.

El auge del retrato fotográfico significó para los pintores un golpe importante,

como lo explica John Berger: “…

los pintores y sus mecenas se inventaron una serie de cualidades misteriosas,

metafísicas, con las que demostrar que lo que ofrecía el retrato pictórico era incomparable.

Sólo un hombre podía interpretar el alma de la persona retratada;

una máquina (la cámara) nunca podría hacerlo […] Todo ello es doblemente falso.

En primer lugar, niega el papel interpretativo del fotógrafo, que es considerable.

En segundo lugar, otorga a los retratos pictóricos una percepción psicológica

que está ausente en el noventa y nueve por ciento de ellos.

El siglo XIX vio florecer a una nueva capa social: la naciente clase media.

A mediados del siglo XIX el retrato no era únicamente de individuos:

se estaba conformando una gran estampa de esta nueva clase media como grupo social.

La rápida evolución de la técnica fotográfica hizo que , a mediados del siglo XIX,

surgieran diferentes tendencias a la hora de interpretar su finalidad.

Podemos distinguir dos corrientes principales: purismo mientras que , para algunos,

la fotografía debía limitarse a registrar, con la mayor objetividad, lo que tenía delante.

Es el origen de la fotografía documental.

Para otros , la fotografía requería de tanta intervención como la pintura pictorialismo :

elección del modelo, composición, acabados , luz.

Además, una vez tomada, el artista personalizaba el revelado , intervenía en él.

De esta forma se creaba una imagen personal y única, que , a pesar de tener un negativo,

nunca daba lugar a dos copias iguales.

 

Es la fotografía como arte.

A los fotógrafos que defendían la individualidad de cada creación fotográfica se los englobó dentro de un movimiento que se llamó pictorialismo. Relacionaba pintura y fotografía ,

de manera que los fotógrafos intentaban imitar a la pintura

copiando composiciones, motivos, efectos y acabados.

Pero como veremos, también la pintura acabó recibiendo influencias de la técnica fotográfica

y valiéndose de sus posibilidades El pictorialismo se desarrolló sobre todo en Francia,

Inglaterra y Austria y desde allí pasó a Estados Unidos.

En cada uno de estos países tomó características propias.

 

43 hermanos Lummier

17.1 Describe el contexto general en el que surge la cinematografía

y a sus pioneros. los hermanos Lummier

La historia del cine como espectáculo comenzó en París, Francia, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos.

Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho,

desde el primitivo cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI.

Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo,

estuvo muy cerca también de inventar el cine,

al patentar el kinetoscopio solo permitía funciones muy limitadas.

Inspirándose en éste e integrándolo a diversos inventos y descubrimientos de la época,

como el rollo de fotos de Eastman, con antiguos conocimientos como la persistencia retiniana (consiste en que una imagen cuando es capturada por la retina, queda fija unos breves instantes,

al ocurrir esto el cerebro se encarga de unir una imagen con la siguiente,

hasta que se logra la sensación del movimiento),

los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo:

este dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección

y hasta el copiado de imágenes en movimiento;

el espectáculo público derivado de la exhibición del funcionamiento del aparato.

La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895, en París,

y consistió en una serie de imágenes documentales,

de las cuales se recuerdan aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica

(propiedad de los mismos Lumière), y la de un tren (en la estación de La Ciotat)

que parecía abalanzarse sobre los espectadores,

ante estas imágenes las personas reaccionaron con un instintivo pavor,

creyendo que el tren los atropellaría.

La función de las primeras “películas” era mayormente documental,

con el agregado del movimiento.

 

44 imagen_cabiria

 

Melíes, Segundo Chomón así como el nacimiento del cine americano.

 

George Méliès,

un ilusionista que en principio, usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, pero luego los desarrollaría en el cine, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales.

Su obra más conocida es El viaje a la luna (1902).

44 Segundo Chomón

 

Segundo de Chomón

(Teruel, 17 de octubre de 1871 – París, 2 de mayo de 1929), fue un cineasta español.

Destacó como director pionero del cine mudo

y técnico de trucajes en películas como Cabiria (1914), de Giovanni Pastrone

—conocido por su seudónimo Piero Fosco—,

o Napoleón (1927), de Abel Gance.

Frecuentemente comparado con Méliès, por su gran calidad técnica y creatividad

fue considerado uno de los grandes hombres del cine de su tiempo,

siendo contratado por las más importantes empresas cinematográficas de la época,

como la Pathé Frères o la Itala Films.

 

44 Melíes

 

El primer gran éxito del cine estadounidense,

así como el logro experimental más largo hasta el momento, fue El gran atraco al tren,

dirigida por Edwin S. Porter. En los albores de la industria cinematográfica estadounidense,

Nueva York fue el epicentro de los cineastas.

mejor clima de Hollywood durante todo el año lo convirtió en una mejor opción para rodar.

Nacimiento del cine americano.

El punto de partida para el cine estadounidense fue Griffith con The Birth of a Nation

que fue pionera en la filmación de vocabulario que todavía domina el celuloide hasta el día de hoy. El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine,

supone su consagración como espectáculo de masas

(triunfó tanto que se construyeron salones de proyección mas grandes)

Ya en 1913 declararon a Griffith como el “padre del cine“.

Estudios recientes y el descubrimiento de varios filmes (Brighton Conference),

demostraron que aunque una amplia variedad de realizadores

trabajaban en explorar nuevas técnicas narrativas y estéticas para el cine

en Francia, Italia, Estados Unidos

ninguno sistematizo los diversos descubrimientos en un lenguaje cinematográfico.

Su imaginación y su gran destreza detrás de las cámaras

lo hacen el director más importante del mundo en esa época.

Durante el periodo en que el cine comenzaba se crearon tres tipos de discurso cinematográfico:

El discurso de los Lumière.

Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza),

al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época.

 

El discurso de Méliès.

Aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares, dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico.

 

El discurso de Griffith.

Combina la imagen cinematográfica con el discurso propio de la novela decimonónica,

dando así nacimiento al relato cinematográfico.

 

18.1. Reconoce la obra musical de los países eslavos:

Alexander Borodín, Modesto Músorgski, Piotr Ilich Tchaikovski, Bedřich Smetana.

El nacionalismo musical El material melódico de la música folklórica europea

está muy relacionado con la música culta,

especialmente con el movimiento conocido como Nacionalismo Musical (NM),

originado en la segunda mitad del siglo XIX,

a través del cual los compositores de varias naciones europeas

intentaron que su música expresara en grado sumo sus peculiares sentimientos,

desafiando así el general predominio de la música germana

(monopolizadora en el campo instrumental) e italiana (dominadora en la ópera);

supuestamente, reaccionando también contra la aculturación francesa

que impuso la huella napoleónica.

 

PAÍSES ESLAVOS

Los compositores rusos del siglo XIX se caracterizan por aprovechar su patrimonio

folklórico y espiritual para rebelarse contra la colonización cultural

de que eran objeto a través de sus clases dirigentes.

La vieja aristocracia rusa y el campesinado constituían elementos muy sugerentes

para aquellos que deseaban hacer una ópera auténticamente nacional que se extendería por la actual Chequia, Bohemia, Finlandia. Entre otros, destacaron los siguientes autores:

Precedente :

Mijail Glinka (1804-1857) Una vida por el Zar. Russlan y Ludmila.

Alexander Borodin (1833-1887) El príncipe Igor.

Nicolai Rimsky-Korsakoff (1844-1908)

Sadko. La doncella de la nieve. El gallo de oro.

Modesto Mussorgsky (1839-1891) Boris Godunov.

Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893) Eugenio Oneguin. La dama de los tres naipes.

Bedrich Smetana (1824-1884) La novia vendida. Dalibor.

 

Danza: Tchaikovsky (El lago de los cisnes).

 

(Ballet de Moscú)

56 El lago de los cisnes de Tchaikovski

 

19.1. Analiza el ballet “El lago de los cisnes” de Tchaikovski

El lago de los cisnes es un cuento de hadas-ballet estructurado en cuatro actos,

que fue encargado por el Teatro Bolshói en 1875 y se estrenó en 1877.

La música fue compuesta por Piotr Ilich Tchaikovski; es el primero de sus ballets.

En la producción original la coreografía fue creada por Julius Reisinger.

Thaikovski (poco familiarizado con la composición de ballets) trabajó de forma rápida,

innovadora y despreocupada en una partitura que terminaría desconcertando a Reisinger.

Todo ello hizo que la obra no fuese bien aceptada ni por el público ni por la crítica

la cual se expresó con palabras como “difícilmente se convertirá en un ballet de repertorio

y nadie lo va a lamentar” Sin embargo, el 15 de enero de 1895

en el Teatro Mariinski de San Petersburgo esta misma obra logra su primer gran éxito

con una nueva coreografía a cargo de Marius Petipa y Lev Ivanov.

Se basa en una leyenda germánica que cuenta cómo unas jóvenes son convertidas en cisnes

por un malvado mago, Von Rothbard. Por las noches recuperan su forma humana.

El príncipe Sigfrido, que en el primer acto ha celebrado su cumpleaños,

sale de caza con sus amigos y se encuentra con Odette,

la reina de las muchachas convertidas en cisnes, quien le cuenta su triste destino

y el de sus compañeras de hechizo. Le confiesa que sólo una promesa de amor

que llegue hasta el matrimonio podría acabar con el encantamiento.

Sigfrido jura hacer esa promesa en la fiesta que se celebrará al día siguiente en el palacio

en la que él tiene que elegir esposa. En el Acto III, que se desarrolla en palacio,

tras la entrada de las princesas aspirantes a ser elegidas como esposas de Sigfrido,

los heraldos anuncian una visita inesperada. Entre los invitados,

Sigfrido cree reconocer a Von Rothbard y a Odette,

pero en realidad el mago ha traído a su hija Odile, disfrazada de Odette, pero vestida de negro

(en este momento se ejecuta el famoso “Paso a dos del Cisne Negro”).

Sigfrido, sin darse cuenta del engaño, jura su amor a la que él cree ser Odette

y traiciona a su verdadera amada, a la que ve llorando a través de una de las ventanas de palacio. Von Rothbard y su hija han triunfado. En el IV y último Acto,

Odette ha decidido morir antes que seguir siendo un cisne para siempre.

En esto llega Sigfrido y le pide perdón, pero ya es demasiado tarde.

Los dos deciden morir ahogados en el lago y con este sacrificio librar a sus compañeras del hechizo. Así lo hacen y en la “Apoteosis” ambos son conducidos en un carro tirado por cisnes a la eternidad.

 

45 Edwin S. Porter El gran atraco al tren

 

20.1. Comenta la música popular española:

la Zarzuela.

La zarzuela es una obra teatral en la que se alternan escenas habladas con otras cantadas.

Origen de la zarzuela.- El término “zarzuela” está relacionado con el nombre de un pabellón real

de caza, cercano a Madrid, denominado “la Zarzuela”, por ser un lugar donde abundaban las zarzas. El rey Felipe IV, en las veladas que tenían lugar en la Zarzuela,

querría que las obras de teatro que se representaban para él tuvieran abundantes partes musicales. Así surgieron las primeras zarzuelas, representaciones teatrales breves

en las que se incluían números musicales cantados.

Las primeras zarzuelas datan del siglo XVII y en ellas se alternaban

los pasajes cantados con otros hablados. los temas eran populares o costumbristas.

Sebastián Durón y José Nebra fueron dos de los principales compositores del género escénico.

A partir del siglo XVIII la zarzuela entra en decadencia

debido a la llegada de compañías de ópera extranjeras.

Aún así, se siguieron componiendo zarzuelas:

“Las segadoras de Vallecas”, “Los jardines de Aranjuez”,…

La segunda mitad del siglo XIX es la época dorada de la zarzuela,

ya que resultaba más atractiva para el público, que la ópera.

Es precisamente a lo largo de ese siglo cuando se asentaron las características de la zarzuela

tal como la conocemos hoy Alternancia de pasajes hablados con otros cantados. .

Tratamiento de las voces similar al de la ópera,

pero con menos exigencias técnicas para poder centrarse en los aspectos expresivos.

El personaje principal masculino suele ser un barítono.

Existe también la figura del tenor cómico, con un timbre característico y propio del género.

Temas populares, con abundantes pasajes humorísticos,

generalmente relacionados con el ambiente rural o con ambientes “castizos” urbanos,

que hacen que el público se sienta identíficado con el argumento.

Números coreográficos. corta duración.

La música, en ciertas ocasiones, se inspira en el folklore español.

La zarzuela, al contrario que la ópera, no tiene “recitativos”.

A las “arias” en la zarzuela se les denomina romanzas.

Se suele considerar el estreno de “Colegiatas y soldados”, de Cristóbal Oudrid y Rafael Hernando (1849) como el punto de arranque de la zarzuela moderna.

 

  • 21.1. Identifica los fragmentos más populares de la Zarzuela española.

La zarzuela moderna se suele clasificar en dos subgéneros:

La zarzuela , nacida en torno a 1850, tiene como principal representante a BARBIERI, con obras tan famosas como: “El barberillo de Lavapiés“, “Jugar con fuego“,…

La zarzuela grande se caracteriza por: . Además de los temas populares,

incorpora los de carácter histórico. El coro adquiere gran importancia.

Al igual que la ópera, está dividida en varios actos, con intermedios orquestales,

movimiento de coros y un amplio despliegue orquestal.

El género chico surge a finales del siglo XIX, cuando la zarzuela vuelve a entrar en crisis.

Ruperto Chapí (“La Revoltosa“), Federico Chueca (“La gran Vía”), Tomás Bretón (“La verbena de La Paloma”) y Manuel Fdez. Caballero (“Gigantes y cabezudos”) son algunos de sus compositores más conocidos. Sus principales características son :

. Cuenta con un solo acto.

. El coro tiene menos importancia que en la zarzuela grande.

. Incorpora ritmos, armonías y danzas propias de la música folklórica española.

. Tiene preludio u obertura orquestal, como en la ópera.

El preludio es la pieza instrumental con la que comienza un acto en una zarzuela.

Es común que el preludio recoja algunos de los temas

que van a aparecer a lo largo de la acción musical

.Temas populares