fundamentos del arte II



ejercicio visual en relacion a la espiral

Recordando al escultor Chirino, que pertenece al tema de los 60-70

hacemos un experimento, partiendo del dibujo de una espiral en una hoja, a recortamos y vemos posibles formas pláticas

hacemos una fotografía de la que más nos inspire. también esa forma recortada si la agitamos podemos obtener efectos de movimiento que puedenser grabados en vídeo como el de vuestra compañera Uxía Armada



Bloque 1. El Romanticismo

índice, Bloque 1. El Romanticismo

Expresión desaforada del sentimiento.

Oposición al intelectualismo racionalista del siglo XVIII.

Nacionalismo italiano y germánico.

Arquitectura. Continuación y evolución del neoclasicismo.

Arquitectura española. Edificios notables.

Pintura. El romanticismo en Francia. Pintura en España:

Goya. Costumbrismo rococó. Expresionismo. Caprichos.

Inicio de la fotografía.

Los temas fotográficos: retrato, paisaje, historia.

El pictorialismo.

Música: Ludwig Van Beethoven y la superación del clasicismo musical.

 Obras principales. Obra sinfónica, conciertos y sonatas.

Óperas. Verdi. Wagner y la mitología germánica.

Indumentaria, mobiliario y decoración de interiores:

Los estilos Regency y Napoleón III

Nacimiento de la danza clásica.

 

Bloque 1. El Romanticismo

 

Teoría del conocimiento. Las ideas, la razón y la experiencia.

 (Idealismo –las ideas-   Racionalismo – la razón-  y Empirismo -experiencia)

 

 

Origen del término Romanticismo

Para algunos autores, Romanticismo proviene del francés roman (‘novela’).

De este modo, el término aludiría a la ficción, a lo novelesco,

frente al predominio de la razón de la Ilustración

El Romanticismo es un movimiento cultural originado en Alemania

y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria

contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo,

confiriendo prioridad a los sentimientos.

Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista

basada en un conjunto de reglas estereotipadas.

La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso su rasgo revolucionario es incuestionable.

Se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX,

extendiéndose desde Inglaterra y Alemania hasta llegar a otros países.

Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, la pintura y la música.

 

1.1. Analiza el sentimiento romántico y su relación con el arte

El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración

y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:

La conciencia del Yo como entidad autónoma,

frente a la universalidad de la razón dieciochesca,

dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento.

La primacía del Genio creador de un Universo propio,

el poeta como demiurgo.

Valoración de lo diferente frente a lo común,

lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista.

El liberalismo frente al despotismo ilustrado.

La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones.

Cada hombre debe mostrar lo que le hace único.

La creatividad frente a la imitación

de lo antiguo hacia los dioses de Atenas.

La nostalgia de paraísos perdidos

(de la infancia o de una nación).

La obra imperfecta, inacabada y abierta frente

a la obra perfecta, concluida y cerrada.

La edad media como inspiración

Un aspecto del influjo del nuevo espíritu romántico y su cultivo de lo diferencial

es el auge que tomaron el estudio de la literatura popular

y de las literaturas en lenguas regionales durante este periodo.

 

Oposición al intelectualismo racionalista del siglo XVIII.

Nacionalismo italiano y germánico. (Liberalismo y Nacionalismo)

 

 

Auge del nacionalismo

fue una reacción a la cultura francesa del siglo XVIII, de espíritu clásico y universalista,

difundida por toda Europa mediante Napoleón.

Frente a la imitación de modelos de la Antigüedad que se hacía en el Neoclasicismo,

los románticos valoraban lo novedoso, lo diferente.

Fueron los primeros en defender la originalidad en el Arte.

 

Rebeldía:

El romántico lucha contra lo establecido.

Sus modelos son los personajes marginales, como los mendigos, los piratas, los reos…

En España se utilizará también la figura del bandolero

 

Evasión en el tiempo:

Al rechazar la sociedad de su época, los románticos ponían sus ojos en épocas pasadas.

Admiraban especialmente la Edad Media e idealizaban a personajes como los caballeros,

las damas, reyes, nobles.

 

Evasión a otros lugares:

Los románticos sentían fascinación por lugares exóticos, en especial el mundo árabe.

Para los viajeros románticos, Andalucía era una tierra de enorme atractivo por su pasado musulmán.

 

Expresan sus emociones exaltadas a través de una naturaleza salvaje

Importancia de lo misterio y lo sobrenatural:

Se rompe con el racionalismo ilustrado.

Aparecen con frecuencia imágenes de cementerios, ruinas, fantasmas…

 

Nacionalismo:

El Romanticismo se interesa por lo que considera manifestaciones genuinas

del alma de los pueblos.

Por ello, recoge formas populares de la literatura

y recopila leyendas y tradiciones de cada región.

También se toman usos y costumbres sociales (el folklore) como tema artístico

 

Orientalismo idílico. La actitud vital de Lord Byron

Fue a luchar contra los Otomanos y se alisto en el ejército griego.

Gran idealista. Allí perdió una mano y murió poco después.

(Frases célebres de Lord Byron)

 

 

2.1. Diferencia el término romántico aplicado

al movimiento artístico del siglo XIX y el uso actual.

El romanticismo es una corriente artística surgida a finales del S XVIII

que cobra especial fuerza durante la tercera década del siglo XIX.

Se nutre de los ideales nacionalistas e independentistas que influyeron en artistas,

escritores y músicos exaltación del orgullo del pueblo,

lucha por la libertad, escenas de misterio, paisajes.

En pintura y escultura se recupera la técnica del barroco,

gusto por el color, grandes composiciones, dinamismo.

USO ACTUAL según el diccionario de la RAE

En su tercera acepción. Cualidad de romántico, sentimental.“

Algo romántico hoy en día es algo amoroso y tierno, con matices de calidez;

o algo negativo y despectivo, demasiado sentimental.

Se suele aludir al género romántico en literatura y cine

para hablar de argumentos en torno a las relaciones amorosas

 

3.1. Relaciona el romanticismo y el auge del nacionalismo.

El nacionalismo romántico es una forma de nacionalismo

en la cual el estado deriva su legitimidad política

como consecuencia orgánica de la unidad de los individuos que éste gobierna.

Esto incluye, dependiendo de la manera particular de la práctica,

la lengua, la raza, la cultura, la religión

y las costumbres de la «nación» en su sentido primario

de conjunto de personas «nacidas» dentro de la cultura.

Esta forma de nacionalismo nació como reacción a la hegemonía dinástica o imperial,

que proclamaba la legitimidad del estado «de arriba hacia abajo» que el monarca recibía de Dios.

Desde sus inicios, con la concentración en el desarrollo de las lenguas y el folklore nacionales,

y el valor espiritual de la costumbres y tradiciones locales,

hasta los movimientos que habrán de reorganizar el mapa de Europa,

con las llamadas a la «autodeterminación» de las naciones,

el nacionalismo fue una cuestión clave del romanticismo,

determinando su papel, sus formas de expresión y sus significados.

 

Arquitectura. Continuación del neoclasicismo.

Arquitectura española. Edificios notables:

Murcia: Teatro Romea

 

 

 

ARQUITECTURA DEL XIX EN ESPAÑA

El siglo XIX es época de profundos cambios en la sociedad,

lo que origina grandes cambios en la arquitectura.

Aparece el ferrocarril como revolucionario medio de transporte

y el acero como material inédito en la construcción.

El país cambia con la novedosa Constitución de 1812 y las nuevas teorías económicas y filosóficas.

Aparece una nueva ciencia: el Urbanismo, que entiende la ciudad como un todo unificado.

Surgen los ensanches en las grandes ciudades

y la creación de las Escuelas de Arquitectura de Madrid y Barcelona,

donde quedan superados los viejos conceptos de academicismo y estilo,

apareciendo una nueva tendencia: el eclecticismo,

que toma su inspiración de cualquier momento de la historia del arte,

sin condicionarse a ninguno de ellos.

Se crean edificios nuevos, como las grandes estaciones de trenes o los palacios de Exposiciones. Y en otros como los teatros las condiciones las acústicas y de confort

son completamente renovadas.

Algunos autores estudiosos de este siglo tienden a considerar cuatro fases en su arquitectura,

que a veces se superponen entre sí en el tiempo:

El Academicismo neoclásico,

heredero de la Ilustración, donde la Norma condiciona toda la obra.

Como ejemplo, la Puerta de Toledo de Madrid, obra de Antonio López Aguado,

verdadero Arco de triunfo creado para el recibimiento triunfal

de los parlamentarios de las Cortes de Cádiz.

01 puerta-toledo

 

El Romanticismo,

donde los órdenes se tratan con cierta libertad, implantándose en especial en las fachadas,

como en el Palacio del marqués de Salamanca, de Madrid,

obra de Narciso Pascual y Colomer.

02 Palacio-del-Marques-de-Salamanca-España

 

El Eclecticismo, que utiliza cualquier elemento compositivo conocido para su composición.

Una obra clave es la Catedral de la Almudena de Madrid,

proyectada por el madrileño Francisco de Cubas en 1881,

que introduce en su composición elementos de distintas tendencias históricas y artísticas.

03 Catedral-de-la-Almudena-20

 

El Personalismo,

donde el espíritu individual crea elementos nuevos y formas sorprendentes,

en una corriente cortada por la Gran Guerra de 1914.

Ejemplo de esta tendencia es el actual Museo de Zoología del Parque de la Ciudadela de Barcelona, obra de 1888 de Luis Doménech y Montaner.

 

4.1. Identifica los principales edificios españoles de la época:

Murcia: Teatro Romea.

Cádiz: teatro Falla.

Oviedo: teatro Campoamor,

Barcelona: Arco del triunfo,

Palacio de justicia entre otros.

Es el momento de grandes e importantes teatros en toda España:

Murcia, Teatro Romea, obra de José Millán, 1880;

Cádiz, Teatro Falla, obra de Adolfo Morales de los Ríos y Juan Cabrera Latorre;

Santa Cruz de Tenerife, Teatro Guimerá, obra de 1848 de Manuel Oraa;

Las Palmas de Gran Canarias, Teatro Pérez Galdós, obra de Francisco Jareño de 1867; Bilbao, Teatro Arriaga, obra de Joaquín Rucoba;

Oviedo, Teatro Campoamor (1882), obra de Borrajo Montenegro y López Sallaberry,

o Madrid, Teatro de la Zarzuela, obra de Jerónimo de la Gándara,

como algunos de los más representativos.

Después del absolutismo de Fernando VII, la burguesía busca espacios de libertad cultural ,

no se edifican en lugares preeminentes de la ciudad

sino sobre terrenos de antiguos conventos expropiados en la desamortización de Mendizábal.

Siguen un modelo decorativo italiano,

y conceden un amplio espacio a la sala en comparación con la escena o el vestíbulo

04 Murcia Teatro Romea. .

Murcia: Teatro Romea.

fue obra de Diego Manuel Molina. Fue inaugurado por la Reina Isabel II el 25 de octubre de 1862, con la representación de la obra de Ventura de la Vega El hombre del mundo,

interpretada por Julián Romea, cuyo apellido posteriormente denominaría al coliseo.

La fachada pertenece al más puro eclecticismo.

Cuenta con rasgos de clara inspiración neoclásica,

con detalles modernistas como la marquesina y las verjas de forja de la entrada.

En la parte superior central hay tres bustos de Beethoven, Mozart y Listz.

Sobre los ventanales de la planta principal hay cuatro medallones con relieves de otros tantos dramaturgos murcianos Ya en el interior, en el techo del patio de butacas

se han sucedido las obras de dos pintores murcianos,

que representa a Julián Romea y una serie de figuras femeninas alegóricas de las Artes.

El telón representa una alegoría del teatro. El salón de actos tiene forma de herradura,

con patio de butacas rodeado de plateas,

tres niveles de palcos y otros tantos de gradas superiores.

 

 

 

Cádiz, teatro Falla.

 

05 Cádiz teatro Falla

Cádiz: teatro Falla.

Comenzó a construirse en 1884, siguiendo el proyecto de Adolfo Morales de los Ríos

y Adolfo del Castillo Escribano, finalizado por el arquitecto Juan Cabrera de la Torre

en 1905, quien modificó en gran parte el primitivo proyecto.

De estilo neomudéjar, está construido en ladrillo rojo, y presenta tres grandes puertas

de arco de herradura en su fachada principal, con dovelas alternas en rojo y blanco.

En planta tiene forma de herradura, a la que se van adaptando los pisos,

cada uno de ellos rodeado por una galería que enlaza con las escaleras de acceso,

que arrancan desde un gran vestíbulo reformado en los años 20.

Tiene una capacidad para 1.214 espectadores repartidos

en butacas, palcos, anfiteatro y paraíso.

El escenario mide 18 metros de largo por 25,5 m de fondo,

y el techo muestra una alegoría del Paraíso, obra de Felipe Abarzuza y Rodríguez de Arias.

06 oviedo-teatro-campoamor

 

Oviedo: teatro Campoamor.

 

Oviedo: teatro Campoamor

En el año 1876, con José Longoria Carbajal en la alcaldía,

se presentó el proyecto de construcción del teatro, que se finalizó en 1883.

A propuesta del escritor y entonces concejal Leopoldo Alas «Clarín»,

fue bautizado con el apellido del insigne asturiano Ramón de Campoamor.

Siro Borrajo Montenegro y José López Salaberry proyectan en 1882 un teatro moderno, bello, y seguro. Moderno, con planta de herradura alabada por su buena acústica,

se inspira en el Teatro de la Comedia de Madrid, incorporando columnas

y antepechos de hierro colado en los palcos y amplios salones

que sustituyen a los estrechos pasillos en curva de los viejos teatros.

Como gran novedad, introduce la iluminación eléctrica.

Seguro, con amplias y numerosas escaleras para facilitar la evacuación del público

y con escenario aislado de la sala para evitar la propagación de los posibles incendios

tan frecuentes en la época. Bello, con una fachada tratada como la de un palacio

del renacimiento italiano en la que destacaban las esculturas

de La Comedia y La Tragedia de Cipriano Folgueras.

 

07 arco-de-triunfo-barcelona

 

Barcelona, Arco del triunfo, Palacio de justicia.

 

 

Arco de Triunfo de Barcelona

La Exposición Universal de Barcelona tuvo lugar entre el 8 de abril

y el 9 de diciembre de 1888, y se llevó a cabo en el parque de la Ciudadela,

anteriormente perteneciente al ejército y ganado para la ciudad en 1851.

El incentivo de los actos feriales conllevó la mejora de las infraestructuras

de toda la ciudad, que dio un enorme salto hacia la modernización y el desarrollo.

La entrada a la Exposición se efectuaba a través del Arco de Triunfo,

un monumento creado para la ocasión que aún permanece en su lugar original,

diseñado por Josep Vilaseca. De inspiración neomudéjar,

el Arco tiene una altura de 30 metros, y está decorado

con una rica ornamentación escultórica, obra de diversos autores:

Josep Reynés esculpió en el friso superior la Adhesión de las Naciones

al Concurso Universal; Josep Llimona realizó en el reverso de la parte superior

La Recompensa; en el lado derecho Antoni Vilanova confeccionó

las alegorías de la Industria, la Agricultura y el Comercio; en el izquierdo,

Torquat Tasso elaboró las alegorías a las Ciencias y las Artes;

por último, Manuel Fuxà y Pere Carbonell crearon doce esculturas femeninas,

las Famas, y Magí Fita se encargó de las mayólicas que decoran el Arco.

 

08 palau-justicia

 

Palacio de justicia de Barcelona

El palacio se construyó en un solar que formaba parte de los terrenos

destinados a la Exposición Universal de 1888.

Sin duda es la obra más importante de la primera época de Sagnier,

en que desarrolló un estilo ecléctico, monumental y grandilocuente,

con cierta tendencia clasicista.

El edificio se compone de dos cuerpos cuadrangulares

con un conjunto de ocho torres en sus esquinas, coronadas porunas cúpulas peraltadas,

a ambos lados de un cuerpo central.

Los cuerpos laterales acogieron las dependencias de los juzgados,

mientras que el central contiene el acceso principal,

la escalera de honor y las grandes dependencias públicas,

donde destaca la Sala de los Pasos Perdidos, de 20 metros de altura,

cubierta con un sistema de arcos de hierro, y decorada con pinturas murales

de Josep Maria Sert y Joan Llimona. Las torres dan al conjunto un cierto aire de fortaleza,

y están decoradas con los escudos de las cuatro provincias catalanas.

Fue importante en el diseño del edificio la utilización del hierro,

presente tanto en obras de forjado como en los espacios del cuerpo central,

especialmente en la sala axial que divide el edificio en dos zonas.

El palacio destaca por la gran cantidad de obra escultórica

 

  1. Identificar los pintores románticos europeos:

Alemania y Reino Unido

 

5.1. Sopesa la importancia de la obra pictórica de Karl Friedrich Schinkel,

Caspar David Friedrich, Thomas Cole, John Constable, William Turner

y otros posibles.

 

Alemania

Alemania sufre la influencia del movimiento literario «Sturm und Drang»

(Tormenta e ímpetu), que defiende la sensibilidad individual

sobre las ideas del Siglo de las luces. Los pintores alemanes importantes de esta época

son Caspar David Friedrich y Karl Friedrich Schinkel.

Un grupo de artistas va igualmente a desarrollarse, con el nombre de los nazarenos.

Los nazarenos rechazaban el neoclasicismo, el esteticismo y el realismo pictórico,

el virtuosismo superficial del arte contemporáneo. Esta era su principal motivación. Confiaban en recuperar un arte que encarnara valores espirituales.

Buscaron la inspiración en artistas de la Baja Edad Media y principios del Renacimiento: ante todo, Durero, pero también Fra Angélico, El Perugino y Rafael.

También se aprecia en ellos cierta influencia del barroco clasicista.

El estilo resultante es un frío eclecticismo. Este “eclecticismo pictórico”

viene a ser semejante al “historicismo” de la arquitectura de la época.

 

Caspar David Friedrich (1774-1840)

fue un pintor de carácter atormentado, y es considerado el representante más genuino y singular del romanticismo alemán. Cultiva principalmente el paisaje, con ruinas góticas, noches, cementerios, árboles nudosos y espacios helados

que transmiten una sensación de melancolía y angustia. Obras :

Caminante sobre el mar de nubes, El mar de hielo (El naufragio del Esperanza),

La Luna saliendo a la orilla del mar, Monje a la orilla del mar,Abadía en el robledal.

 

09 El mar de hielo

 

Karl Friedrich Schinkel,

(13 de marzo de 1781 en Neuruppin – † 9 de octubre de 1841 en Berlín) fue un arquitecto y pintor alemán. Fue el más destacado arquitecto del neoclasicismo en Alemania ,

siendo uno de los artífices de la ciudad de Berlín en su periodo prusiano.

Expresa su romanticismo en la pintura. Sus temas son la Edad Media y

el sentimiento religioso exaltado dentro de la naturaleza. Obras:

Catedral, decorados para la “Flauta Mágica” de Mozart, Palacio de la reina de la noche

 

10 Karl Friedrich Schinkel

 

Inglaterra Prerromanticismo: 1770-1820

 En su origen, el romanticismo es una corriente literaria cuyas obras influyeron

en los pintores, que contribuyeron a extender esta corriente a otras artes.

En Inglaterra, esta influencia procede sobre todo de una obra de James Macpherson, Poemas de Ossian (1760). Esta obra entusiasmó a toda Europa y, en particular,

a Goethe, Napoleón, e Ingres. El ossianismo inspiró composiciones irracionales

e imaginarias, bañadas por una luz difusa, con contornos desdibujados

y figuras en forma de racimo. Los pintores y dibujantes ingleses de la primera época

se caracterizaron por una búsqueda en lo inconsciente y lo irracional

  1. H. Füssli (1741-1825) abandonó sus estudios religiosos para dedicarse a la pintura.

Le interesa el neoclasicismo, pero le influye el romanticismo.

Pinta visiones híbridas y lascivas, producto de su imaginación delirante,

en las que predominan los gestos arrebatados y las distorsiones ópticas.

Una de sus obras más representativas es La pesadilla.

 

11 estilo de Füssli

 

Al estilo de Füssli recuerda la obra de William Blake (1757-1827), poeta y grabador.

Es una pintura de gran aliento que está influida por el manierismo, Miguel Ángel y el arte gótico. Sus temas son literarios: la Biblia, las obras de Shakespeare, la Divina comedia

y sus propios poemas. Se le considera predecesor del surrealismo.

 

Inglaterra apogeo romántico 1820-50

La pintura romántica de este período en Inglaterra se caracteriza

por su descubrimiento de la naturaleza, con sus paisajes, la luz y los colores.

Se refleja un paisaje que progresivamente está viéndose afectado por la Revolución industrial.

Los pintores ingleses más representativos del romanticismo son

John Constable, William Turner ,John Martin

 

John Constable (1776-1837)

Se preocupó por el estudio de la luz, captada en sus paisajes pintados al natural,

principalmente vistas de Suffolk y estudios de nubes.

Tiene un estilo muy libre que influyó en los pintores románticos franceses.

Obras:

La esclusa, 1824, La catedral de Salisbury, vista desde el jardín del palacio arzobispal,

El molino de Dedham,

12 William Turner El barco de esclavos

 

William Turner (1775-1851).

dotó a sus obras de una dimensión onírica, recurriendo a composiciones en espiral

y elaborados empastes, prevaleciendo de manera absoluta el color sobre el dibujo.

Obra característica es El barco de esclavos

(Traficantes de esclavos arrojan a los muertos y a los agonizantes por la borda

– el tifón se aproxima), 1840, Museo de Bellas Artes de Boston,

así como su obra más conocida, Lluvia, vapor y velocidad, 1844, National Gallery de Londres.

 

14 Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa

 

John Martin (1789-1854)

cultivó un estilo parecido al de William Blake,

tratando situaciones cotidianas con un tono apocalíptico y fantástico.

Consiguió un éxito considerable en vida.

 

6.1. Analiza la pintura romántica francesa:

Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Antoine-Jean Gros

 

Francia

Alemania e Inglaterra ocuparon el primer plano de la escena internacional de la época

en materia de romanticismo. Pero no fueron los únicos que desarrollaron este arte

de sentimientos turbulentos. Francia no quedó quieta,

y se inspiró en la obra de autores como Rousseau.

14 Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa

A Antoine-Jean Gros (1771-1835),

a caballo entre el neoclasicismo y el romanticismo,

se le considera el padre del romanticismo francés.

Fue protegido de la emperatriz Josefina y acompañó a Napoleón en su campaña italiana.

Canta la epopeya napoleónica, pero de una manera diferente a la de su maestro,

confiriendo una dimensión dramática a sus lienzos de gran tamaño.

Sin duda, su cuadro más famoso es Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa (1804,

Museo del Louvre), obra clave del romanticismo al transmitir un clima de emoción heroica

y una técnica más libre.

En Francia los románticos más representativos son Delacroix y Géricault.

Antoine-Jean Gros.

Théodore Géricault,

Eugène Delacroix (1798-1863)

fue un pintor apasionado que adoptó un estilo resuelto y vigoroso. Trató con libertad el color,

la pasta y la textura superficial del lienzo. Son obras típicamente románticas

La muerte de Sardanápalo (1827) y La Libertad guiando al pueblo (1831),

ambas en el Museo del Louvre.

Eugène Delacroix,

15 delacroix-La muerte de Sardanápalo

 

 

 

9.2. Analiza la pintura “La muerte de Sardanápalo”.

La muerte de Sardanápalo pintado en 1827 y expuesto en el Salón de París.

Es un cuadro en el que hace gala de una de sus más espléndidas combinaciones del color.

Con un trazado lleno de vigor, tras un esbozo al temple

hizo una serie de estudios parciales al pastel y, después, al natural.

La pintura es un buen ejemplo de lo que era importante para los románticos franceses:

el superhombre desbocado en calidad de héroe, la combinación de erotismo y muerte,

el decorado oriental, los grandes movimientos en lugar de una composición equilibrada y apacible, y el predominio del color sobre la línea. Delacroix la llamaría, “la Proeza asiática”.

 

16 libertad-guiando-al-pueblo-delacroix

 

La Libertad Guiando Al Pueblo

El tema de la obra es la insurrección burguesa 1830,

Delacroix estuvo del lado de los revolucionarios, es más, él mismo se ha representado en el cuadro como el hombre que lleva el sombrero de copa negro y que se encuentra entre los combatientes

y en primera fila.

Se ve una estructura en posición de pirámide con los muertos por la Libertad en la base

y ésta en la cima sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor

y en la extremidad opuesta un fusil. El ligero pincel de Delacroix

y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros.

Para aumentar la tensión y el movimiento añadió contrastes complementarios

junto a la oposición de los claroscuros. El color para Delacroix

no solo tenía un valor de representación, sino sobre todo un significado emocional propio,

con el que intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la disposición

de ánimo de las personas. De fondo se ve el cielo de París tormentoso

(otra característica romántica).

Se utilizan colores pálidos con pinceladas sueltas destacando

el azul, el rojo y el blanco de la bandera.

17 Eugène_Delacroix_-_Le_Massacre_de_Scio

 

 

La matanza de Quíos,

un episodio de la guerra de independencia de los griegos contra los otomanos

ocurrido ese mismo año: la matanza de 20.000 habitantes de las islas griegas,

y el sometimiento a la esclavitud de las mujeres y los niños supervivientes.

Cuando Delacroix expuso el cuadro en el Salón de París,

vio la obra de John Constable destinada al mismo (La carreta de heno),

y su propio cuadro le pareció «triste y sin luz», por lo que decidió modificarlo,

pinceladas borrosas fortalecen la impresión de desolación que el cuadro transmite.

El resultado es este cuadro prácticamente monocromo,

con unas tonalidades cobrizas que unifican el espacio y proporcionan al cuadro una luz infernal.

El cuadro se compone de tres pirámides humanas.

De izquierda a derecha, se ven expresiones de miedo y desesperación.

Los cuerpos, semidesnudos y tirados, reflejan la derrota de los griegos. “

 

18 Delacroix La balsa de la Medusa

 

9.1. Comenta el cuadro “La balsa de la Medusa” de Géricault.

Valorando la base histórica y el resultado plástico.

Es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)1 que representa una escena del naufragio

de la fragata de la marina francesa Méduse, encallada frente a la costa de Mauritania

el 2 de julio de 1816. Al menos 147 personas quedaron a la deriva

en una balsa construida apresuradamente, y todas ellas, salvo 15,

murieron durante los 13 días que se tardó en rescatarlos.

Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura.

El sentido ascendente de la línea marca la sucesión de sentimientos experimentados

por los náufragos, desde la desesperación a la esperanza.

También la luz refuerza esta idea de final de la odisea con las nubes más negras a la izquierda,

y el cielo más luminoso en la lejanía y recortándose entre las cabezas

de los marinos más destacados. Finalmente, se corresponde con la mirada clásica

del espectador occidental, que “lee” la pintura de izquierda a derecha.

Tipo de espacio: espacio “teatral :

La paleta es muy reducida, va del ocre al negro pasando por los tonos pardos claros y oscuros. Consigue, de este modo, una atmósfera de tonos cálidos con colores armonizados

que produce una impresión dramática de angustia y desamparo.

Sin embargo, existe un elemento que se destaca del resto por su color:

se trata de la estola rojiza que lleva el anciano que sujeta un cadáver con la mano,

en la parte izquierda inferior del cuadro.

Pincelada: El romanticismo se caracteriza por una pincelada suelta

y unos contornos imprecisos, como es el caso de este lienzo.

 

Pintura en España: Goya.

 

Costumbrismo rococó.

 

Expresionismo.

 

Caprichos.

 

 

  1. 2 Comparar la pintura romántica francesa

y la obra de Goya, semejanzas y posibles influencias

 

Similitudes:

composiciones monocromas en que destacan zonas de mas intensidad blancos, rojos, cielos negros, cuerpos desnudos amputados por el encuadre y la batallas, acumulación de figuras,

pincelada suelta, escenas con movimiento de figuras y de composición,

grandes tamaños importancia de las diagonales, rostros deformados por la expresión de horrror

Antecedentes:

Los horrores de la guerra de Rubens

 

7.1. Reconoce la obra pictórica de Goya.

10.1. Identifica los principales cuadros del pintor aragonés.

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza,

30 de marzo de 1746-Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828)1

fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural,

el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo.

El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea

y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío

y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década,

junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo

como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara.

El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, mientras que el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa

y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado

para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata,

a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista

y la transición hacia la estética romántica. Además, su obra refleja el convulso periodo histórico

en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas

de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades

cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas

 

19 de Los desastres de la guerra, goya

son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

La Ermita de San Antonio de la Florida

Uno de los secretos ocultos de Madrid, que alberga los magníficos frescos pintados por Goya

en 1798. Los desastres de la guerra es una serie de 82 grabados del pintor,

realizada entre los años 1810 y 1815. El horror de la guerra …

Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada

 

20 Maja desnuda goya

en torno a la identidad de la bella retratada.

De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros

a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808,

que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia,

que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista,

sino que alcanza un mensaje universal. Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo

sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras.

En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia

que marcarían el siglo XX El dos de mayo de 1808 en Madrid, pareja de Los fusilamientos.

En ambos se representa la pelea de los españoles contra las tropas de Francia,

así como la represión que los invasores usarán a modo de escarmiento.

 

21 dos de mayo goya

 

8.1. Comenta las pinturas negras de Goya

  1. Comparar las pinturas negras con expresiones artísticas parecidas

de artistas de otras épocas.

Especialmente con la pintura expresionista del siglo XX.

Pinturas negras (1819-1823) es el nombre que recibe una serie de catorce obras murales

de Francisco de Goya, pintadas con la técnica de óleo al secco (sobre paredes recubiertas de yeso). Las creó como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo,

que había adquirido en febrero de 1819. Estos murales fueron trasladados a lienzo a partir de 1874, y actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid.

La serie, a cuyos óleos Goya no puso título, fue catalogada en 1828

por el amigo de Goya Antonio de Brugada y se compone de los siguientes lienzos:

Átropos o Las Parcas, Dos viejos o Un viejo y un fraile, Dos viejos comiendo sopa,

Duelo a garrotazos o La riña, El aquelarre, Hombres leyendo, Judith y Holofernes,

La romería de San Isidro, Dos mujeres y un hombre,

Peregrinación a la fuente de San Isidro o Procesión del Santo Oficio,

Perro semihundido o más simplemente El perro, Saturno devorando a un hijo, Una manola: doña Leocadia Zorrilla y Visión fantástica o Asmodea.

La casa de Goya, junto con las pinturas murales, pasaron a ser propiedad de su nieto Mariano Goya en 1823, año en que Goya se la cede, al parecer para preservar la propiedad de posibles represalias tras la restauración de la monarquía absoluta y la represión de liberales fernandina.

Durante 50 años la existencia de las Pinturas negras fue escasamente conocida .

A partir de 1874, y en un lento proceso que duró varios años,

fueron trasladadas de revoco a lienzo por un banquero francés, de origen alemán,

que tenía intención de presentarlas en la Exposición Universal de París de 1878.

Después, él mismo las donó, en 1881, al Museo del Prado, donde actualmente se exponen.

En todo caso la única unidad constatable entre estos óleos son las constantes de estilo.

 

22 Francisco_de_Goya,_Saturno_devorando_a_su_hijo_(1819-1823)

La composición de estos cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas, siendo un caso extremo Cabezas en un paisaje, donde cinco cabezas

se arraciman en la esquina inferior derecha del cuadro,

apareciendo como cortadas o a punto de salirse del encuadre.

Tal desequilibrio es una muestra de la mayor modernidad compositiva.

.

Muchas de las escenas de las Pinturas negras son nocturnas,

muestran la ausencia de la luz, el día que muere. Se aprecia en La romería de San Isidro,

en el Aquelarre, en la Peregrinación del Santo Oficio (una tarde ya vencida hacia el ocaso),

y se destaca el negro como fondo en relación con esta muerte de la luz.

Todo ello genera una sensación de pesimismo, de visión tremenda, de enigma y espacio irreal.

Las facciones de los personajes presentan actitudes reflexivas o extáticas.

A este segundo estado responden las figuras con los ojos muy abiertos,

con la pupila rodeada de blanco, y las fauces abiertas en rostros caricaturizados,

animales, grotescos.

Contemplamos el tracto digestivo, algo repudiado por las normas académicas.

Se muestra lo feo, lo terrible; ya no es la belleza el objeto del arte,

sino el pathos y una cierta consciencia de mostrar todos los aspectos de la vida humana sin descartar los más desagradables. No en vano Bozal habla de una capilla sixtina laica donde la salvación

y la belleza han sido sustituidas por la lucidez y la conciencia de la soledad, la vejez y la muerte.

Como en todas las Pinturas negras, la gama cromática se reduce a ocres, dorados, tierras,

grises y negros; con solo algún blanco restallante en ropas para dar contraste y azul en los cielos

y en algunas pinceladas sueltas de paisaje, donde concurre también algún verde,

siempre con escasa presencia.

Todos estos rasgos son un exponente de las características que el siglo XX

ha considerado como precursoras del expresionismo pictórico.

 

8.2. Compara la obra de Goya de características expresionistas

con obras de contenido formal similar en otras épocas y culturas

Comparación con Emil Nolde Pentecostes. Y con Edvard Munch – Evening on Karl Johan Street.

Expresionismo alemán y danés:

Similitudes:

Esquematismo en las figuras, empastes, exageración de las emociones,

pérdida de la belleza, proporción

Diferencias: el empleo del color

Goya y sus imágenes se convierten en referentes de la pintura moderna

Los desastres de la guerra l Francisco de Goya, realizada entre los años 1810 y 1815.

Es interpretado en varias obras de los hermanos Chapman en los años 90

 

23 Emil Nolde Pentecostes

 

11.1. Relaciona el cuadro “La familia de Carlos IV” con “Las Meninas”

La familia de Carlos IV es un retrato colectivo pintado en 1800 por Francisco de Goya.

Se conserva en el Museo del Prado de Madrid.

Goya comenzó a trabajar en los bocetos —de los que el Prado conserva cinco—

en la primavera de 1800. La versión definitiva la pintó entre julio de 1800 y junio de 1801, enviando la cuenta en diciembre de 1801. Perteneció a las colecciones privadas del Palacio Real

de Madrid, donde aparece en el inventario de 1814.

Pasó a formar parte del recién fundado Museo del Prado en 1824,

por orden del rey Fernando VII, quien aparece retratado en el cuadro.

 

Goya se retrata como Velázquez en las Meninas, coloca a los personajes de manera parecida

pero elimina la puesrta del fondo y el espejo donde se miran los reyes opta por cambiarlo de sitio, trasladándolo de la pared del fondo al lado donde esta el espectador.

Poner un espejo frente al modelo para que éste pudiera juzgar la postura y la composición

antes de iniciada la obra era costumbre bastante extendida en los estudios, y el propio Goya,

en su retrato del conde de Floridablanca, lo muestra comparando el boceto previo

que él mismo le presenta, con su imagen en el espejo que tiene delante.

Si aquí el espejo hubiera sido cambiado de sitio,

comprenderíamos por fin cómo pudo Goya pintar a sus modelos a pesar de estar detrás de ellos. Comprenderíamos también su imperiosa referencia a Velázquez

y tendríamos una interpretación satisfactoria: los retratados pueden aceptar los implacables retratos de Goya porque La familia de Carlos IV no los representa como Goya los veía; representa lo que ellos mismos veían en el espejo.

Con un gesto de audacia arrolladora, Goya nos permite medir la distancia espiritual que nos separa y separa a La familia de Carlos IV de las certezas de la era de Velázquez, y nos hace sentir

en toda su magnitud una condition humaine drásticamente cambiada,

en la que cada individuo se enfrenta a sí mismo sin apelación a una autoridad metafísica.

 

24 La familia de Carlos IV

 

11.2 Relaciona el cuadro “La lechera de Burdeos” con la pintura impresionista posterior Representa a una mujer, en una postura que parece indicar que va sentada en un asno o una mula; abajo a la izquierda aparece un cántaro, sobre cuya panza aparece incisa la firma de Goya.

Todo ello ha hecho suponer que se trata de la representación o recreación de una vendedora

o repartidora de leche (según algunos expertos, siguiendo una moda de recuperación de la pintura de género italiana del siglo XVII) El cuadro, en el conjunto cronológico de la obra de Goya —escribe Calvo Serraller—, destaca por la recuperación del color y la “técnica de pinceladas breves

y yuxtapuestas que emplearía posteriormente los impresionistas”.

Relación con la obra de Camille Pissarro Café con leche

25 Goya_la-lechera-de-burdeos

 

Inicio de la fotografía. El retrato de Nadar.

 

 

12.1. Identifica las primeras impresiones fotográficas.

Fotografía realizada por Joseph Nicéphore Niépce desde su estudio,

considerada como la primera fotografía que se tomó con una cámara.

A principios del siglo XIX, en el año 1824, el francés Nicéphore Niepce obtuvo unas primeras imágenes fotográficas, inéditas. La fotografía más antigua que se conserva es una reproducción

de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826

con la utilización de una cámara oscura y una placa de peltre recubierta en betún.

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba un poco más de ocho horas de exposición, a plena luz del día, para obtener sus imágenes. En 1827, Niepce entra en contacto con Daguerre, quien se interesa por su invento e insiste en un acuerdo de trabajo

para que le revele su procedimiento, el cual logra firmar con Niepce poco antes de su muerte

en 1833. Desde entonces, Daguerre continúa sus experimentaciones,

regresando al uso de las sales de plata que habían sido desestimadas por Niépce,

y en 1839 hace público -con apoyo del Estado Francés y gran despliegue mediático-,

su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida,

a la que denominó daguerrotipo. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial

de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición,

para hacerlo más adecuado a los fines del retrato de personas.

 

 

 

William Fox Talbot

trabajó en Inglaterra con otro método: obtenía negativos sobre un soporte de papel,

y a partir de esos negativos reproducía copias positivas, también en papel.

El procedimiento negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo.

Inicialmente el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era muy útil para obtener retratos,

y su calidad de imagen era muy superior al calotipo. Estos “retratos al daguerrotipo

empezaron a divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución industrial,

por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica.

Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron muy diversos,

empezando por el daguerrotipo, y el calotipo. A partir de 1855 triunfó el sistema de los negativos de colodión húmedo, que permitían positivar muchas copias en papel a la albúmina,

con gran nitidez y amplia gama de tonos.

Estas copias a la albúmina fueron el tipo de papel fotográfico más empleado

en la segunda mitad del siglo XIX. Todos estos sistemas se basaban en procesos artesanales,

y requerían destrezas manuales significativas por parte de los fotógrafos,

así como conocimientos prácticos de química y física.

Después de 1880 se desarrollaron las nuevas placas secas al gelatino-bromuro,

que podían ser producidas de modo industrial y comercializadas sin limitaciones.

Los fotógrafos compraban cajas de placas vírgenes, ya sensibilizadas,

listas para cargar en chasis y ser expuestas en la cámara.

También eran placas de vidrio;

pero pronto empezó a usarse el soporte flexible de película de nitrato.

Tampoco deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak,

que permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica.

A partir de 1888, Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de película enrollable, en lugar de placas planas. El sistema inventado por Kodak se complementaba

además con el revelado de las tomas luego de expuestas, y la carga de la cámara con nueva película. Bajo el concepto “Ud. aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”,

Kodak inauguraba la fotografía de aficionados.

Desde 1888, Kodak fabrica carretes de película enrollable.

En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía

pueden resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal

de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge. Así, muy interesante fue poder averiguar

la secuencia de movimientos de las patas de un caballo al galope,

que era un tema de amplio debate entre los pintores de la época.

 

26

 

Nacimiento de la fotografía. Los temas fotográficos: retrato, paisaje, historia. El pictorialismo.

 

 

Fotografía Pictorialista:

Julia Margaret Cameron. “Mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía

y alzarla a la categoría de Arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal”.

Sus modelos eran tratados en función de sus propias características individuales

sin recurrir al empleo de técnicas estandarizadas de iluminación.

 

27_muybridge

 

1865 Oscar Gustav Rejlander Sus obras se enmarcan dentro de la Fotografía academicista

donde no se persigue un fin realista sino una recomposición ideal

conforme a unas normas prefijadas, ideales y morales establecidas por la clase social conservadora. Su obra alegórica representa acabadamente la propuesta de este precursor de la fotografía artística, cuyas iniciativas se convertirían más adelante en programa estético en el movimiento pictorialista: legitimar a la fotografía como una forma artística, a partir de homologarla a los procedimientos

y cánones de las artes plásticas, especialmente de la pintura. 1855

 

28 Oscar Gustav Rejlander

 

13.Comparar la música romántica con las anteriores o posteriores

El Romanticismo musical está relacionado con el Romanticismo,

la corriente de cambios en Literatura, Bellas Artes y Filosofía,

aunque suele haber ligeras diferencias temporales.

Entre las características generales del Romanticismo como movimiento global podemos citar: · Exaltación de la libertad, de los ideales. ·

Predominio del sentimiento por encima de la razón. ·

Individualismo del artista:

utiliza el arte para expresar sus ideas, sentimientos y emociones personales, rechazando cualquier imposición externa. ·

Fascinación por lo exótico, lejano, mágico, irreal.

El Romanticismo en las Artes y en la Filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y 1840, mientras que el Romanticismo musical transcurrió aproximadamente entre 1815

y la primera década del siglo XX. Este último comprende el período de la música académica

que fue precedido por el Clasicismo y seguido por el Impresionismo.

Siguiendo el precepto según el cual en el mundo había realidades inevitables

que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición,

la música del Romanticismo intentaba expresar estas emociones.

 

La música en la sociedad burguesa

La música supo expresar admirablemente todas las esencias del alma romántica.

El triunfo –incluso social- de algunos músicos del ochocientos eclipsó algunos nombres importantes de otras manifestaciones artísticas. En la ópera (espectáculo favorito de la burguesía)

sus compositores e intérpretes fueron los grandes ídolos del público europeo.

Triunfaron también los pianistas y violinistas virtuosos, quienes viajaban constantemente

de una ciudad a otra, de un teatro importante a otro, de un salón burgués al otro.

En el siglo XIX las orquestas y grupos instrumentales no se presentaron sólo en palacios,

sino que lo hicieron también en teatros o salas de concierto capaces de acoger

una mayor cantidad de público. Crece el número de músicos en la orquesta

y nace la llamada música de salón, fácil y sencilla, que se convierte en elemento de consumo

para el buen burgués. Separación entre la llamada música culta o seria y

la música de puro entretenimiento pero ahora la música culta está destinada a una minoría que la disfruta, mientras que la música ligera es consumida por un público

con escasas exigencias de calidad Características que diferencian al romanticismo

de la música del clasicismo y el barroco

 

Músicos La música barroca comprende desde el año 1600 hasta el 1750 aproximadamente. La música clásica desde el final de la música barroca hasta el 1815. La música romántica desde 1815 hasta casi la primera década del siglo XX. Técnicas de composición Utilización del bajo continuo El ritmo empieza a ser medido e incisivo. El estilo concertato. La música modal reemplazada por la música tonal. Es el reino de la melodía, ya que busca la simetría. Las melodías de 8 y de 6 compases son los modelos favoritos. Empleo de un lenguaje tonal y aparece una jerarquía tonal. El relleno armónico se usa para enfatizar las tonalidades. Expresión emocional y predomina la fantasía. Usa ricas modulaciones, armonías, cromatismos y también usa la disonancia. La melodía se transforma en algo apasionado y lírico Se compone para orquestas gigantescas instrumentos de viento y la textura que se usa es compleja y densa. Se busca la obra con nuevos sistemas como puede ser la idea fija, esto consiste en que una idea musical se repita y reaparezca. Aparece ópera, la cuál puede ser ópera seria u ópera bufa. Inmediatamente cada nación tenía la ópera a su gusto como la ópera comique francesa, el singspiel alemán Las formas de la música religiosa son el oratorio, la cantata o la pasión. En la música instrumental podemos diferenciar la suite, la sonata, el concerto y la fuga. Las formas del clasicismo son: la sinfonía y la sonata. La sonata tiene derivadas formas instrumentales que se clasifican según el número de instrumentos que se usan. En el romanticismo hay unas pequeñas formas pianísticas que son: nocturno, impromptu, estudios, balada, polonesa, mazurca y la polca. Hay otras formas como la sinfonía programática, el poema sinfónico, la lied, el verismo o el vituosismo. Musica programática, es la música que tiene por objetivo evocar ideas o imágenes extra-musicales en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo La música instrumental Barroca se iguala por primera vez su importancia con la vocal, con un instrumento protagonista, el violín. Durante el Clasicismo, la música instrumental adquiere una especial fuerza a través de la sonata y la sinfonía En el Romanticismo aparecen nuevas formas de la música instrumental, que se caracterizan por su libertad formal y por su sentimiento.

 

Músicos;

 

La música barroca

comprende desde el año 1600 hasta el 1750 aproximadamente.

 

Técnicas de composición

Utilización del bajo continuo El ritmo empieza a ser medido e incisivo. El estilo concertato.

La música modal reemplazada por la música tonal.

 

Aparece ópera, la cuál puede ser ópera seria u ópera bufa.

Inmediatamente cada nación tenía la ópera a su gusto como la ópera comique francesa,

el singspiel alemán Las formas de la música religiosa son el oratorio, la cantata o la pasión.

En la música instrumental podemos diferenciar la suite, la sonata, el concerto y la fuga.

 

La música instrumental Barroca se iguala por primera vez su importancia con la vocal,

con un instrumento protagonista, el violín

 

 

La música clásica

desde el final de la música barroca hasta el 1815.

 

Es el reino de la melodía,

ya que busca la simetría. Las melodías de 8 y de 6 compases son los modelos favoritos.

Empleo de un lenguaje tonal y aparece una jerarquía tonal.

El relleno armónico se usa para enfatizar las tonalidades.

 

Las formas del clasicismo son:

la sinfonía y la sonata. La sonata tiene derivadas formas instrumentales

que se clasifican según el número de instrumentos que se usan.

 

La música romántica

 desde 1815 hasta casi la primera década del siglo XX.

 

Expresión emocional y predomina la fantasía.

Usa ricas modulaciones, armonías, cromatismos y también usa la disonancia.

La melodía se transforma en algo apasionado y lírico Se compone para orquestas gigantescas instrumentos de viento y la textura que se usa es compleja y densa.

Se busca la obra con nuevos sistemas como puede ser la idea fija,

esto consiste en que una idea musical se repita y reaparezca.

 

En el romanticismo hay unas pequeñas formas pianísticas que son:

nocturno, impromptu, estudios, balada, polonesa, mazurca y la polca.

Hay otras formas como la sinfonía programática, el poema sinfónico, la lied,

el verismo o el vituosismo. Musica programática, es la música que tiene por objetivo evocar ideas

o imágenes extra-musicales en la mente del oyente, representando musicalmente una escena,

 imagen o estado de ánimo

 

En el Romanticismo aparecen nuevas formas de la música instrumental,

que se caracterizan por su libertad formal y por su sentimiento.

 

Música: Beethoven.

 

Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770 -1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo

hasta los inicios del Romanticismo musical.

su legado ha influido de forma decisiva en la evolución posterior de la música.

Siendo el último gran representante del clasicismo vienés

(después Wolfgang Amadeus Mozart),

Beethoven consiguió hacer trascender la música del Romanticismo,

influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX.

Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal

de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo

en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianístico (treinta y dos sonatas para piano),

de cámara (incluyendo numerosas obras para conjuntos instrumentales

de entre ocho y dos miembros), concertante (conciertos para piano, para violín y triple),

sacra (dos misas, un oratorio), lieder, música incidental

(la ópera Fidelio, un ballet, músicas para obras teatrales), y orquestal,

en la que ocupan lugar preponderante Nueve sinfonías.

 

13.1. Comenta la música romántica:

Beethoven. Obras principales

 

En su período temprano,

el trabajo de Beethoven estuvo fuertemente influido por sus predecesores,

Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus

Algunas obras importantes de este periodo son la Primera y Segunda sinfonías,

un conjunto de seis cuartetos de cuerda (Opus 18),

los primeros dos conciertos para piano (los n.º 1 y n.º 2)

y la primera docena de sonatas para piano, incluyendo la famosa Sonata Patética,

 

El periodo medio,

también llamado heroico, comienza después de la crisis personal

provocada por la creciente sordera del músico.

Es destacada por las obras de gran escala que denotan el heroísmo y la lucha.

Las composiciones de este periodo incluyen seis sinfonías (las n.º 3, 4, 5, 6, 7 y 8),

los últimos tres conciertos para piano, el Triple concierto y el Concierto para violín,

cinco cuartetos de cuerda (n.º 7 al 11), varias sonatas para piano

(incluyendo las sonatas Claro de luna, Waldstein y Appassionata),

la Sonata Kreutzer para violín, y su única ópera, Fidelio.

 

El periodo tardío comienza alrededor de 1815.

Las obras de dicho periodo se caracterizan por su profunda carga intelectual,

sus innovaciones formales y su intensidad, expresión sumamente personal.

El Cuarteto de cuerda n.º 14, Op. 131 tiene siete movimientos enlazados

y la Novena sinfonía incorpora la fuerza coral a una orquesta en el último movimiento.

Otras composiciones de este periodo son la Missa Solemnis,

los cinco últimos cuartetos de cuerda (incluyendo la Grosse fugue)

y las cinco últimas sonatas para piano.

 

13.2. Conoce y explica los principales cambios introducidos por Beethovenen

la forma sonata y sinfonía.

El mundo del sonido de Beethoven no es uno integrado por sonidos hermosos,

como lo era la música de Mozart y de Haydn. Es un sonido áspero, una explosión musical,

una revolución musical que transmite con precisión el espíritu de los tiempos.

Aquí hay no sólo variedad sino también conflicto.

Beethoven utiliza con frecuencia la instrucción sforzando, que significa ataque.

Se trata de una música violenta, llena de movimiento.

Con Beethoven la forma de la sonata avanza a un nivel superior.:

La transformó de una mera forma a una potente e íntima expresión de sus sentimientos

más interiores. El buscaba la libertad de expresión absoluta por medio de la sonata.

Aquí la dimensión de la sonata se amplía grandemente con respecto a su forma clásica.

Los tempos son más flexibles, e incluso cambian de lugar.

Pero sobre todo, el final ya no es simplemente una mera recapitulación,

sino un desarrollo y una culminación de todo lo sucedido anteriormente.

La Sexta sinfonía en fa mayor (1808), conocida como Pastoral, describe las emociones

que se despiertan en el compositor al recordar escenas campestres.

En ella utiliza algunas de las técnicas de lo que será la música programática,

contando una historia sencilla e imitando el canto de los pájaros y los truenos.

La Novena sinfonía en re menor (1824), considerada una de las más importantes obras

del compositor, finaliza con un movimiento coral basado en el poema An die Freude

(Oda a la alegría) del poeta alemán Friedrich von Schiller

 

Obras principales. Óperas.  Verdi..

 

13.3. Ópera:

Identifica piezas representativas de la obra de Verdi, Wagner

En Giuseppe Verdi (Busseto, 1813-Milán, 1901) no sólo reconocemos la apoteosis musical

del superdotado sino el carisma de un hombre que supo encarnar las aspiraciones de libertad

en su patria italiana. operas mas conocidas:

Nabucco sobre la cautividad de los judíos en Babilonia.

Trilogía romántica que le haría célebre:

Rigoletto; Il Trovatore, y La Traviata, inspirada en La Dama de las Camelias,

que se convirtió en su mayor éxito hasta entonces. En 1871 compuso Aida,

su ópera más programada en el mundo. Tras un silencio de 16 años en la ópera,

Verdi escribió la deslumbrante Otello (1887 Seis años después, con 80 cumplidos,

estrenaba Falstaff (1893), su última obra adaptada también por Boito

y considerada una de las mejores óperas de todos los tiempos.

Con Richard Wagner (Leipzig, 1813-Venecia, 1883),

anuncia un tiempo nuevo para la patria germana, un amanecer de hierro

erguido sobre los mitos medievales que habría de terminar en pesadilla

durante la primera mitad del siglo siguiente.

Verdi es la explosión de la alegría con el contrapunto de una plegaria humilde

a realidades trascendentales como la libertad, el amor, la amistad, el heroísmo o la compasión. Wagner encarna el sueño utópico y la solemnidad del mito.

En ambos se dio a raudales el triunfo de la vida y el poder de la voluntad.

Operas: El Holandés errante , Tannhäuser, El Oro del Rhin,

al año siguiente terminó La Walquiria y luego comenzó Sigfrido,

pero la abandonó para concentrarse en Tristán e Isolda.

Los maestros cantores de Nüremberg. El anillo de los nibelungos. Parsifal

 

Wagner y la mitología germánica

 

 

13.4. Relaciona la obra musical de Wagner y la mitología germánica

Drama global de mitología germánica es el nexo de unión estas 4 óperas:

Lohengrin, El Anillo de los Nibelungos, Federico I Barbarroja y Parsifal.

No es lo importante la realidad de las leyendas y su significación,

sino que para Wagner se mostraba como una poética realidad mística,

una realidad esencial e ideal que le inspiró parte de su obra.

• LA REALEZA PRIMITIVA La idea central del texto de Wagner es el estudio de las raices

de una ‘realeza primigénita’, encontrar el rastro de ese concepto de ‘rey’ como jefe

tanto político como religioso de un Clan, de una estirpe, el Rey-Sacerdote,

el sentimiento de los pueblos de identidad ligada a una estirpe y a la Naturaleza misma.

Ese sentimiento que encuentra en los pueblos indoeuropeos del Caucaso asiático,

de donde emigran los clanes germano-arios hacia Europa.

• LOS NIBELUNGOS La leyenda es para Wagner el reflejo de una realidad anterior sublimada en la poesía popular. La idea anterior en este caso, primitiva, es la lucha solar, el Sol,

el combate de lo solar contra el Dragón, contra la Cueva, la Noche.

Y esto se encarna en el héroe, en un Siegfried, un Clodio, una estirpe de héroes,

los Welsa… o los Wibelinen… Nibelingen, los habitantes de la Niebla.

• LOS WELFE O GUELFOS Y LOS NIBELUNGOS O GIBELINOS

Wagner encuentra una leyenda germana de la estirpe ‘Welfe’,

palabra que viene a significar ‘alimentado por la madre’, por las lobas maternas,

y en si indica ‘hijo de verdadera madre’. Este clan suavo se niega a aceptar la investidura real

de manos de la estirpe franca de Carlomagno.

• EL SIGNIFICADO IDEAL DEL TESORO NIBELUNGO

ABSORBIDO POR EL SANTO GRIAL

Para Wagner una vez el Tesoro carolingio desaparece en su faceta ‘física’, histórica,

el Imperio busca ese Tesoro Ideal que necesita para ser Nibelungo, para ser Héroe.

El Tesoro se encarna en la Idea del Graal, la idea de un Reino primigénito situado allí en Oriente (en realidad cuando Wagner más tarde lo situará en la España musulmana

sigue esa idea de ‘Oriente’ pero cercano y accesible a los Caballeros Valquiria.

 

Las valquirias o valkirias son deidades femeninas menores que servían a Odín

bajo el mando de Freyja, en la mitología nórdica. Su propósito era elegir a los más heroicos

de aquellos caídos en batalla y llevarlos al Valhalla donde se convertían en einherjer.

Esto era necesario, ya que Odín precisaba guerreros para que luchasen a su lado

en la batalla del fin del mundo, el Ragnarök. Su residencia habitual era el Vingólf,

situado al lado del Valhalla. Dicho edificio contaba con quinientas cuarenta puertas

por donde entraban los héroes caídos para que las guerreras los curasen,

deleitasen con su belleza y donde también «sirven hidromiel

y cuidan de la vajilla y las vasijas para beber».

 

14.1 Identifica las claves estilísticas en la indumentaria, mobiliario y decoración

de los estilos Regency y Napoleón III.

 

Mobiliario. Estilos Regency. Napoleón III. Joyería. Relojes. Vestuario

 

 

30 Muebles Estilo Regencia

Muebles Estilo Regencia (Regency)

Se desarrolló en Inglaterra (1811-1820), paralelamente a los estilos franceses

Directorio e Imperio. Se inspira en formas griegas antiguas y adaptaciones del románico

con influencias chinas y góticas. También se le llama estilo Imperio Inglés.

Cuando Jorge III enfermó, el príncipe de Gales, posteriormente Jorge IV,

fue regente del gobierno hasta la muerte de su padre.

Durante ese período y después en su reinado se popularizó el diseño Regencia.

La tendencia preponderante de la época era el estilo Neoclásico.

Aunque básicamente el Regency era una imitación del estilo Imperio francés,

los artistas le introdujeron los detalles que complacían de mejor forma a los ciudadanos ingleses. Este estilo no debe confundirse con el Régence francés, que se desarrolló anteriormente,

durante la transición desde el Barroco, alcanzando su mayor popularidad entre 1715 y 1723,

para luego derivar al Rococó.

 

31 cama-estilo-imperio napoleon

Muebles Estilo Segundo Imperio, Napoleón III

El estilo Segundo Imperio también llamado estilo Napoleón III es un estilo arquitectónico

que nació en Francia bajo el Segundo Imperio, el reinado de Napoleón III.

Tuvo gran éxito entre la burguesía entre las décadas de 1860 y de 1880

Se buscaba inspiración en los grandes clásicos de la ebanistería francesa.

Los artesanos fabrican alternativamente a turnos de brazo y a bajo precio falsos Riesener,

falsos Boulle. La galvanoplastia permitió la multiplicación de falsos bronces.

El papel maché da la ilusión de la laca (proporcionó a los bolsillos más modestos

muebles brillantes). Sobre un fondo negro se despliegan grandes ramos de flores

pintados en vivos colores.

Estas maderas oscuras están en armonía con telas ricas (rojo y oro)

que vuelven cálidos los interiores. A menudo tienen incrustaciones de materiales preciosos, nacarados o escamados lo que acentúa el aspecto llamativo.

Aparecen muebles nuevos: el puf, la boudeuse (especie de divan), la crapaud o silla sapo, completamente recubierta de tela hasta las patas, de modo que la madera no aparece,

y a menudo está acolchada..

El mobiliario segundo imperio tiene, además, la característica esencial de ser mucho más cómodo que sus predecesores, como consecuencia de las nuevas técnicas de acolchado

que se manifiestan en estos años.

Los materiales empleados en la construcción de muebles son muy variados,

Las maderas son normalmente oscuras o laqueadas con negro:

32 La chauffeuse

La chauffeuse:

es una silla baja con toda la madera cubierta por el tapizado y con flecos que llegan al suelo.

32 ouf

Puf:

es un asiento redondo sin respaldo ni apoya brazos,

acolchado y recubierto en su totalidad por tela, y con flecos que llegan hasta el suelo.

34 borne

Borne:

conocido también como canapé rond o milieu de salon, un tipo de diván redondo u ovalado

y con un respaldo central en forma de cono truncado.

Los primeros ejemplares aparecen a partir de 1820, pero se ponen de moda especialmente durante el segundo imperio. A veces los asientos pueden estar separados por brazos,

pero normalmente forman un único plano de asiento.

35 crapud

El crapaud:

es un sillón forrado totalmente de tela, sin madera expuesta,

y con el borde inferior adornado con flecos hasta el suelo.

36 tet a tet

El tête-à-tête (confidente):

es de dos plazas y está constituido por dos sillones unidos de manera opuesta formando una S.

37 el indiscret

El indiscret:

uno de los muebles más originales del segundo imperio, un diván formado por tres sillones unidos entre sí por uno de sus brazos. Su estructura de madera

está oculta por un cómodo acolchado, y por valiosas telas. La disposición de los asientos,

muy original, permitía la conversación cara a cara de los usuarios, cuyas piernas quedaban colocadas de forma opuesta.

38 velador

El velador:

característico de este estilo es de caoba, pero con mas frecuencia de peral ennegrecido.

Tablero circular o festoneado y pie central terminado en trípode,

con incrustaciones de nácar y dibujos pintados o dorados de motivos chinos, flores y frutos.

La pata central es en forma de balaustre y tiene adornos dorados.

39 bufet

Buffet:

Es un mueble de dos cuerpos con una base de dos o más estantes para la vajilla

y un cuerpo superior, constituido normalmente por una vitrina.

Los modelos más sencillos tienen sólo la base y un tablero con altos bordes.

40 etagere

Étagère:

formado por una serie de estantes sustentados por dos montantes.

Puede estar exenta (colgante, de pared o en el suelo) forma parte de otro mueble, o constituye el cuerpo superior de un aparador.

41 fumeuse

Fumeuse:

deriva de la voyeuse y se utiliza sentándose en ella a horcajadas.

Tiene un asiento largo y estrecho, el respaldo es bajo y está provisto de un ancho travesaño acolchado para apoyar los codos; se utilizó a lo largo de todo el siglo XIX

 

15. Analizar la técnica del dorado al mercurio, incidiendo en la toxicidad del proceso, relacionándolo con la explotación del oro en la actualidad.

Ormolu (del francés or moulu que significa “oro molido”)

es una expresión inglesa que se refiere a la aplicación una amalgama de oro de altos kilates finamente molido a un objeto de bronce..

La fabricación del verdadero ormolu empleaba un proceso conocido como

dorure au mercure o dorado a fuego, en la que una solución de nitrato de mercurio

era aplicado a una pieza de cobre, latón o bronce, seguida por una aplicación

de aleación de oro y mercurio. Luego el objeto era sometido a temperaturas muy elevadas hasta que el mercurio se quemaba y el oro permanecía adherido al objeto metálico.

Este proceso le da un baño de oro muy fuerte y durable, pero sólo puede aplicarse a objetos pequeños por razones de manipulación y de resistencia al fuego.

Es utilizado más a menudo en bronces artísticos o de muebles, o en otros metales.

Con el dorado aplicado, se termina la superficie con un bruñido

que consiste en presionar la capa de oro sobre los poros del soporte,

con la ayuda de una herramienta llamada bruñidor

constituido por una empuñadura con una piedra dura en su extremo(como ágata o hematita).

Debido a la exposición a los vapores dañinos del mercurio,

la mayoría de los doradores no sobrevivían más allá de los 40 años

a causa del envenenamiento por mercurio.

Los artesanos utilizaron principalmente bronce dorado en los montajes decorativos de muebles, relojes, aparatos para iluminación como lámparas y porcelana.

Los grandes diseñadores y ebanistas franceses de los siglos XVIII y XIX

hicieron uso máximo de bronce dorado producido por Fondeurs-ciseleurs o “modeladores

en bronce”, como el famoso Jean Jacques Caffieri (1678 – 1755),

 

41 Jean Jacques Caffieri

cuyas piezas de acabados de bronce dorado eran tan finos como el trabajo de un joyero.

Los montajes ormolu alcanzaron su más alto desarrollo técnico y artístico en Francia.

Del mismo modo, resultados tan finos pueden ser encontrados en dispositivos de iluminación como candelabros y lámparas, así como en el metal ornamental aplicado

en los soportes de las cajas de los relojes e incluso piezas de cerámica.

En manos de marchands-merciers parisinos, los precursores de los decoradores,

[cita requerida] las esculturas Ormolu o de bronce dorado pueden se usados como brillantes

o accesorios para chimeneas de estilo rococó o neoclásico o para relojes de pared.

 

15.1. Comenta la relación entre la relojería de la época y el bronce dorado al mercurio.

Los primeros relojes, hechos con pesas, eran necesariamente colgados en la pared.

Con la invención del mecanismo de muelle en el siglo XVII fue posible descolgarlos y trasladarlos de sitio. Estos primeros relojes no aparecieron en Francia hasta 1750,

y hubo que esperar una década para que se consolidasen en Inglaterra.

Eran comúnmente llamados “relojes de chimenea” por el lugar donde se colocaban en la casa, alrededor de la cual se reunía toda la familia. Este fue un periodo

en el que el bronce dorado al mercurio y la ornamentación fueron muy populares

en los relojes franceses. Las figuras clásicas romanas y griegas fueron incorporadas a las cajas

de los relojes de mesa. En los años 1800, el estilo gótico se comenzó a incorporar

a los diseños franceses y los relojes se hacían para parecer catedrales góticas en miniatura.

Los llamados “relojes de esqueleto” se volvieron populares,

en los que el funcionamiento del reloj era visible a través de la caja.

El mecanismo estaba protegido con una cubierta de vidrio.

 

16. Debatir acerca de la simbología del oro en diferentes culturas.

El oro es la imagen de la luz solar y por consiguiente de la inteligencia divina.

Consecuentemente el oro simboliza todo lo superior, la glorificación.

Todo lo que es de oro constituye también el elemento simbólico del tesoro escondido

o difícil de encontrar, imagen de los bienes espirituales y de la iluminación suprema.

El oro, considerado como el mas precioso de los metales,

como símbolo de todo aquello que posea el máximo valor o mas difícil de conseguir.

Los mayores premios son las medallas de oro, los períodos florecientes son las edades de oro.

Los anillos matrimoniales no son de oro sólo por el valor de este metal;

también por que el oro, después de estar durante años en el dedo, sigue brillando como el primer día. También el poder debe durar eternamente, por eso todos los signos del poder son dorados.

 

Nacimiento de la danza clásica (tutú, puntas).

 

 

17. Comentar el nacimiento en Francia de la danza clásica

y los elementos clave que la componen, por ejemplo el uso del tutú y el baile de puntas.

Emancipación del Ballet frente a la Ópera Siglo XIX

Para poder comprender el triunfo del ballet romántico en Paris a mitad del siglo XIX

hay que enumerar algunos factores.

Primero, los logros en la técnica conseguidos gracias a la escuela italiana

concretamente por Carlo Blasis. Este se centró en los saltos pero lo que tuvo mayor importancia y destacó más es el desarrollo de la danza de puntas para las bailarinas.

Segundo, la época y los valores de esta, que fueron los verdaderos detonantes

que otorgaron al ballet la configuración y atención necesarias para su desarrollo.

El Romanticismo dio su relevancia al artista y a la utilización del medio artístico

para poder expresarse. En esta época las obras se centran en el

dualismo romántico, la realidad y lo irreal, lo terrestre y lo fantasmagórico,

el sueño y la razón.

Otro factor que influyó mucho en el triunfo del ballet romántico

fueron los adelantos técnicos en lo que se refiere a la escenificación.

Se introduce en los teatros la luz de gas, que ayudó a crear una atmósfera fantasmal.

En lo referente a los decorados, comienzan a hacerse superposiciones

y se añaden efectos de luz para darles profundidad.

De esta manera los espectadores observaban un mundo idílico en el que la realidad y la ficción eran posibles y podían ser percibidas por los sentidos.

En 1831 con el estreno de Robert le Diable de Meyerbeer,

el ballet inicia su camino hacia la independencia de la ópera.

Este hecho es muy curioso ya que esta obra es unaa ó́pera.

El ballet iniciará el paso de elemento complementario de las obras musicales

a género más o menos independiente de las mismas.

No será hasta la época de Marius Petipa en San Petersburgo

cuando el independiente de la ópera ballet se erigirá en arte totalmente

Robert le Diable es considerado el primer ballet del romanticismo

por la inauguración del concepto escénico de apagar las lucesdel teatro”.

Esto permitió al espectador sumergirse en ese mundo irreal del que trata el espectáculo.

Por otro lado el vestuario utilizado por los bailarines era completamente nuevo,

usaron trajes blancos de tul que hoy en día conocemos como tutú romántico.

Esto no fue solo una innovación estética respecto al vestuario teatral,

el material empleado, gasa o tul, permitió a las bailarinas moverse más ligeramente

por el escenario y realizar la técnica aérea de la danza desarrollada por Blasis.

Pero el hecho más destacado de esta obra es el debut de la bailarina María Taglioni,

que fue la primera bailarina capaz de dar a la técnica de las puntas un fin artístico.

Hija del coreógrafo Filippo Taglioni, María se formó en París con su padre y con Vestris.

Era admirada por su capacidad de movimiento ágil, casi flotando en el escenario,

como si cada paso que daba, cada posición, cada movimiento no le costaran ningún esfuerzo.

Con la creación de esta imagen, las puntas y su técnica

adquirieron por primera vez una finalidad artística.

Tras Robert le Diable llegó La Sylphide creada por Filippo Taglioni

que será considerada como la obra que reflejaba los ideales del Romanticismo.

Se estrenó en 1832. Es una obra en dos actos que triunfó debido a dos motivos.

Sería considerado el modelo a seguir en la realización de otros ballets en esta época.

Además la bailarina aparecía como un ser etéreo e irreal

lo que promovió una imagen que aún hoy se sigue utilizando

para describir a cualquier bailarina de ballet clásico.

Los personaje s pertenecían a mundos reales e irreales

y la situación que se narra claramente tiene un final trágico.

En 1839 se iba a crear la obra maestra del ballet romántico, Giselle,

que fue representada por Carlota Grisi.

Giselle está dividida en dos actos, el primero se corresponde con el mundo real,

mientras que el segundo está ligado al mundo irreal. En esta obra es una única bailarina

la que se encarga de reflejar ambos mundos, lo que en su momento fue muy novedoso.

Si este ballet ha sobrevivido al paso de los años es gracias a su música y coreografía,

ya que, por primera vez se creó una música que siguió la estructura dramática de la obra. Respecto a la coreografía, los pasos son muy reducidos, centrados en su mayoría en saltos

y batería en los dos actos. Giselle es descrita como una gran amante de la danza,

y por ello la danza es el eje central a partir del cual va desarrollándose

dramática y coreográficamente esta obra.

Tras triunfar con Giselle, Carlota Grisi representó otros papeles

con los que siguió cosechando éxitos. Pero finalmente decidió marcharse al extranjero.

Tras ella ninguna otra bailarina fue capaz de tomar su puesto,

por lo que la crisis del ballet romántico comenzó a notarse,

no sólo por este hecho sino también por un agotamiento de la fórmula romántica.

En 1859 se estrenó Le Corsaire con coreografía de Mazilier e interpretada por Carolina Rosati, pero esta obra tuvo un gran triunfo debido a los efectos especiales

que se realizaban al inicio y final del ballet.

Sin embargo, antes de que el romanticismo finalizara se creó una última gran obra,

Coppélia, que se estrenó en 1870. Este ballet se alejó del estilo romántico

dejando de lado el mundo irreal, aunque la historia se inspirara en un cuento de Hoffmann.

Esta obra sigue representándose hoy en día gracias a la música compuesta por Léo Delibes,

que fue creada para ser danzada en su totalidad.

 

DOCUMENTAL SOBRE LA EMIGRACIÓN GALLEGA. FOTOGRAFÍA

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


Bloque 2. El Romanticismo tardío

índice Bloque 2. El Romanticismo tardío

La revolución industrial. La colonización de África. Guerra con China.

La guerra de secesión Norteamericana. Independencia latinoamericana.

Nacionalismo italiano y germánico. Historicismo nostálgico.

Arquitectura. Neoestilos: neomudéjar, neogótico.

Exposiciones universales de París, Londres y Barcelona. La torre Eiffel.

Escultura: Auguste Rodin. Camille Claudel, escultora. Mariano Benlliure. Pintura. Francia: los Pompier: Bouguereau, Cormon, Alexandre Cabanel, Jean-Léon Gérôme

Pintura: El retrato galante: Los Madrazo. Franz Xaver Wintelhalter

Mariano Fortuny y Madrazo, artista total: pintor, escenógrafo, diseñador de moda, inventor.

El historicismo: Eduardo Rosales. Francisco Pradilla. Alejandro Ferrant.

Reino Unido: El movimiento prerrafaelita: John Everett Millais,

Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt, etc.

Decoración y moda: Mariano Fortuny y Madrazo. El movimiento

“Arts and Crafts”, William Morris.

El desarrollo de la técnica fotográfica. El retrato fotográfico.

Los orígenes del cine y el nacimiento del cine americano.

Música: regionalismo eslavo. La zarzuela

Danza: Tchaikovsky (El lago de los cisnes).

 

Bloque 2. El Romanticismo tardío

La revolución industrial

 

CONTEXTO HISTÓRICO Y POLÍTICO

(2a MITAD DEL SIGLO XIX) EN EUROPA

lo más significativo es la consolidación de los estados modernos,

a partir de las ideas nacionalistas románticas de la primera parte del siglo.

Europa Occidental. En 1871 se produce la unificación de Alemania

que pasará pronto a ser la principal potencia de Europa Central.

Italia se unió en 1870. Predominio del norte. El sur, empobrecido,

sufre la emigración a América.

En Francia, en el mismo año, se proclamó la Tercera República que dura hasta hoy.

Sin embargo, Inglaterra mantiene la supremacía económica y política en Europa.

En el este de Europa, Rusia es una gran potencia aunque se inició una continua convulsión social, debido a las malas condiciones de vida de la mayoría de la población.

 

FUERA DE EUROPA.

Estados Unidos, después de la Guerra de Secesión,

acelera su industrialización y se convierte en potencia mundial.

El imperialismo estadounidense (imitando a los países europeos) se extiende en Sudamérica

 

La guerra de secesión Norteamericana.

 

 

ASPECTOS SOCIALES Y ECONÓMICOS

En Europa se produce durante la segunda mitad del siglo XIX

un rápido crecimiento económico propiciado por la expansión económica.

Este avance de la industrialización esta también ligado a la intensificación del comercio

y el progreso técnico junto a la consolidación del poder de la burguesía.

No obstante, también la clase social, el proletariado, se organiza.

Tiene lugar una reunión de dirigentes socialistas de toda Europa,

la 1ª Internacional de Marx, y aparecen los primeros sindicatos

que tienen por objeto la protección de los derechos obreros.

Nace un nuevo sistema socioeconómico y político: el sistema capitalista,

propiciado por el desarrollo de dos nuevas clases protagonistas en la segunda mitad del siglo XIX.

 

 

 La colonización de África

 

LA BURGUESÍA

que acumulaba riqueza y poder se acercó a la nobleza, atraídos por su prestigio.

La mezcla fue una nueva clase dominante, que impuso sus valores e intereses:

el dinero, la productividad, el trabajo y el pragmatismo.

La segunda revolución industrial.

La elevada producción y los progresos técnicos como el motor de explosión,

la electricidad, el ferrocarril, incremento de mano de obra

y los nuevos mercados de consumidores,Llevó a la implantación del taylorismo.

Método de trabajo que buscaba aumentar la productividad,

creando cadenas de trabajo en las que los obreros se especializaban en pocas tareas.

Permite aumentar la productividad pero toma al ser humano casi como una máquina.

 

EL PROLETARIADO.

Trabajadores que organiza el “movimiento obrero”.

En 1864-1889 se constituye en Londres la I y II Asociación Internacional de Trabajadores,

que se extiende rápido a muchos países europeos.

Otro fenómeno generalizado fue la implantación de la educación primaria obligatoria.

Esto respondía a objetivos del nuevo sistema socioeconómico y político:

unificar valores como la cultura y la lengua nacionales, y crear un sistema educativo laico,

libre de la dirección de la Iglesia.

 

Guerra con China.

 

Independencia latinoamericana.

 

 

  1. 1. Relaciona el internacionalismo político europeo

y la llegada a Europa del arte de Oriente.

Los beneficios producidos por la revolución Industrial y la revolución del transporte

elevan la necesidad de las potencias europeas de invertir el otros países

influyen en la aparición del capitalismo imperialista a fines del siglo XIX en un grupo de países de Europa, América del Norte y Japón.

 

 

Nacionalismo italiano y germánico

 

 

A lo largo de la historia, del siglo XVI al XVIII,

los ambientes cortesanos de Europa fueron cubiertos por la lujosa decoración de la Chinoiserie, pero las transformaciones sociales y la apertura de Japón en el siglo XIX

produjeron una expansión del Japonismo a la cultura burguesa.

En esta segunda etapa, ya en el siglo XIX, la valoración del arte extremo oriental

—especialmente el influyente arte nipón— no radica en su consideración de objeto de lujo,

sino en sus propiedades estilísticas, utilizadas como referencia frente al arte academicista.

El arquetipo del Japonismo lo constituye la figura idealizada de la geisha,

cuya imagen fue recreada en ópera de Giacomo Puccini (1858-1924), como Madama Butterfly.

En el terreno de las Bellas Artes, apreciamos una doble lectura del fenómeno del Japonismo.

Por una parte, atendiendo a su temática, puede ser entendido como género; por otra parte,

sin preocuparnos necesariamente del tema de la obra,

puede ser considerado como una influencia estilística

que influyó en la renovación del arte académico occidental y aportó elementos de vanguardia.

La gran influencia del arte japonés como inspiración para el arte contemporáneo

ha sido ampliamente estudiada, especialmente en los impresionistas,

post-impresionistas, simbolistas y modernistas.

Desde la apertura de los puertos japoneses previa a la restauración Meiji (1868).

El norteamericano J. A. M. Whistler (1834-1903), tras conocer los grabados japoneses en París,

fue uno de los primeros pintores en representar con gran sensibilidad cromática

todo el repertorio temático del Japonismo a partir de 1864.

01 J. A. M. Whistler

 

Fué París el epicentro del arte, y del fenómeno Japonismo:

Con figuras como Manet, Van Gogh (que veremos en el capítulo siguiente).

En el arte Español tuvieron influencia también otras corrientes orientalistas islámicas

tuvieron un papel masivo en la geografía del exotismo de los pintores nacionales.

Sorprende, no obstante, encontrarnos en fechas paralelas

a los primeros cuadros japonistas de Whistler

 

02 Mariano Fortuny

algunos ejemplos del extraordinario pintor Mariano Fortuny (1838-1874),

cuya proyección ciertamente excede el mercado local

y hemos de situarlo en primera línea de la pintura europea.

En la primera de las tres versiones que realizó con el título El Coleccionista de Estampas (1863) apareció una armadura japonesa propiedad del artista,

un jarrón de porcelana china y un abanico japonés.

 

1.2. Comenta la guerra de Secesión Norteamericana y su influencia en el arte.

Uno de los aspectos importantes de “La Guerra Civil y el arte estadounidense”

es que transmite la respuesta de los creadores ante una gran crisis nacional

que hizo necesario llevar a la práctica los ideales de los Padres Fundadores de la nación.

La Guerra Civil o de Secesión de Estados Unidos duró alrededor de cuatro años

y dejó un inmenso número de víctimas fatales y de heridas,

así como una crisis económica nunca antes conocida en el territorio del Sur.

Eliminaron los ideales románticos de la pintura americana anterior e introdujeron el sentimiento de ansiedad. Las fotos llevaron a los hogares los desastres bélicos.

 

Arquitectura:

2.1. Identifica los edificios relacionados con los movimientos neogótico y neomudéjar.

Neogótico:

En el siglo XIX la Europa continental vivió una auténtica fiebre neogótica que,

además de levantar nuevos edificios, restauró y completó edificaciones medievales,

como catedrales y castillos. En Francia destacó la labor restauradora y reconstructora de

Eugène Viollet-le-Duc.

 

Neogótico.

4 Eugène Viollet-le-Duc

 

 

El ambiente artístico de mediados del siglo XIX fue muy proclive al medievalismo,

que se extendió por todas las artes, especialmente en la decoración y el mobiliario (Arts and Crafts), pero también en pintura, con distintos criterios

(los nazarenos en Alemania, los pre-rafaelitas en Inglaterra)

o en literatura (drama romántico, novela histórica, novela gótica)

o en música (óperas de ambientación medieval).

 

Edificios representativos:

05 El Palacio de Westminster

, sede del parlamento del Reino Unido en Londres.

06 famosas gárgolas de Notre Dames

Las famosas gárgolas de Notre Dame de Paris, fruto de la intervención de Viollet-le-Duc (1846)

 

Tower Bridge sobre el Támesis, en Londres.

07 Tower Bridge

San Jerónimo el Real de Madrid

08 San Jerónimo el Real de Madrid

Palacio Episcopal de Astorga

9

Fachada de la catedral de Barcelona.

10 Fachada de la catedral de Barcelona.

 

Historicismo

En este periodo conviven, por un lado la arquitectura historicista,

y por otro lado el progresivo desarrollo de la arquitectura del hierro,

consecuencia de los cambios introducidos por los nuevos materiales

y procesos industriales generados en la revolución industrial

 

Historicismo nostálgico.

 

Neomudejar

El neomudéjar es un estilo artístico y arquitectónico que se desarrolló principalmente

en la Península Ibérica a finales del siglo XIX y principios del XX.

Se enmarca dentro de las corrientes orientalistas

de la arquitectura historicista imperante en Europa por aquella época.

El nuevo estilo se asoció especialmente a construcciones de carácter festivo y de ocio,

como salones de fumar, casinos, estaciones de tren, plazas de toros o saunas.

En España el estilo neomudéjar fue reivindicado como estilo nacional,

por estar basado en un estilo propiamente hispánico.

Arquitectos como Emilio Rodríguez Ayuso o Agustín Ortiz de Villajos

 

Arquitectura. Neoestilos: Neomudejar,

11 Emilio Rodríguez Ayuso o Agustín Ortiz de Villajos

vieron en el arte mudéjar algo únicamente español

y empezaron a diseñar edificios utilizando rasgos del antiguo estilo,

entre ellos las formas abstractas de ladrillo y los arcos de herradura.

Sin embargo, lo que la historiografía ha considerado tradicionalmente como neomudéjar,

son en muchos casos obras de estilo neoárabe, puesto que utilizan elementos califales,

almohades y nazaríes, siendo el único aspecto mudéjar el uso del ladrillo visto.

Frecuentemente se ha considerado a la plaza de toros de Madrid

de Rodríguez Ayuso y Álvarez Capra de 1874 como el inicio del neomudéjar

12 Rodríguez Ayuso y Álvarez Capra

 

3.1. Relaciona las exposiciones universales

de París y Londres con la arquitectura.

Las Exposiciones Universales se originaron en la tradición francesa de exposiciones nacionales,

una tradición que culminó con la exposición industrial francesa de 1844 celebrada en París.

13 1844 celebrada en París exposicin universal

 

Esta feria fue pronto seguida por otras exposiciones nacionales en la Europa continental y, finalmente, el Reino Unido.

14 exposicion universal reino unido

Francia inicia una serie de exposiciones universales, a partir de 1855,

cuya periodicidad de 11 años (1855, 1867, 1878, 1889 y 1900) se impone implícitamente.

Esta periodicidad es indispensable para encuentros de semejante magnitud.

La Exposición Universal de 1855 reúne, por primera vez, las industrias y las Bellas Artes.

Influencias en la arquitectura posterior

– Utilización de nuevos materiales industriales en arquitectura:

hierro , remaches y cristal

– Creación de espacios diáfanos de gran amplitud.

 

  • Potenciar la arquitectura espectáculo en cuanto a sus dimensiones

y su relación con el ocio y disfrute, incorporación a la arquitectura de otros avances industriales. Como la iluminación eléctrica.

  • Difusión de los avances arquitectónicos por las fotografías

lo que posiblilita su influencia en otros paises

La primera Exposición Universal se celebró en el Palacio de Cristal en Hyde Park,

Londres, Reino Unido, en 1851, bajo el título

“Gran Exposición de los Trabajos de la Industria de Todas las Naciones

El Crystal Palace de Paxton, calificado por algunos de sus detractores

como el monstruo de cristal, fue catalogado durante mucho tiempo como obra maestra e,

incluso, como una de las maravillas del mundo arquitectónico.

Desgraciadamente hoy desaparecido a causa de un incendio,

este palacio ejerció una decisiva influencia en la concepción de otros pabellones

levantados en posteriores exposiciones universales.

 

Londres

 

 

 

Este fue el caso de Nueva York, ciudad que en 1853 organizó la segunda muestra de estas características y que dispuso de un Crystal Palace basado en la idea de Paxton,

con la novedad de presentar una gran cúpula de fundición.

La edición correspondiente a 1855 se celebró en París,

donde el arquitecto Viel levantó el Palacio de la Industria;

un edificio concebido como réplica al de Londres; si bien su ancho duplicó largamente al de aquel, y en el que se emplearon grapas metálicas y cristal engastado.

Hasta finales del siglo XIX, Londres y París se alternaron en la organización de estas exposiciones, destacando Francia en cuanto a las novedades arquitectónicas

que presentaron los sucesivos certámenes

 

La Exposición Universal de París de 1889 contó con una Galería de Máquinas,

construida según el proyecto del arquitecto Louis Dutert (1845-1906)

y del ingeniero Contamin (1840-1893).

Algo menor que el Crystal Palace londinense, huía del aspecto de invernadero

y sus monumentales pilares descansaban sobre 40 pilastras de albañilería.

La bóveda, cuya altura alcanzaba los 43 metros, cubría, sin ningún apoyo intermedio,

una superficie de 4,5 hectáreas.

El edificio despertó una expectación similar a la que en su día suscitara el pabellón de Paxton.

 

Exposiciones universales de París

 

Mas sobre la exposición universal de París

 

 

 

Eiffel, experto en la construcción de puentes, estaciones de ferrocarril y edificios de hierro,

ya había participado en la construcción de la estación de Pest (Hungría),

en la de los almacenes Au Bon Marché de París

y en los cálculos del techo de la Galería de Máquinas de la Exposición de 1867.

Asimismo, suya fue la ejecución de muchos puentes, entre los que destacan el del Duero,

en Portugal, y el viaducto de Garabit, en Francia,

de 165 metros de luz sobre las aguas del río Thuyére,

como igualmente concebiría la estructura metálica que sustenta la estatua de La Libertad,

en Nueva York.

 

La construcción de la torre Eiffel, de 300 metros de altura,

Exposición Universal de París de 1887, conmemorativa del centenario de la Revolución francesa, donde Eiffel lleva adelante otro ejemplo de la nueva arquitectura.

Se trata de la famosa torre que tomó su nombre, una obra que sorprendió

y desató entonces toda suerte de reacciones, negativas en su mayoría.

 

3.2. Identifica los elementos principales de la erección de la Torre Eiffel.

Descripción de la torre por niveles La base

La torre se asienta en un cuadrado de 125 metros de lado,

según los mismos términos del concurso de 1886.

Tiene 325 metros de altura con sus 116 antenas;

está situada a 33,5 metros por encima del nivel del mar.

Los cimientos: los dos pilares situados del lado de la Escuela militar de Francia

reposan sobre una capa de hormigón de 2 metros;

esta, a la vez, reposa en una cama de grava, haciendo un hoyo de siete metros de profundidad.

Los dos pilares de la parte del río Sena se sitúan incluso por debajo del nivel del río.

El primer nivel Situado a 57 metros sobre el suelo, con una superficie de 4200 metros cuadrados, puede soportar la presencia simultánea de aproximadamente 3000 personas.

Una galería circular colocada en el primer piso permite una vista de 360° sobre París.

Esta galería tiene colocados varios mapas de orientación y catalejos

que permiten observar los monumentos parisinos.

Apuntando hacia el exterior están inscritos los nombres de setenta y dos personalidades

del mundo científico de los siglos XVIII y XIX.

El segundo nivel Situado a 115 metros por encima del suelo,

posee una superficie de 1650 metros cuadrados aproximadamente;

puede soportar la presencia simultánea de alrededor de 1600 personas.

Se considera que es el piso que posee la mejor vista,

debido a que la altitud es óptima con relación a los edificios que se encuentran abajo

El tercer nivel Situado a 275 metros sobre el suelo, con una superficie de 350 m²,

puede soportar la presencia simultánea de alrededor de 400 personas.

El acceso se hace obligatoriamente por un ascensor

(la escalera está prohibida al público a partir del segundo piso)

y se llega a un espacio cerrado lleno de mapas de orientación.

Al subir algunas escaleras, el visitante llega a una plataforma exterior

La torre Eiffel.

Exposición universal  de Barcelona.

Escultura 4.1. Explica la evolución del clasicismo de Canova al expresionismo de Rodin.

 

Neoclasicismo Cánova: Las tres Gracias encarnan el desnudo femenino en toda su perfección, perviven los modelos clásicos en la fisonomía, anatomía y peinado Realismo-romanticismo Carpeaux por el contrario todo es movimiento, mayor naturalismo en la anatomía los gestos los cabellos, contraste de texturas Rodin La fuerza colosalista.

– La rugosidad de las superficies, que como la de Miguel Ángel ganó el apelativo de obra “inacabada. Esto le da una gran fuerza expresiva, sugerir más vitalidad y potenciar los efectos de luz y trasladar el Impresionismo a la escultura.

– Multiplicidad de planos

 

Camille Claudel, escultora.

4.2. Analiza la obra de Camille Claudel.

EL lega a París en 1883 con el fin de perfeccionar su técnica e ingresar en la Academia Colarussi. Ese mismo año se encuentra por primera vez con Auguste Rodin,

mientras el célebre escultor sustituía una clase de su amigo Alfred Boucher.

Al año siguiente empieza a trabajar en su taller,

posa para él y colabora en la realización de las figuras de La puerta del Infierno.

Además de ser una de las principales colaboradoras del escultor,

fue también su compañera durante algunos años, se convirtió en su modelo y su musa,

inspirando obras como La Danaïde o Fugit Amor.

16 Camille Claudel.

 

La edad madura

La pareja frecuentaba los ambientes artísticos y culturales más importantes del París de la época

y pasaron juntos largos períodos fuera de la ciudad,

sin embargo a Rodin se le relacionó sentimentalmente con Rose Beuret,

esta situación sería la inspiración de una de las obras más importantes de Camille:

La edad madura. En esta escultura vemos representada la escena de Camille arrodillada y suplicante, dirigiendo sus manos hacia Rodin, quien le da la espalda mientras una mujer mitad ángel mitad bruja, que representa a Rose Beuret, se lo lleva.

Mientras sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen con frecuencia artículos sobre ella en las revistas de arte, en medio de una crisis emocional, Camille se encierra en su taller, se aleja del mundo y en diciembre de 1905 realiza su última gran exposición.

 

Esculura: Auguste Rodín.

 

5.1. Compara la obra de Rodin y Camille Claudel y establece las conclusiones pertinentes.

Camile colaboraría con Rodin en la ejecución de dos de las obras más célebres del escultor:

“Los Burgueses de Calais” y, sobre todo, “Las Puertas del Infierno”,

una de las obras magnas de su autor, de más de seis metros de altura y

con más de 200 figuras en su composición,

considerada una de las más extraordinarias muestras del impresionismo escultórico

de todos los tiempos.

Durante todo aquel tiempo, Camille trabajó arduamente como ayudante y modelo de Rodin,

la mayoría de las veces a expensas de su propio trabajo;

y es que la alumna se había enamorado irremediablemente del maestro,

Durante casi diez años, Rodin y Camille trabajaron codo con codo,

influyéndose e inspirándose uno a otro, y creando algunos de sus mejores trabajos:

“Fugit Amor”, en el caso de Rodin; “Sakountala”, en el de Camille.

Sin embargo, su relación pasional era cada vez más tormentosa,

debido al maltrato psicológico al que el escultor sometió a su joven amante;

no sólo la humillaba y menospreciaba como artista, también se exhibía con otras mujeres ante ella.

 

18 “Sakountala”l

 

17 “Los Burgueses de Calais”

 

 

5.1. Obra de Rodin

Viajó a Italia , donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento

y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel

(el fuerte impacto de la terribilitá de Miguel Angel se aprecia en toda su obra).

La Edad de Bronce:

Para Rodin , la belleza en el arte consistía en

una representación fidedigna del estado interior,

y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía.

 

19 Manos de amantes

Manos de amantes,

obra de 1904. Esculpidas en mármol blanco, las dos manos se acarician con gran sensualidad.

Con ellas, Rodin alcanza la máxima depuración formal.

Las manos eran uno de los temas favoritos del artista .

Cuentan que tenía montones de ellas en su taller. De todos los tamaños y de ambos sexos.

En esta escultura se puede apreciar la influencia de Miguel Ángel

en el tipo de bases que utiliza para sus piezas.

Son soportes que dan una idea de inacabado. Una forma de decir: ahí lo dejo.

No lo acabo porque el mundo termina cuando yo lo decido non finito de Miguel Ángel

es especialmente evidente en Fugit amor,

una obra en la que un hombre y una mujer están fundidos en un abrazo.

Una escultura que es necesario rodear totalmente para poder aprehenderla en todos sus detalles.

El escultor francés dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica

expresada a través del modelado y la textura .

En el arte de Rodin se funden una técnica impresionista ,

que con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos obtiene efectos de luz ,

la profundidad vital y la fuerza colosal que anima las figuras.

Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX

20 EL BESO

EL BESO una representación visual del amor en la que una fuerza interna une en audaces enlaces

y abrazos a seres que así manifiestan la expansión de su energía vital, de la felicidad compartida. 1888 – 1889 mármol 181,5 x 112,3 x 117 cm

EL BESO Esta desmitificación y la representación del amor

como parte del comportamiento de todo ser humano provocó una fuerte reacción en sus contemporáneos que juzgaron como crudamente realista e impúdica a El Beso

(escena aceptada y gozada siempre que se diera un contexto mítico o literario)

 

LAS PUERTAS DEL INFIERNO (1880-1917)

La puerta representaba principalmente escenas del Infierno,

la primera parte de la Divina Comedia de Dante .

Aunque Rodin no completó las Puertas del infierno,

creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos ,

siendo todos ellos aclamados como obras independientes.

17 Las Puertas del Infierno

EL PENSADOR

una de las obras en la que la influencia de Miguel ángel se refleja con mayor intensidad.

La enérgica concentración del rostro y de los músculos tensos y las manos fornidas,

recuerdan al gran maestro florentino

 

20 EL PENSADOR

 

BURGUESES DE CALAIS 1889

bronce 217 x 255 x 177 cm Los burgueses de Calais

anuncia las vigorosas deformaciones del Expresionismo ,

anticipando con sus formas sarmentosas y sus expresiones enigmáticas

algunos de los caminos que la escultura recorrerá en el siglo XX;

esta escultura es un monumental grupo en bronce

en el que se representan personajes históricos con gran diferenciación psicológica

 

Mariano Benlliure.

 

 

  • 6.1. Identifica la escultura española,

especialmente la obra de Mariano Benlliure.

21 Mariano Benlliure

 

1º fase : El siglo XIX se inicia con el movimiento neoclásico procedente del siglo anterior.

Se produce la decadencia de la escultura religiosa

y cobra importancia la escultura como elemento decorativo de la arquitectura.

Su gran mecenas será la realeza que con la construcción de sus nuevos palacios

o la reforma de los existentes hacen necesario que se establezca la plaza de escultor de cámara.

Las Academias serán las encargadas de la formación de los jóvenes artistas

y las que establecen concursos y becas de estudio en Madrid, Roma o París.

Se impone la rigidez académica que exige la imitación de la Antigüedad.

El resultado es una estatua fría, que no comunica nada más que unas poses y unas medidas.

 

Antonio Solá con el Monumento a Daoiz y Velarde en la plaza del Dos de Mayo de Madrid

22 Monumento a Daoiz y Velarde

2ª fase Romanticismo

El corto periodo romántico en escultura responde a encargos oficiales

para embellecer edificios o erigir monumentos conmemorativos.

A diferencia de lo que sucede en pintura, se caracteriza por la falta de carácter y la desorientación. Es una época de transición, que alterna elementos clasicistas

con otros criterios que desembocarán en un nuevo realismo.

La corte deja de ocuparse de la escultura, a Isabel II no le interesa demasiado el arte

y se suprimen los pintores de cámara.

A partir de 1845 la Academia deja de dirigir la enseñanza artística

y se crea la Escuela de Bellas Artes.

Las Exposiciones Universales sustituirán los premios y pensiones de la Academia.

Ponciano Ponzano

 

3ª fase Realismo

Lo entendemos como la inspiración directa en la realidad que nos rodea.

Los escultores que en el último tercio del siglo XIX

asimilaron la corriente naturalista son más abundantes.

 

23 Ángel Caído

Ricardo Bellver (1845-1924) Es el autor del Ángel Caído,

monumento que se encuentra en el Parque del Retiro de Madrid.

Es un hermoso desnudo juvenil que representa al diablo.

Se encuentra sobre un tronco seco, con sus grandes alas abiertas

y una serpiente enrollada en el cuello. Su rostro se crispa como grito desesperado

mientras con la mano intenta librarse del rayo que lo derriba.

Bellver supo ser muy cuidadoso y expresivo sin caer en detallismos excesivos.

 

24 estatua ecuestre del General Martínez Campos

Mariano Benlliure (1862-1947)

Puede ser considerado como el puente con el Modernismo.

Una de sus esculturas decorativas más modernistas es el grupo alegórico

que corona el edificio de La Unión y el Fénix.

Entre sus monumentos destaca la estatua ecuestre del General Martínez Campos.

Una estatua antiheroica, de realismo casi fotográfico.

El jinete cabalga pesadamente, con el capote abrochado al cuello y flotando sobre sus hombros, mientras el caballo, que ha detenido su marcha, vuelve la cabeza para rascarse.

 

Escultores del XIX:

  • Ponciano Ponzano · Ricardo Bellver · Eduardo Barrón · Mariano Benlliure
  • Agustín Querol · Mateo Inurria ·Aniceto Marinas

 

Aniceto Marinas García

Sus obras más significativas se encuentran en Madrid: Monumento a Velázquez

(en la puerta principal del Museo del Prado, 1899),

Monumento a Eloy Gonzalo (en la plaza de Cascorro, 1902),

grupo La Libertad (en el Monumento a Alfonso XII del Parque del Retiro, 1905)

 

Pintura

7.1. Identifica la pintura orientalista europea,

ya sea francesa, inglesa, etc. con los orientalistas españoles

por ejemplo Mariano Fortuny.

 

En el romanticismo, la seducción por el oriente cumplía el mismo papel

de alejamiento de la realidad que el historicismo medievalista.

26 Washington Irving

Washington Irving encontró en Granada la conjunción de ambos (Cuentos de la Alhambra), contribuyendo a la generación del tópico del exotismo español.).

Pintores como Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme y Alexander Roubtzoff

se recrearon en representaciones de todo tipo de escenas ambientadas

en escenarios de los países árabes del norte de África y Oriente Medio.

27 Jean Auguste Dominique Ingres

Cuando Jean Auguste Dominique Ingres, director de la francesa Académie de peinture

pintó una visión muy colorista de un baño turco,

hizo que este oriente erotizado se hiciera públicamente aceptable

por su generalización difusa de las formas femeninas,

que podrían haber sido todas ellas el mismo modelo.

La sensualidad se veía aceptable en el exótico oriente.

Este estilo tuvo su momento álgido en las Exposiciones universales de París de 1855 y 1867.

Además, la posibilidad de emprender viajes por esos territorios estimuló a los artistas,

que en algunos casos acompañaron misiones diplomáticas o científicas,

a describir lo visto e intentar representaciones más documentadas de Oriente.

Este tipo de producción visual tuvo tal aceptación que, hacia mediados del siglo xix, la pintura orientalista abundaba en los salones anuales de París, y en 1893 se creó la Société des Peintres Orientalistes con Jean-Léon Gérôme como presidente honorario

28 Mariano Fortuny

Mariano Fortuny.

En España el principal ejemplo fue Mariano Fortuny (1838-1874),

que viajó a Marruecos donde quedó prendado del pintoresquismo local.

Temas marroquíes fueron igualmente tratados por Josep Tapiró (1836–1913)

y Antonio Fabrés (1854–1938).

El imaginario orientalista persistió en el arte hasta principios del siglo XX,

como evidencian los desnudos orientalistas de Matisse.

El uso de Oriente como un telón exótico continuó en las películas,

por ejemplo en muchas de Rodolfo Valentino.

Más tarde árabes ricos con togas se convirtieron en un tema popular,

especialmente durante la crisis del petróleo de los años 1970.

En los años 1990, el terrorista árabe se convirtió en la figura de villano

preferida de las películas occidentales.

 

8.1. Relaciona la obra pictórica historicista de los pintores:

El historicismo:

Eduardo Rosales.

 

 

Eduardo , Francisco Pradilla y Alejandro Ferrant.

La pintura de historia, o pintura histórica, es un género pictórico

que se inspira en escenas con eventos de la historia cristiana, de la historia antigua

(mesopotámica, egipcia, griega, romana…),

de la mitología o de los acontecimientos históricos recientes.

En la segunda mitad del siglo XIX estos pintores españoles cultivaron la «pintura de historia»

con obras como La muerte de Viriato, de Madrazo o el Cincinato de Juan Antonio Ribera. Fue especialmente demandada en los encargos de instituciones y los concursos académicos,

siendo sin duda el género más destacado a lo largo de todo el siglo XIX.

En concreto, las becas para las jóvenes promesas que iban a estudiar a la Academia de España

en Roma dieron lugar a una emulación para representar en lienzos de grandes dimensiones episodios gloriosos o espectaculares de la historia española.

Con su difusión pública se quería construir una visión de historia nacional española

Eduardo Rosales Gallinas (Madrid, 4 noviembre 1836 – Madrid, 13 de septiembre de 1873)

fue un pintor del siglo XIX español Ingresó en 1851 en la Real Academia de Bellas Artes

de San Fernando, donde fue alumno de Federico Madrazo.

Se unió al grupo de pintores españoles que se reunían en el Antico Caffè Greco

(Casado del Alisal, Dióscoro Puebla, Fortuny).

Allí comenzó a asociarse con los círculos puristas nazarenos, pero pronto abandonó esa tendencia, en la que realizó su primera obra de importancia,

29 Eduardo Rosales Gallinas

Tobías y el ángel. A continuación se interesó por un estilo más realista, en el que realizó su gran obra maestra, Doña Isabel la Católica dictando su testamento, conservada en el Museo del Prado. Acudió con ella a la Exposición Universal de París de 1867 obteniendo un enorme éxito.

 

Francisco Pradilla y Ortiz

Su primer cuadro de importancia fue El rapto de las sabinas

para las oposiciones a la pensión de la Academia española en Roma,

al que siguió en 1878 Doña Juana la Loca, como trabajo de dicha pensión.

Por este colosal cuadro obtuvo medalla de honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes (España) de 1878 y una medalla de honor en la Exposición Universal de París de 1878.

Se superó con la realización de La rendición de Granada (3,3 x 5,5 m) de 1882,

que destaca tanto por la limpieza de la caracterización

como por la viveza de la representación y la grandeza del estilo.

El cuadro ganó el primer premio en una exposición de Múnich de 1893.

 

Alejandro Ferrant y Fischermans

Lograría el máximo galardón en 1878 con El entierro de san Sebastián

(San Sebastián en la cloaca Máxima), colosal lienzo que actualmente cuelga en el Museo del Prado.

En 1874 acudió a aprender a Roma (Italia),

pensionado en la primera promoción de pintores de la Academia Española de Bellas Artes,

Pintó principalmente temas religiosos e históricos,

aunque también se dedicó a la pintura de género y la decorativa.

En este último género hay que destacar sus trabajos en: la iglesia de San Francisco el Grande,

el Palacio de Linares de Madrid,

el oratorio del Palacio de Miramar en San Sebastián

y la sede de la Diputación Foral de Navarra en Pamplona.

Su estilo se atiene al gusto académico predominante en la época:

predominio del color sobre el dibujo y pincelada suelta;

el uso de tonos pardos delata influencias del barroco.

Fue director del Museo de Arte Moderno de Madrid

(que en 1971 se integraría en el Museo del Prado).

Su hijo Ángel Ferrant (1890-1961) fue un destacado escultor de la vanguardia española.

 

9.1. Reconoce la obra de los pintores “Pompier” franceses:

Bouguereau, Cormon, Alexandre Cabanel, Jean-Léon Gérôme, entre otros.

Art pompier ( lit.francés: «Arte bombero» )

es una denominación peyorativa para referirse al academicismo francés

de la segunda mitad del Siglo XIX, bajo la influencia de la Academia de Bellas Artes.

La expresión refiere todavía hoy al arte académico oficial, adicto al poder,

que aunque utiliza técnicas magistrales resulta a menudo falso y vacío de contenidos.

El origen del apelativo es incierto: podría derivar de los yelmos de las figuras clásicas,

similares al casco de un bombero;

o podría simplemente referirse al carácter pomposo y retórico

de muchas representaciones de la época.

La corriente artística del Neoclasicismo, inserta en el Siglo XVIII

y prolongada a la primera mitad del XIX

tenía en el rigor racional el primer requisito para prestarse a la enseñanza en las academias,

el camino de la imitación de los modelos clásicos modelo de armonía y belleza.

La Academia real de pintura y escultura se había creado en Francia en 1648,

con el objetivo de garantizar a los artistas una norma de calidad,

dotándolos de un estilo pleno de simplicidad aunque también de grandiosidad,

de armonía y de pureza William-Adolphe Bouguereau Hombre fuerte del academicismo francés, primer presidente del departamento de pintura de la Sociedad de Artistas Franceses

y gran favorito de la clase adinerada de su época.

Vivió 80 años y se le reconocen más de ochocientas obras.

Ilustres admiradores suyos fueron, por ejemplo, Napoleón III

y el pianista y compositor romántico Chopin.

Otros grandes artistas contemporáneos como Gauguin, Cézanne o Van Gogh

lo aborrecieron o ignoraron.

 

32 Fernand Cormon Dante y Virgilio en el infierno

Obras: Dante y Virgilio en el infierno, El nacimiento de Venus Fernand Cormon

también conocido como Fernand-Anne Piestre, fue un pintor francés,

uno de los principales pintores de temas históricos de la Francia moderna.

Atrajo a una edad muy temprana la atención de la crítica por el sensacionalismo de su arte,

pues por un tiempo su poderoso pincel

se detuvo con especial placer en escenas de derramamiento de sangre,

como el Asesinato en el Serallo (1868) y

La muerte de Ravara, Reina de Lanka, ambas en el Museo de Toulouse.

Su obra más conocida, Caín huyendo antes de la maldición de Jehová,

inspirada en La Légende des siècles de Victor Hugo, se conserva en el Musée d’Orsay.

 

Pintura. Francia: Pompier: Bouguereau, Cormon, Alexandre Cabanel,

 

 

Alexandre 

Pintor de historia, de género y retratista, su obra evolucionó con los años hacia temas románticos, tales como Albaydé, inspirado en un poema de Orientales de Victor Hugo.

Su obra fue especialmente conocida y reclamada por los coleccionistas internacionales

y por las instituciones, y fue uno de los artistas preferidos de los emperadores Napoleón III

y Eugenia de Montijo. Artista contrario al Naturalismo y al Impresionismo,

y en particular enemigo de Édouard Manet, fue criticado a su vez por Émile Zola y los naturalistas, así como por todos aquellos que defendían la emergencia de un arte menos galante

y más social y exigente.

Obra: El nacimiento de Venus, El Ángel Caido,

 

Fedra Jean-Léon Gérôme

(Vesoul, 11 de mayo de 1824-París, 10 de enero de 1904)

fue un pintor y escultor francés academicista cuyas obras son,

por lo general, de tema histórico, mitológico, orientalismo, retratos y otros temas,

con lo que lleva al Academicismo tradicional a un clímax artístico.

Es considerado uno de los pintores más importantes de este período académico,

y además de ser pintor y escultor, fue también un maestro con una larga lista de estudiantes.

Obras: Pelea de Gallos, Pollice Verso (pulgar girado).

 

El retrato galante: Los Madrazo.

 

10.1. Relaciona el retrato pictórico de Los Madrazo

y Franz Xaver Wintelhalter Los Madrazo:

En esta notable dinastía de artistas están representadas diferentes tendencias pictóricas

del siglo XIX español, desde el Neoclasicismo del periodo de Fernando VII,

del que fue un claro exponente José de Madrazo (1781-1859),

hasta el Realismo de Federico (1815-1894) -el mejor retratista del momento-,

las pinturas de encargo de Luis (1825- 1897),

las pinceladas impresionistas de Ricardo de Madrazo (1852-1917)

o el aire romántico de Raimundo (1841-1920).

 

José de Madrazo y Agudo (Santander, 22 de abril de 1781 – Madrid, 8 de mayo de 1859)

fue un pintor y grabador español, que evolucionó del barroco al neoclásico.

Fundador de una famosa saga de artistas, fue padre de Federico Madrazo, Pedro Madrazo

y Luis Madrazo, abuelo de Raimundo Madrazo y Ricardo Madrazo,

y bisabuelo de Mariano Fortuny y Madrazo. Federico Madrazo

fue pintor de cámara de la reina Isabel II,

del mismo modo que su padre había sido pintor de la Corte con Fernando VII.

Pintó retratos, sobre todo del mundo aristocrático y de la cultura,

Gozó de gran prestigio y tuvo diversos aprendices, como los franceses Léon Bonnat y Gérôme.

Su hija Cecilia fue madre del también pintor Mariano Fortuny y Madrazo Luís (1825-1897) participó en varias Exposiciones Nacionales de Bellas Artes,

viajó a lo largo de varias ciudades europeas, y cultivó la pintura de historia y el retrato.

Pedro (1816-1898) fue crítico de arte, pintor,

uno de los grandes nombres de la historiografía de la pintura del siglo XIX

y autor de los catálogos oficiales de la pintura del Museo del Prado.

34 Gérôme Pollice Verso

 

Franz Xaver Winterhalter

fue un pintor y litógrafo alemán especialmente conocido por sus retratos de la realeza

realizados a mediados del siglo XIX.

Entre sus obras más conocidas se cuentan La Emperatriz Eugenia

rodeada de sus damas de compañía (1855) y los retratos hechos a la emperatriz Isabel de Austria, popularmente llamada Sissí (1864). En París, Winterhalter se convirtió pronto en pintor de moda. Fue nombrado pintor de la corte del rey Luis Felipe de Francia,

hábil combinando el retrato y la lisonja

e intensificando la ostentación oficial con la moda moderna.

El propio Winterhalter consideraba sus primeros encargos reales un interludio

antes de regresar a la pintura artísticamente respetable desde un punto de vista académico,

pero fue víctima de su propio éxito y, durante el resto de su vida,

trabajaría casi exclusivamente como pintor de retratos..

Winterhalter se convirtió en una celebridad internacional

que disfrutaba del mecenazgo de la realeza.

35 José de Madrazo y Agudo

 

 

Reino Unido: El movimiento prerrafaelita:

 

John Everett Millais, Dante Gabriel Rosseti, William Holman Hunt, etc.

 

 

  • 14.1 Analiza la obra pictórica del movimiento prerrafaelita.

La Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelite Brotherhood)

fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres

por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt.

La Hermandad duró como grupo constituido apenas un lustro,

pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX.

Se utiliza el término prerrafaelismo para caracterizar al movimiento pictórico que representan.

Los autores de esta corriente se inspiraron básicamente en el estilo artístico

que se dio antes del maestro Rafael, de ahí el nombre que tomaron estos artistas,

basándose en los autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento

y asuntos aún más antiguos, medievales principalmente, leyendas arcaicas e incluso,

como en el caso del pintor Lawrence Alma-Tadema, pasajes de la época clásica de Grecia y Roma. La elección de este nombre recuerda

que el grupo focaliza su crítica en torno a un cuadro de Rafael (1483-1520),

La Transfiguración (1518-1520, museos del Vaticano),

del que Hunt decía que “debería ser condenado por su inmenso desprecio de la sencillez

de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud, poco espiritual del Salvador”.

Querían volver a una forma de arte, acorde con la que existía antes de Rafael,

libre de cualquier amaneramiento académico.

El arte medieval, y en particular aquel de los primitivos italianos,

es el que designan como modelo de pureza y de libertad.

características:

  • Expresar ideas auténticas y sinceras;
  • Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas;
  • Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero,

descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria;

  • Y, lo más importante de todo, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.
  • La búsqueda de la perfección en el detalle y el preciosismo representativo

se conjugan con nuestra imaginación y nos hacen huir de la realidad

para sumergirnos en mundos perdidos, de exquisita sensibilidad y muy atractivos.

  • Interés por la luminosidad de la pintura y la intensidad del color.

 

37 John Everett Millais, Ofelia

Ejemplos: Autor: John Everett Millais, Ofelia (1852),

Tate Britain, Londres Todas sus obras de este período están realizadas con gran atención

por los detalles, destacando a menudo la belleza y complejidad del mundo natural.

En pinturas como Ofelia (1852), Millais creó superficies pictóricas densamente elaboradas basándose en la integración de elementos de la naturaleza.

Este procedimiento ha sido descrito como una especie de «ecosistema pictórico».

 

38 Dante Gabriel Rossetti

Dante Gabriel Rossetti sus cuadros muestran algunas de las cualidades realistas

del movimiento prerrafaelita temprano. Pinta Ecce ancilla Domini!,

una representación de la Anunciación que exaltaba la pureza.

Es una interpretación moderna de la Virgen María y de la Anunciación,

en la que María es representada como una adolescente indiferente y atemorizada.

 

 

William Holman Hunt Todas sus pinturas concedían una gran atención al detalle,

y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso,

a menudo inspirado en los textos bíblicos.

Obra El pastor.

 

Diseño

 

Fortuny

 

11.1. Reconoce los trabajos de diseño y vestuario

de Mariano Fortuny y Madrazo.

Su padre era el genial pintor español Mariano Fortuny y su madre, Cecilia de Madrazo,

también provenía de una familia de artistas pues era hija del también pintor Federico de Madrazo

y hermana de Raimundo de Madrazo. Su abuelo, Federico de Madrazo

A los tres años de edad su padre falleció y su madre decidió trasladarse

con sus hijos y su hermano Raimundo a París. Estudió dibujo y química en Francia y Alemania.

En 1888 se mudó al palacio Martinego, en Venecia,

donde se interesó por la gran colección de tejidos antiguos atesorada por su familia.

Hacia 1906 abrió su taller en el Palacio Pesaro degli Orfei junto a su esposa

y creó telas y trajes originales utilizando técnicas secretas.

Entre 1909 y 1910 Mariano registró dos patentes en París.

En 1911 creó la sociedad Mariano Fortuny para comercializar tejidos

y para imprimir mecánicamente papeles pintados, fotografías y tejidos,

a excepción del terciopelo y la seda. Movido por sus inquietudes artísticas desde joven,

Fortuny viajó por toda Europa a la búsqueda de artistas que admiraba,

entre ellos el compositor alemán Richard Wagner.

Su talento abarcó también la investigación en diferentes campos,

como en pintura, fotografía, escultura, arquitectura, escenografía

o técnicas de iluminación para artes escénicas.

Ejemplo de su diseño de vestuario es el vestido Delfos

( sus pliegues recuerdan al Auriga del Delfos)

que revolucionó la moda en las primeras décadas del siglo XX

Diseñó también lámparas de seda y metal. Y estampados sobre tela.

40 Mariano Fortuny vestido Delfos

 

40 mariano fortuny El pastor

El movimiento “Arts and Crafts”, William Morris.

 

Mas sobre arts and crafts

 

12.1. Explica el movimiento “Arts and Crafts” inglés 1850-1900

Liderado por William Morris es un movimiento del diseño y artes decorativas

que reacciona frente a la producción industrial y a la moda victoriana.

 

Características:

Creencia en la superioridad de la producción artesanal sobre la producción mecanizada,

que se ve como algo degradante para el creador y el consumidor.

Simplicidad de las formas, Volúmenes llanos y lineales.

Primera fase: inspirada en formas vegetales, animales y naturaleza.

Segunda fase: más abstracta inspirada en el movimiento y figuras míticas.

Regreso a los gremios como único modo de garantizar la dignidad de los objetos.

Rechazo de  máquina. Retorno a la Artesanía.

Búsqueda de honradez, sencillez, moral, religión, ética.

41 William Morris Ecce ancilla Domini

41 William Morris Burne-Jones

 

41 William Morris The Chaucer

 

13.1. Comenta los planteamientos estéticos de William Morris.

Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad Prerrafaelita,

movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura,

y propugnaba un retorno a la artesanía medieval,

considerando que los artesanos merecían el rango de artistas.

Con Webb construyó la Red House, que fue su regalo de boda para Jane Burden.

En los años siguientes (1857-62) se convirtió en pintor profesional.

Con su experiencia en arte y arquitectura fundó, en 1861,

junto con Dante Gabriel Rossetti, Burne-Jones, Madox Brown

y Philip Webb, Morris, Marshall, Faulkner & Co.,

una empresa de arquitectura y diseño industrial que él personalmente financiaba.

Mediante esta empresa, Morris creó un “revival” cultural en la Inglaterra victoriana

que se basaba en las artes y los oficios de la época medieval

como paradigma de la primacía del ser humano sobre la máquina

y a la vez de un trabajo hecho atendiendo a las más altas cotas de expresión artística.

Morris se preocupó intensamente en preservar las artes y oficios medievales

abominando de las modernas formas de producción en masa.

El movimiento de artes y oficios pretendía volver a la manufactura artesanal

contrastada con la producción industrial de la época

y así hacer llegar la cultura a las áreas menos pudientes de la sociedad.

Lo que se le reprochó fue que los productos llegaron a ser tan complejos

en su fabricación que solo las clases altas pudieron adquirir los ejemplares.

 

Obras:

Tapiz del pájaro carpintero, para muchos el mejor tapiz de los realizados por Morris en alto lizo. La inscripción en letras góticas arriba y abajo del marco son de un poema del propio.

Las vidrieras dieron gran renombre a Morris and Company.

Rey Arturo y Lanzarote del Lago, pertenecientes a una serie sobre la Muerte de Arturo.

Los papeles pintados de Morris alcanzaron una alta reputación.

Sus diseños florales sobre el Honeysuckle,(madreselva) de una particular suavidad cromática.

En diseño gráfico, editorial: funda Kelmscott Press en 1891 donde produce trabajos originales

(The Story of Sigurd the Volsung, The fall of the Nibelungs, etc),

así como reimpresiones de los clásicos, siendo su obra más conocida The Chaucer

que fue ilustrado por Burne-Jones.

Morris estudió al detalle el arte del período medieval y

por ello no es sorprendente que sus famosas iniciales y bordes de los libros

 

15.1. Identifica la técnica del retrato utilizada por Nadar.

Gaspard-Félix Tournachon más conocido como Nadar,

fue un fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta francés.

Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica

que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas

de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire.

Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.

Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero,

pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos

que le alejaban de los criterios más comerciales,

pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico.

En todo momento se negó a colorear los retratos,

así como a practicar cualquier tipo de retoque.

También renunció a la utilización de elementos de atrezzo.

Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo–

y del gesto –mirada y actitud de los modelos

favorecida por la relajación de los amigos fotografiados–,

como elementos principales de la fotografía.

Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo.

Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva,

no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura.

En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado razón

por la cual se prescinde de adornos superfluos.

En aras del realismo, desprecia el coloreado de las imágenes o su retoque

buscando con ello una mayor claridad.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858,

realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático.

Esta innovación tuvo un gran interés militar.

 

En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos

para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna.

También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial

consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

 

 

 

 

 (Grandes genios e inventos de la humanidad. La fotografía)

 

El retrato fotográfico.

  (Historia de la fotografía. El retrato)

 

 

16.1. Compara el retrato en pintura con el retrato coetáneo en fotografía.

La daguerrotipia y las formas originarias de fotografía

como el calotipo adoptaron rápidamente el género del retrato.

“La fotografía por su propio derecho tuvo un impacto decisivo en la historia del retrato..

“La fotografía no relegó el retrato a la obsolescencia, sino que expandió todo su potencial.” Inicialmente la falta de sensibilidad de las placas

provocó que los retratos implicaran largas tomas de hasta quince minutos de exposición.

Sin embargo cuando aparecieron otros procedimientos como el colodión húmedo

los tiempos para obtener la exposición fueron reduciéndose cada vez más,

acelerando el proceso.

En cuanto a lo estético, los primeros fotógrafos echaron mano de los estilos e ingredientes

del retrato utilizados por la pintura. El éxito de la fotografía de retrato fue inmediato.

Su primer impacto fue la democratización del retrato: “…

este nuevo proceso hizo que la creación de este tipo de imágenes

fuera mucho más accesible y abierta al público en general.

En The Photographic News de 1858 se leía “El retrato ya no es el privilegio de los ricos.” Efectivamente, en aquel entonces un daguerrotipo costaba 50 centavos la imagen,

el equivalente a media jornada de trabajo. Aunque no era barato,

resultaba mucho más accesible que una pintura.

Las damas de la alta sociedad eran retratados por los grandes maestros del retrato pictórico

Mientras que las damas Burguesas utilizaban la fotografía

en sus Carté de Visita popularizadas desde 1854

Ingres, a pesar de firmar en 1862 una “Protesta de los grandes artistas

en contra de cualquier asimilación de la fotografía al arte”,

no hace ascos para posar de vez en cuando delante del objetivo.

El auge del retrato fotográfico significó para los pintores un golpe importante,

como lo explica John Berger: “…

los pintores y sus mecenas se inventaron una serie de cualidades misteriosas,

metafísicas, con las que demostrar que lo que ofrecía el retrato pictórico era incomparable.

Sólo un hombre podía interpretar el alma de la persona retratada;

una máquina (la cámara) nunca podría hacerlo […] Todo ello es doblemente falso.

En primer lugar, niega el papel interpretativo del fotógrafo, que es considerable.

En segundo lugar, otorga a los retratos pictóricos una percepción psicológica

que está ausente en el noventa y nueve por ciento de ellos.

El siglo XIX vio florecer a una nueva capa social: la naciente clase media.

A mediados del siglo XIX el retrato no era únicamente de individuos:

se estaba conformando una gran estampa de esta nueva clase media como grupo social.

La rápida evolución de la técnica fotográfica hizo que , a mediados del siglo XIX,

surgieran diferentes tendencias a la hora de interpretar su finalidad.

Podemos distinguir dos corrientes principales: purismo mientras que , para algunos,

la fotografía debía limitarse a registrar, con la mayor objetividad, lo que tenía delante.

Es el origen de la fotografía documental.

Para otros , la fotografía requería de tanta intervención como la pintura pictorialismo :

elección del modelo, composición, acabados , luz.

Además, una vez tomada, el artista personalizaba el revelado , intervenía en él.

De esta forma se creaba una imagen personal y única, que , a pesar de tener un negativo,

nunca daba lugar a dos copias iguales.

 

Es la fotografía como arte.

A los fotógrafos que defendían la individualidad de cada creación fotográfica se los englobó dentro de un movimiento que se llamó pictorialismo. Relacionaba pintura y fotografía ,

de manera que los fotógrafos intentaban imitar a la pintura

copiando composiciones, motivos, efectos y acabados.

Pero como veremos, también la pintura acabó recibiendo influencias de la técnica fotográfica

y valiéndose de sus posibilidades El pictorialismo se desarrolló sobre todo en Francia,

Inglaterra y Austria y desde allí pasó a Estados Unidos.

En cada uno de estos países tomó características propias.

 

43 hermanos Lummier

17.1 Describe el contexto general en el que surge la cinematografía

y a sus pioneros. los hermanos Lummier

La historia del cine como espectáculo comenzó en París, Francia, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos.

Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho,

desde el primitivo cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI.

Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo,

estuvo muy cerca también de inventar el cine,

al patentar el kinetoscopio solo permitía funciones muy limitadas.

Inspirándose en éste e integrándolo a diversos inventos y descubrimientos de la época,

como el rollo de fotos de Eastman, con antiguos conocimientos como la persistencia retiniana (consiste en que una imagen cuando es capturada por la retina, queda fija unos breves instantes,

al ocurrir esto el cerebro se encarga de unir una imagen con la siguiente,

hasta que se logra la sensación del movimiento),

los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo:

este dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección

y hasta el copiado de imágenes en movimiento;

el espectáculo público derivado de la exhibición del funcionamiento del aparato.

La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895, en París,

y consistió en una serie de imágenes documentales,

de las cuales se recuerdan aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica

(propiedad de los mismos Lumière), y la de un tren (en la estación de La Ciotat)

que parecía abalanzarse sobre los espectadores,

ante estas imágenes las personas reaccionaron con un instintivo pavor,

creyendo que el tren los atropellaría.

La función de las primeras “películas” era mayormente documental,

con el agregado del movimiento.

 

44 imagen_cabiria

 

Melíes, Segundo Chomón así como el nacimiento del cine americano.

 

George Méliès,

un ilusionista que en principio, usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, pero luego los desarrollaría en el cine, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales.

Su obra más conocida es El viaje a la luna (1902).

44 Segundo Chomón

 

Segundo de Chomón

(Teruel, 17 de octubre de 1871 – París, 2 de mayo de 1929), fue un cineasta español.

Destacó como director pionero del cine mudo

y técnico de trucajes en películas como Cabiria (1914), de Giovanni Pastrone

—conocido por su seudónimo Piero Fosco—,

o Napoleón (1927), de Abel Gance.

Frecuentemente comparado con Méliès, por su gran calidad técnica y creatividad

fue considerado uno de los grandes hombres del cine de su tiempo,

siendo contratado por las más importantes empresas cinematográficas de la época,

como la Pathé Frères o la Itala Films.

 

44 Melíes

 

El primer gran éxito del cine estadounidense,

así como el logro experimental más largo hasta el momento, fue El gran atraco al tren,

dirigida por Edwin S. Porter. En los albores de la industria cinematográfica estadounidense,

Nueva York fue el epicentro de los cineastas.

mejor clima de Hollywood durante todo el año lo convirtió en una mejor opción para rodar.

Nacimiento del cine americano.

El punto de partida para el cine estadounidense fue Griffith con The Birth of a Nation

que fue pionera en la filmación de vocabulario que todavía domina el celuloide hasta el día de hoy. El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine,

supone su consagración como espectáculo de masas

(triunfó tanto que se construyeron salones de proyección mas grandes)

Ya en 1913 declararon a Griffith como el “padre del cine“.

Estudios recientes y el descubrimiento de varios filmes (Brighton Conference),

demostraron que aunque una amplia variedad de realizadores

trabajaban en explorar nuevas técnicas narrativas y estéticas para el cine

en Francia, Italia, Estados Unidos

ninguno sistematizo los diversos descubrimientos en un lenguaje cinematográfico.

Su imaginación y su gran destreza detrás de las cámaras

lo hacen el director más importante del mundo en esa época.

Durante el periodo en que el cine comenzaba se crearon tres tipos de discurso cinematográfico:

El discurso de los Lumière.

Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza),

al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época.

 

El discurso de Méliès.

Aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares, dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico.

 

El discurso de Griffith.

Combina la imagen cinematográfica con el discurso propio de la novela decimonónica,

dando así nacimiento al relato cinematográfico.

 

18.1. Reconoce la obra musical de los países eslavos:

Alexander Borodín, Modesto Músorgski, Piotr Ilich Tchaikovski, Bedřich Smetana.

El nacionalismo musical El material melódico de la música folklórica europea

está muy relacionado con la música culta,

especialmente con el movimiento conocido como Nacionalismo Musical (NM),

originado en la segunda mitad del siglo XIX,

a través del cual los compositores de varias naciones europeas

intentaron que su música expresara en grado sumo sus peculiares sentimientos,

desafiando así el general predominio de la música germana

(monopolizadora en el campo instrumental) e italiana (dominadora en la ópera);

supuestamente, reaccionando también contra la aculturación francesa

que impuso la huella napoleónica.

 

PAÍSES ESLAVOS

Los compositores rusos del siglo XIX se caracterizan por aprovechar su patrimonio

folklórico y espiritual para rebelarse contra la colonización cultural

de que eran objeto a través de sus clases dirigentes.

La vieja aristocracia rusa y el campesinado constituían elementos muy sugerentes

para aquellos que deseaban hacer una ópera auténticamente nacional que se extendería por la actual Chequia, Bohemia, Finlandia. Entre otros, destacaron los siguientes autores:

Precedente :

Mijail Glinka (1804-1857) Una vida por el Zar. Russlan y Ludmila.

Alexander Borodin (1833-1887) El príncipe Igor.

Nicolai Rimsky-Korsakoff (1844-1908)

Sadko. La doncella de la nieve. El gallo de oro.

Modesto Mussorgsky (1839-1891) Boris Godunov.

Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893) Eugenio Oneguin. La dama de los tres naipes.

Bedrich Smetana (1824-1884) La novia vendida. Dalibor.

 

Danza: Tchaikovsky (El lago de los cisnes).

 

(Ballet de Moscú)

56 El lago de los cisnes de Tchaikovski

 

19.1. Analiza el ballet “El lago de los cisnes” de Tchaikovski

El lago de los cisnes es un cuento de hadas-ballet estructurado en cuatro actos,

que fue encargado por el Teatro Bolshói en 1875 y se estrenó en 1877.

La música fue compuesta por Piotr Ilich Tchaikovski; es el primero de sus ballets.

En la producción original la coreografía fue creada por Julius Reisinger.

Thaikovski (poco familiarizado con la composición de ballets) trabajó de forma rápida,

innovadora y despreocupada en una partitura que terminaría desconcertando a Reisinger.

Todo ello hizo que la obra no fuese bien aceptada ni por el público ni por la crítica

la cual se expresó con palabras como “difícilmente se convertirá en un ballet de repertorio

y nadie lo va a lamentar” Sin embargo, el 15 de enero de 1895

en el Teatro Mariinski de San Petersburgo esta misma obra logra su primer gran éxito

con una nueva coreografía a cargo de Marius Petipa y Lev Ivanov.

Se basa en una leyenda germánica que cuenta cómo unas jóvenes son convertidas en cisnes

por un malvado mago, Von Rothbard. Por las noches recuperan su forma humana.

El príncipe Sigfrido, que en el primer acto ha celebrado su cumpleaños,

sale de caza con sus amigos y se encuentra con Odette,

la reina de las muchachas convertidas en cisnes, quien le cuenta su triste destino

y el de sus compañeras de hechizo. Le confiesa que sólo una promesa de amor

que llegue hasta el matrimonio podría acabar con el encantamiento.

Sigfrido jura hacer esa promesa en la fiesta que se celebrará al día siguiente en el palacio

en la que él tiene que elegir esposa. En el Acto III, que se desarrolla en palacio,

tras la entrada de las princesas aspirantes a ser elegidas como esposas de Sigfrido,

los heraldos anuncian una visita inesperada. Entre los invitados,

Sigfrido cree reconocer a Von Rothbard y a Odette,

pero en realidad el mago ha traído a su hija Odile, disfrazada de Odette, pero vestida de negro

(en este momento se ejecuta el famoso “Paso a dos del Cisne Negro”).

Sigfrido, sin darse cuenta del engaño, jura su amor a la que él cree ser Odette

y traiciona a su verdadera amada, a la que ve llorando a través de una de las ventanas de palacio. Von Rothbard y su hija han triunfado. En el IV y último Acto,

Odette ha decidido morir antes que seguir siendo un cisne para siempre.

En esto llega Sigfrido y le pide perdón, pero ya es demasiado tarde.

Los dos deciden morir ahogados en el lago y con este sacrificio librar a sus compañeras del hechizo. Así lo hacen y en la “Apoteosis” ambos son conducidos en un carro tirado por cisnes a la eternidad.

 

45 Edwin S. Porter El gran atraco al tren

 

20.1. Comenta la música popular española:

la Zarzuela.

La zarzuela es una obra teatral en la que se alternan escenas habladas con otras cantadas.

Origen de la zarzuela.- El término “zarzuela” está relacionado con el nombre de un pabellón real

de caza, cercano a Madrid, denominado “la Zarzuela”, por ser un lugar donde abundaban las zarzas. El rey Felipe IV, en las veladas que tenían lugar en la Zarzuela,

querría que las obras de teatro que se representaban para él tuvieran abundantes partes musicales. Así surgieron las primeras zarzuelas, representaciones teatrales breves

en las que se incluían números musicales cantados.

Las primeras zarzuelas datan del siglo XVII y en ellas se alternaban

los pasajes cantados con otros hablados. los temas eran populares o costumbristas.

Sebastián Durón y José Nebra fueron dos de los principales compositores del género escénico.

A partir del siglo XVIII la zarzuela entra en decadencia

debido a la llegada de compañías de ópera extranjeras.

Aún así, se siguieron componiendo zarzuelas:

“Las segadoras de Vallecas”, “Los jardines de Aranjuez”,…

La segunda mitad del siglo XIX es la época dorada de la zarzuela,

ya que resultaba más atractiva para el público, que la ópera.

Es precisamente a lo largo de ese siglo cuando se asentaron las características de la zarzuela

tal como la conocemos hoy Alternancia de pasajes hablados con otros cantados. .

Tratamiento de las voces similar al de la ópera,

pero con menos exigencias técnicas para poder centrarse en los aspectos expresivos.

El personaje principal masculino suele ser un barítono.

Existe también la figura del tenor cómico, con un timbre característico y propio del género.

Temas populares, con abundantes pasajes humorísticos,

generalmente relacionados con el ambiente rural o con ambientes “castizos” urbanos,

que hacen que el público se sienta identíficado con el argumento.

Números coreográficos. corta duración.

La música, en ciertas ocasiones, se inspira en el folklore español.

La zarzuela, al contrario que la ópera, no tiene “recitativos”.

A las “arias” en la zarzuela se les denomina romanzas.

Se suele considerar el estreno de “Colegiatas y soldados”, de Cristóbal Oudrid y Rafael Hernando (1849) como el punto de arranque de la zarzuela moderna.

 

  • 21.1. Identifica los fragmentos más populares de la Zarzuela española.

La zarzuela moderna se suele clasificar en dos subgéneros:

La zarzuela , nacida en torno a 1850, tiene como principal representante a BARBIERI, con obras tan famosas como: “El barberillo de Lavapiés“, “Jugar con fuego“,…

La zarzuela grande se caracteriza por: . Además de los temas populares,

incorpora los de carácter histórico. El coro adquiere gran importancia.

Al igual que la ópera, está dividida en varios actos, con intermedios orquestales,

movimiento de coros y un amplio despliegue orquestal.

El género chico surge a finales del siglo XIX, cuando la zarzuela vuelve a entrar en crisis.

Ruperto Chapí (“La Revoltosa“), Federico Chueca (“La gran Vía”), Tomás Bretón (“La verbena de La Paloma”) y Manuel Fdez. Caballero (“Gigantes y cabezudos”) son algunos de sus compositores más conocidos. Sus principales características son :

. Cuenta con un solo acto.

. El coro tiene menos importancia que en la zarzuela grande.

. Incorpora ritmos, armonías y danzas propias de la música folklórica española.

. Tiene preludio u obertura orquestal, como en la ópera.

El preludio es la pieza instrumental con la que comienza un acto en una zarzuela.

Es común que el preludio recoja algunos de los temas

que van a aparecer a lo largo de la acción musical

.Temas populares

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


Bloque 4. El Modernismo-Art Nouveau

índice BLOQUE 4. EL MODERNISMO-ART NOVEAU

La fantasía arquitectónica del fin de siglo: El Art Nouveau.

Características principales del Art Nouveau francés.

El movimiento en Europa: Modernismo, Jugendstil, Sezession, Liberty.

La arquitectura modernista europea. Víctor Horta.

El modernismo catalán. La obra de Gaudí.

Escultura. La obra de Josep Llimona.

El cartel publicitario en Cataluña. Alexandre de Riquer.

El mobiliario modernista.

La revolución en el vidrio. Los jarrones de Émile Gallé.

Las lámparas de colores de Louis Comfort Tiffany.

El esmalte en la joyería. La obra de Lluís Masriera.

 

Bloque 4. El Modernismo-Art Nouveau

 

(El nacimiento del Art Nouveau en Nancy)

1.1. Identifica los elementos diferenciadores del arte modernista

frente al geometrismo del art decó y los neoestilos anteriores.

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística

desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx,

durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque.

Las diferentes denominaciones que tiene en distintos países

hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno,

que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época,

tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo)

como los rupturistas (realismo o impresionismo).

En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza

a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial,

como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro

de mediados del siglo XIX.

 

* La utilización habitual de los términos modernism (en inglés) o modernisme (en francés)

no se refiere a este movimiento artístico, sino genéricamente a las vanguardias o al arte moderno.

 

Características:

– Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural

pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico

entrelazándose con el motivo central.

– Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios

como en la decoración.

– Tendencia a la estilización de los motivos,

siendo menos frecuente su representación estrictamente realista.

– Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles,

con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos

y los pliegues de las vestimentas (drapeado).

– Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos,

llegando hasta el erotismo en algunos casos.

– Libertad en el uso de motivos de tipo exótico,

sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas,

como por ejemplo el uso de estampas japonesas.

– Aplicación envolvente del motivo

tomando alguna de las características anteriormente mencionadas

en contraposición con las características habituales del elemento a decorar.

El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora

 

2.1. Comenta la duración cronológica y extensión geográfica del modernismo.

 

Duración modernismo: se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del xx,

durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque.

Desde 1880 hasta 1920 que comienza el Art Decó.

La Exposición Universal de París (1900) significó un hito destacado.

Fueron especialmente impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color)

de obras de arte junto a muebles y tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de l’Art Nouveau

Extensión geográfica: En distintos países recibió diversas denominaciones:

Art Nouveau –en Bélgica y Francia–,

Jugendstil –en Alemania y países nórdicos–,

Sezession –en Austria–,

Modern Style –en los países anglosajones EEUU , Reino Unido–,

Nieuwe Kunst –en Países Bajos– y

Liberty o Floreale –en Italia–.

Modernismo -en España y en Latinoamérica.

 

2.2. Explica el modernismo en Europa:

 

Art Nouveau, Liberty, Sezession, Jugendstil.

El modernismo es un arte burgués, muy caro,

que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes.

Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales.

Este movimiento utiliza las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan

a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores

y las forjas de las rejerías, etc..

Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo único característico del modernismo sino la profusión de motivos decorativos.

La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.

 

Art Nouveau

El modernismo arquitectónico nace en Bélgica

donde se le dará el nombre de art nouveau con la obra de Goh Ver Wayans y Victor Horta.

La ondulación de los tejados y fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado,

los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la decoración

y de cada elemento arquitectónico y de mobiliario del interior son características de sus obras:

de Van de Velde es la casa Bloemenwerf;

la casa Bloemenwerf

y de Horta la casa Solvay

(especialmente su característico interior de diseño muy recargado, con lámparas,

papel pintado, vidrieras, etc.),

la casa Tassel, la Casa del Pueblo y la Casa van Eetvelde, todo ello en Bruselas,

La_casa_Tassel

LaCasadelPueblo

así como el Gran Bazar de Fráncfort.

 

(La casa de hierro. Victor Horta)

 

1 Victor Horta

 

La Secesión vienesa (también llamada Secessionsstil, o Sezessionsstil en Austria)

formó parte del muy variado movimiento actualmente denominado modernismo.

Fue fundada en 1897 por un grupo de 19 artistas vieneses

que había abandonado la Asociación de Artistas Austriacos.

Como proyecto de renovación artística,

trataba de reinterpretar los estilos del pasado ante los embates de la producción industrial

que estaban desnudando estructural y estéticamente la realidad del arte y la sociedad de la época.

Su primer presidente fue Gustav Klimt.

Tiene unas características que le diferencian de otros modernismos:

en la secesión, aunque se busca la elegancia, predomina la sobriedad formal,

cierta severidad, en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo.

 

Jugendstil.

El Jugend dio nombre al Modernismo en Alemania, pues allí se conoce como Jugendstil,

y está considerada una publicación relevante para el arte y la literatura del cambio de siglo.

Sin embargo, el contenido y la orientación del Jugend no se redujo, en su auge, al Jugendstil.

Junto a las ilustraciones modernas y ornamentadas los textos satíricos

críticos desempeñaron un papel importante en la publicación.

Una obra representativa del Jugendstil será la renovación de la fachada del estudio fotográfico Elvira, de Munich, de August Endell (1871-1925)..

Por otro lado, la adopción por parte del Jugendstil de métodos de producción más industrializados sentó las bases de la evolución del diseño alemán, hacia una vertiente racionalista,

impulsada desde el Werkbund y posteriormente desde la Bauhaus.

Hermann Obrist, escultor y diseñador. Fundó una escuela de diseño en Múnich.

Hermann Obrist

Diseñó los bordados Cyclamen, telas para decoración de paredes

con un característico motivo de curvas » o «curva de latigazo»

 

En Reino Unido- Modern Style- Liberty

pueden considerarse dentro del modernismo arquitectónico Charles Rennie Mackintosh..

Los planteamientos de Mackintosh son originales

y aportan nuevas soluciones a sus problemas arquitectónicos.

Son características las formas prismáticas y octogonales.

Es el arquitecto modernista más sobrio en los exteriores,

lo que le vale ser un precursor del racionalismo arquitectónico.

Diseña muebles y joyas, y construye la Escuela de arte de Glasgow.

El Liberty (en inglés, libertad) Procede esta denominación de los almacenes londinenses

“Liberty & Co.” que, gracias al apoyo a los diseñadores de este nuevo estilo

suministraron a finales del siglo XIX objetos pertenecientes a este movimiento

en Italia desde Inglaterra, dando a conocer la tendencia

 

Este hecho ha provocado que Liberty sea tenido por un sinónimo.

Por un lado de Floreale (en italiano, floreal), como el desarrollo de este estilo en Italia,

conocido a través de su introductor El nuevo estilo encuentra en Italia una dificultad

más ligada a la mitología nacionalista que impregna la vida política y cultural.

La resistencia de los académicos, el apego a los estilos del pasado

y la defensa de identidad nacional, hicieron que el Modernismo en Italia durara poco tiempo.

Pietro Fenoglio, arquitecto italiano, construye su propia casa en una esquina,

Rogent y Amat

con líneas dinámicas y ligeras, propias del Art Nouveau francés y belga: la forma de las ventanas, las barandas de los balcones y la saliente del cuerpo angular de la construcción,

muestra un completo proyecto que llega al interior de la vivienda, en donde todos los muebles y objetos de decoración fueron diseñados por el mismo Fenoglio

 

La arquitectura modernista en España,,

Fué en Barcelona donde el modernismo tuvo mayor importancia.

Los arquitectos modernistas catalanes (Rogent y Amat, Domenech y Montaner

Domenech y Montaner

–El Palau de la Musica- , Puig y Cadafalch…) desarrollaron un lenguaje propio,

del que partió Antonio Gaudí para desarrollar su particular universo artístico, muy personal.

Con algunos ejemplos en Madrid, sí tuvo desarrollo en otras zonas

(Cartagena y La Unión, Alcoy, Valencia, Ávila,

Zamora, Zaragoza, el Bajo Aragón, Ceuta, Melilla, ,

en Salamanca como el Museo de Art Nouveau y Art Déco Casa Lis,

algunas de las casas de indianos de la zona cantábrica,Canarias) o

en Mallorca: El Gran Hotel, Can Forteza-Rey, Almacenes el Águila,

Forn Fondo, Can Casasayas o Can Corbella.

 

3.1. Compara la obra arquitectónica de Antonio Gaudí, Víctor Horta y Adolf Loos Víctor Horta:

Las cuatro casas – la Casa Tassel, la Casa Solvay, la Casa van Eetvelde

 

Stitched Panorama

 

Mallorca El Gran Hotel

 

y la Casa-taller de Horta – están situadas en Bruselas

y fueron realizadas por el arquitecto Victor Horta,

 

uno de los iniciadores del Modernismo a finales del siglo XIX.

Estas obras significaron una revolución estilística caracterizada por el plano abierto,

la difusión de la luz y la brillante

integración de las líneas curvas en la decoración y en la estructura del edificio.

Las cuatro casas de Victor Horta

fueron inscritas en el Patrimonio de la Humanidad de la Unesco el año 2000

La Casa Tassel Es una de las primeras construcciones del arquitecto .

Fue una obra faro ya que rompió la disposición clásica de las habitaciones

en las residencias de Bruselas.

En ellas, la puerta de entrada se encontraba siempre al lado de la fachada

y se prolongaba hacia el interior por un largo pasillo lateral

permitiendo entonces acceder a las tres partes que siguen una a continuación de la otra:

el salón en el lado de la calle, el comedor en medio y el patio cubierto al lado del jardín.

Víctor Horta puso la puerta de entrada en medio de la fachada,

colocó el pasillo en la zona central de la casa

y sacrificó el centro de la casa para instalar un pozo de luz.

 

La_casa_Tassel

Casa Solvai:

La fachada es simétrica

hasta el momento en que alcanza el nivel situado en torno a la puerta-ventana de la planta principal. Esta puerta da acceso a un balcón y está flanqueada por dos miradores.

En la fachada se pueden encontrar los materiales favoritos de Horta:

el vidrio, el hierro y la piedra natural.

Dentro, una primer escalera, provista de una barandilla en metal dorado,

conduce desde la planta baja a la planta principal donde se encuentran los espacios de recepción. Estos espacios están separados unos de otros por mamparas esmaltadas

que pueden abrirse para crear un enorme espacio continuo en casi toda la superficie de la casa.

Esta escalera está culminada por una impresionante vidriera

 

cuya curvatura garantiza también una distribución óptima del aire caliente

proporcionado por las bocas de calefacción situadas al pie de la escalera.

Bajo esta vidriera, una segunda escalera, permite alcanzar los pisos superiores,

donde se encuentran las habitaciones y salas de baño.

Casa Solvai

 

Museo Horta

Los dos edificios que componen esta casa se construyeron entre 1898 y 1901.

Aunque fueron concebidos juntos y se comunican interiormente,

tienen cada uno su propia individualidad, distinguiendo la casa privada de la casa del taller.

La vivienda privada incluye dos escaleras: la escalera principal

destinada a los propietarios e invitados, y una escalera de servicio.

Pero lo más notable es la estructura interna de la vivienda privada:

no se divide realmente en plantas, ya que la subida se hace progresivamente.

Y ello, combinado con la casi ausencia de paredes de separación,

abre perspectivas variadas, además de las horizontales,

que contribuyen a dar la impresión de una casa mucho más amplia que lo que realmente es.

 

1 Victor Horta

 

Construcciones modernistas en Galicia

 

 

El modernismo catalán. La obra de Gaudí.

 

Antonio Gaudí, parque guel

 

Gaudí:

su obra puede calificarse sin duda ninguna como un modernismo

fuertemente impregnado de referencias “historicistas”, incluso románticas,

sin duda ninguna exóticas… en la construcción se ven claras influencias neogóticas

(el Palacio Arzobispal de Astorga es un buen ejemplo) y neomudéjares

(pueden verse por ejemplo la Casa Vicens en Barcelona o El Capricho en Comillas),

y en la decoración puede hablarse de naturalismo, con referencias copiadas del natural.

En 1900 empieza la etapa que podemos llamar de “madurez” de su obra y de su prestigio.

Empieza recibiendo el premio del Ayuntamiento de Barcelona, precisamente por esa Casa Calvet, diseña la puerta de la Finca Miralles en Sarrià, empieza a edificar la Casa Sagués en Bellesguard, inicia en Montserrat una estación del Rosario Monumental,

y, sobre todo, comienza una de sus mayores obras, el Parque Güell.

Lo que tenía que ser una urbanización privada de sesenta viviendas queda reducida a unas pocas

y a la urbanización general del entorno.

Casa Batlló

Hasta 1910 desarrolla varios de sus proyectos más importantes, destinados a hacerse famosos:

la reforma de la Casa Batlló y, en el mismo Paseo de Gracia,

la construcción de la Casa Milà, la famosa Pedrera.

En el conjunto de la obra no eclesiástica de Gaudí no cabe duda de que La Pedrera

es el máximo exponente de sus ideas imaginativas, exuberantes, y totalmente originales.

La unión entre el soporte arquitectónico y la decoración que este sustenta

se desarrolla con la máxima profundidad, y en el reino de la curva

la Casa Milà

 

que constituye esta construcción paradigmática se revela lo más personal de Gaudí,

uno de los arquitectos más “personales” entre todos los modernistas.

También en esta “década prodigiosa”, mientras sigue trabajando en La Sagrada Familia,

inicia las obras que llevará a cabo en la Colonia Güell en Santa Coloma de Cervelló,

desde el punto de vista técnico, el diseño de la iglesia

presenta unas dificultades que Gaudí resolvió a la perfección,

y que conocemos bien dado que fueron descritas, junto con su imaginativa solución,

en la obra Filosofía de las estructuras, publicada en 1910 por el arquitecto Fèlix Cardellach.

En esta etapa de su obra, Gaudí abandona ya todo tipo de referencias historicistas,

y bajo la influencia del simbolismo imperante se lanza a un esteticismo sin excusas,

basado en una imaginación totalmente en libertad…

 

Adolf Loos

 

Adolf Loos ( 1870 1933)

fue uno de los arquitectos europeos más influyentes de finales del siglo 19

y, a menudo se caracterizaba por su discurso literario Ornamento y Delito

que prefiguró las bases de todo el movimiento moderno.

Como arquitecto, su influencia se limita principalmente a las grandes obras en su país natal,

Austria, y como un escritor tuvo un gran impacto en el desarrollo de la arquitectura del siglo 20, produciendo una serie de ensayos polémicos que elaboraron en su propio estilo arquitectónico

por el denunciando ornamento y una serie de males sociales.

Considerado por tanto como uno de los precursores del racionalismo arquitectónico,

defendiendo una arquitectura libre de todo ornamento,

rompiendo con cualquier tipo de influencia historicista.

ntroduce un nuevo concepto en sus obras, el “Raumplan”.

Un concepto según el cual se adjudica una importancia diferente a cada una de las estancias,

a cada uno de los espacios que conforman la edificación.

Un dormitorio no ha de tener la misma importancia que una sala de estar;

dependiendo de la importancia y cualidad representativa de los diferentes espacios,

su tamaño y altura habría de variar en consonancia. –

 

3.1. Compara la obra arquitectónica de

Antonio Gaudí, Víctor Horta y Adolf Loos.

 

 

 

fachada Decoración Espacio interior
Victor Horta Combina rectas y curvas

 

Formas decorativas vegetales Embellece las estructuras con elementos decorativos
Gaudí Emplea formas orgánicas

Líneas curvas, materiales diversos

 

Elementos estructurales toman formas orgánicas La estructuras orgánicas determinan un espacio conectado con el mundo natural
Adolf Loos Uso de lineas ortogonales Arquitectura libre de todo ornamento Visibilidad elementos estructurales, da importancia a unos espacios sobre otros respecto a un plan

 

La Escultura Modernista.

Escultura. La obra de José Llimona.

 

Josep Llimona, En Desconsuelo

 

Josep Llimona

Es muy frecuente encontrarla integrada en los edificios como un arte decorativo.

Aunque esto no es exclusivo de la arquitectura modernista, si es nuevo el grado de implicación. Muchos escultores colaborarán con los arquitectos, algunos de forma anónima,

como los que trabajaron con Gaudí

en la decoración de la puerta del Nacimiento de la Sagrada Familia de Barcelona.

También habrá escultores que desarrollen su actividad de forma independiente,

libres de los compromisos arquitectónicos.

La escultura modernista es marcadamente sensual, mezcla realismo y simbolismo,

pretende trascender la anécdota que el naturalismo había puesto en primer plano,

y por ello, mirará hacia el simbolismo.

La eclosión de la escultura modernista se produce con

Josep Llimona, Miquel Blay, Enric Clarasó y ,Eusebi Arnau.

todos ellos influidos por Auguste Rodin,

cuyo simbolismo se manifestó a través de la figura femenina de un marcado idealismo,

capaz de despertar un sentimiento o una emoción.

 

Miquel Blay

Miquel Blay

 

Enric Clarasó

Enric Clarasó

 

Eusebi Arnau

Eusebi Arnau

 

Josep Llimona i Bruguera (1864-1934)

influencias de Rodin y Meumier.

Le gusta la materia definitiva, labra el mármol con su propia mano, huye de lo complicado,

del realismo minucioso y del efectismo pictórico.

En Desconsuelo transmite a través de un desnudo femenino sentimientos de melancolía y tristeza. La figura de rodillas, con la cabeza caída y ocultando con el pelo su rostro

refleja el estado de abatimiento.

Se aprecia un delicado modelado del desnudo y el suave cuerpo juvenil

contrasta con la áspera dureza de la piedra sobre la que la muchacha se apoya.

La hermosa figura femenina surge del bloque de mármol,

como las figuras inacabadas de Miguel Ángel.

Las líneas onduladas y los contornos esfumados son rasgos que derivan de La danaide de Rodin, aunque existe gran diferencia entre la actitud resignada y melancolía de Desconsuelo y la vitalidad, fuerza y sensualidad de la obra del escultor francés.

 

En Juventud (1913),

hará un planteamiento similar de la imagen femenina, llena de sensibilidad y sensualidad.

La ternura y la fuerza viril las combinará en obras como

El estudiante y el Monumento al Doctor Robert en la Plaza de Tetuán de Barcelona.

Esta última conmemora la figura de Bartolomé Robert,

alcalde de Barcelona respondiendo a un modernismo ecléctico.

La base recuerda las formas de Gaudí y las figuras beben del realismo de Meumier,

sin dejar de estar presente la melancolía propia de Llimona.

Ha sido considerado uno de los mejores representantes de la escultura modernista catalana

 

Monumento al doctor Robert - 5

 

5.1. Identifica piezas escultóricas que puedan clasificarse como crisoelefantinas.

Llámase criselefantina (o crisoelefantina) a la escultura realizada utilizando oro y marfil:

el marfil para las zonas de la cabeza (rostro), brazos y pies (piernas),

es decir, allí donde debe mostrarse la piel del representado; y el oro para los vestidos,

como revestimiento de un armazón de madera.

Es, pues, una obra híbrida, compuesta de, al menos, estos dos materiales preciosos.

Su origen hay que buscarlo en el periodo griego arcaico, alrededor del II milenio a.C.;

y las obras, con el tiempo, ya en el periodo clásico, llegaron a ser monumentales.

De hecho, es con las dos soberbias realizaciones de Fidias (ambas perdidas ya en la antigüedad),

la Atenea Partenos y el Zeus de Olimpia, cuando se forja esta denominación

(cuya etimología es griega y compuesta de los dos términos que designan en este idioma

a los materiales empleados: χρυσός crhysos = oro; ελεφάντινος elephantinos = marfil).

Con el Art Nouveau y, sobre todo, con el Art Deco,

surgiera un gran número de artistas dedicados a esta especialidad.

Además de por el tamaño (es difícil que las figuras alcancen el metro de altura,

incluido el pedestal, siendo lo habitual que oscilen entre los 30 cm y los 60 cm),

las así denominadas modernas criselefantinas se diferencian de las originales

por los materiales empleados: aunque se siga utilizando el marfil

para las zonas en que se muestra la piel

(rostro, extremidades, en ocasiones el cuerpo entero, si se exhibe desnudo)

ya pocas veces se utiliza el oro, siendo sustituido por un menos valioso bronce,

que se pintará con esmalte de colores para representar la vestimenta y/o complementos,

o bien permaneciendo en su color o aplicando una pátina más dorada o más parda,

si representa la piel. Es así mismo habitual dispensar un especial cuidado en la base o pedestal,

que suele ser invariablemente de mármol u ónice, cuidando tanto su forma como, en ocasiones,

su combinación (entre piedras de distintas procedencias, o con bronce),

o el diverso veteado disponible, de tonos y diseños casi ilimitados.

A pesar de que ya no se suele utilizar el oro, se respeta la denominación;

e incluso cuando muchas de las obras de estos artistas están realizadas íntegramente en bronce

(que tampoco llevan marfil, por tanto) se incluyen bajo este título

(aunque a veces, en estos casos, se los especifica con el término genérico de bronces).

De entre los diversos autores que realizaron su obra casi exclusivamente con esta técnica

destacan, por su imaginación, fuerza de diseño, amor al detalle, gusto y variedad,

el rumano-francés Demetre Chiparus

y el alemán no menos delicado, e igualmente fecundo,

.

 

Demetre Chiparus 00 (5)

Demetre Chiparus

 

Fritz Ferdinand Preiss

Fritz Ferdinand Preiss

 

El cartel Los representantes del Art Nouveau

introdujeron un estilo pictórico alternativo al de Toulouse-Lautrec,

creando carteles de imágenes exóticas y estilizadas por medio de líneas fluidas

y de elegantes formas alargadas.

Entre los artistas de carteles estilo Art Nouveau más representativos

se encuentran el inglés Aubrey Beardsley,

el francés nacido en Checoslovaquia Alphonse Mucha,

el belga Henri van de Velde,

Henri van de Velde

Henri van de Velde

Alphonse Mucha

Alphonse Mucha

Aubrey Beardsley

Aubrey Beardsley

Van de Velde2

Van de Velde

las hermanas escocesas Frances y Margaret MacDonald,

el estadounidense Will Bradley,

el austriaco Gustav Klimt

 

Will_Bradley_Chap_Book

Will_Bradley

 

Frances y Margaret MacDonald

Frances y Margaret MacDonald

Gustav_Klimt_046

Gustav_Klim

 

y el holandés Jan Toorop.

Van de Velde, con su cartel Tropon (1899), marcó un hito

y un estilo totalmente nuevo en esta parcela del arte,

al eliminar totalmente las figuras humanas y sustituirlas por un dibujo abstracto.

Dentro de esta corriente modernista destacan en España Ramón Casas,

autor del célebre cartel de Anís del mono y Santiago Rusiñol.

 

Jan Too

 

6.1. Comenta la obra en cartel de Alexandre de Riquer,

El cartel publicitario en Cataluña. Alexandre de Riquer.

 

 

Ramón Casas y otros cartelistas españoles.

 (los carteles de Ramón Casas)

 

Alexandre de Riquer e Ynglada (1856 – 1920),

fue un intelectual, diseñador, dibujante, pintor, grabador, escritor y poeta,

una de las figuras más importantes del modernismo en Cataluña.

Alexandre Riquer destacó especialmente como diseñador gráfico, con gran dominio del dibujo.

Su gran producción artística en este campo tuvo un papel fundamental en la estética modernista, siendo el autor de algunas de las imágenes gráficas más representativas del modernismo catalán. Hizo carteles, aguafuertes, ilustraciones en libros y revistas, diplomas, postales, sellos, recordatorios, menús, partituras, tarjetas comerciales y ex-libris.

Colaboró en la ilustración de las revistas, entre otras,

La Ilustració Catalana y Arte y Letras y libros de la colección Arte y

Letras dirigida por Lluís Domènech i Montaner,

con quiencolaboró en las obras de la Exposición Universal de Barcelona de 1888,

en la decoración del Hotel Internacional

y las cerámicas exteriores del restaurante El Castell dels Tres Dragons.

 

Ramón Casas

es figura clave del modernismo. Sus carteles de Anís del Mono,

Codorniu y Cigarrillos París son tres ejemplos de trabajos premiados

en los que se muestra el valor comunicativo del artista, su magnífico uso del dibujo y el color,

la sencillez del mensaje (lo que agranda su penetración),

así como la utilización de la mujer en el ámbito de la publicidad.

El curioso, en este sentido, el permanente empleo de la imagen femenina en el cartel de Casas. Hasta los reclamos taurinos que se deben a su mano

tienen en primer término una bella mujer dominando la escena del ruedo.

 

Ramón Casas,

 

Santiago Rusiñol,

una de las figuras más representativas de la vida intelectual y artística de la Barcelona de su época, fraternal amigo de Casas,

al punto de que se admite la leyenda de que Rusiñol trabajó primordialmente el paisaje

porque dejó para su compañero la figura, para la que le consideraba mejor dotado

 

 

 

Las Artes Decorativas

Las Artes Decorativas modernistas alcanzaron notoriedad

por emplearse intensamente como complemento de la arquitectura,

caracterizándose por unas formas suaves y motivos vegetales que arropan al asunto principal. Destacan creadores que le dan tanta importancia a los contenidos como a los continentes,

caso de Gaudí que diseñó personalmente paneles cerámicos, vidrieras,

apliques de forja y muebles modernistas.

Pavo real y flor. Daniel Zuloaga. Col. Eleuterio Laguna

La persecución de un resultado conjunto y armónico provocó a los autores modernistas

se organizaran en equipos de diseñadores, tanto en la obra nueva como en las reformas.

Por ejemplo – ya en 1877 – en la reforma de la Casa Batlló, colaboraron con Gaudí

los arquitectos Jujol y Rubio i Bellver, los forjadores hermanos Badía,

los carpinteros Casa y Bardés, el ceramista Sebastià Ribó

y los Talleres Pelegrí, productores de vidrieras.

Por el creciente protagonismo de lo decorativo en la arquitectura interior y exterior,

la cerámica fue una de las disciplinas en las que más se plasmó el modernismo.

Su máximo exponente fue el ceramista Daniel Zuloaga,

que realizó revestimientos para edificios y decoración interior en toda España y en el extranjero,

así como piezas de pequeño formato que se exportaron a multitud de países;

fue el primero que confirió categoría de arte

a una actividad antes entendida como meramente artesanal.

 

Pavo real y flor. jpg

 

7.1. Analiza el mobiliario modernista.

El mobiliario modernista.

 

 

Las principales características del estilo modernista que se pueden aplicar a los muebles son:

inspiración en la naturaleza y utilización de motivos vegetales en la decoración,

uso de la línea curva y de la asimetría, uso de imágenes femeninas sobre todo en carteles,

pintura, uso de motivos exóticos.. .

El diseño de muebles se basó en diferentes formas y materiales de gran calidad

como maderas nobles y textiles con dibujos

que frecuentemente adoptaban la forma del “coup de fouet” tan propio del modernismo,

así como diseños inspirados en la naturaleza.

El mobiliario modernista fue diseñado por auténticos genios, artistas innovadores y vanguardistas, se emplearon maderas exóticas que no se habían utilizado mucho en Europa,

como un reto a los diseños clásicos, muchos arquitectos diseñaron muebles

para ocupar lugares privilegiados en edificios modernistas,

los mejores ebanistas crearon auténticas joyas combinando tipos de maderas con bronces, cerámicas, nácar.

También se empleó la técnica del pirograbado que enriquecía aún más los muebles.

 

Mobiliario Modernista: diseñadores

Destacar los maravillosos muebles diseñados por Gaudí

para el que mueble es una auténtica pieza de arte y tiene personalidad propia,

las características de cada uno se combinan y se integran en el conjunto del mobiliario

y del espacio donde van destinados.

Piezas como la silla del comedor de la casa Batlló diseñada en 1907,

es un asiento individual basado en la sencillez, elude las líneas rectas

o el banco de la casa Batlló, o el sillón de la casa Calvet en el que el asiento, de planta circular, está formado por cinco piezas, encajadas mediante

sin más ayuda que la de la precisión se une al respaldo mediante un cuello grueso,

del que también salen los brazos, que acaban en forma de mano arqueada y con el respaldo

en forma de corazón.

Destacar otros diseñadores de mobiliario modernista como fueron

Josep Maria Jujol, Domènech i Montaner, Joan Busquets i Jané,

Gaspar Homar y Francesc Vidal i Jevellí.

La interpretación alemana y escandinava del Art Noveau se inspiró en las tradiciones locales

y poseía una simplicidad de formas ejemplos de mobiliario de Van de Velde .

En Viena, Escocia y Alemania diseños de mobiliario son mas rectilíneos .

son de destacar los ejemplos de Mackmurdo y Mackintoch este último de gran sobriedad

en la decoración de Hill House

 

Mackintoch

 

Casa Calvet

Casa Calvet

 

8.1. Explica la importancia artística de las creaciones en vidrio

de Émile Gallé y Louis Comfort Tiffany

 

Louis Comfort Tiffany

 

La revolución en el vidrio

 

 

Creaciones en Vídrio Francia tiene como centro más importante la Escuela de Nancy

o el taller de los hermanos Daum, con figuras destacadas

como Jacques Gruber y Émile Gallé que realizaron objetos

sobreponiendo capas de vidrio de colores a una capa incolora.

 

escuela-nancy-32683_w600

 

Los jarrones de Émile Gallé.

 

El Art Nouveau debía mucho al arte japonés

que se había convertido en uno de los principales objetivos de los coleccionistas

Émile Gallé En sus trabajos iniciales usaría un cristal limpio adornado con esmaltes,

pero pronto tornaría hacia un original estilo mediante el uso del cristal pesado

y opaco tallado o grabado al agua fuerte con motivos florales.

Su carrera despegaría a partir de que su trabajo recibiera excelentes críticas

en la Exposición de París de 1878.

En la siguiente década Gallé mostraría exitosamente sus creaciones

en la Exposición Universal de París (1889), alcanzando fama internacional.

Su estilo, que enfatizaba en los adornos naturalistas y florales,

estaba a la vanguardia del movimiento Art Nouveau que emergía por aquel entonces.

Continuaría incorporando técnicas experimentales en su trabajo,

como el uso de burbujas de aire o láminas de metal, y también revitalizó la industria del vidrio, creando un taller propio para producir en masas diseños propios y de otros artistas,

siendo de gran importancia sus jarrones con formaciones vegetales o zoomórficas.

Actualmente algunas de sus obras se pueden ver en el museo Casa Lis en Salamanca, España.

Louis Comfort Tiffany

 

Casa Lis

 

Louis Comfort Tiffany

Las lámparas de colores de Louis Comfort Tiffany.

 

 

fue un artista y diseñador industrial estadounidense muy conocido por sus trabajos en vitral

y es el artista de Estados Unidos que más se asocia con el movimiento Art Nouveau.

En su fábrica usaba vidrios opacos en variedad de colores y texturas para crear un estilo único

de vitrales, que contrastaba con el método de vidrios transparentes pintados o esmaltados

que habían sido métodos dominantes de creación de vitrales en cientos de años en Europa.

El uso de vidrio con color para la creación de vitrales fue motivado

por los ideales del movimiento Arts and Crafts

Creó su propia técnica de ensamblado que consistía y consiste en la unión de las piezas cortadas, por finas láminas de cobre pegadas al canto del vidrio y luego soldadas entre sí.

Louis C. Tiffany empezó a manufacturar su propio vidrio llamado opalescente,

iridiscente y su última creación fue vidrio Favrile,

el cual rápidamente eclipsó sus anteriores realizaciones.

L.C. Tiffany fue un imnovador en su época,

ganándose multitud de enemigos defensores de las “Bellas Artes”,

pues todas las creaciones de Tiffany eran contrarias

a la tendencia conservadora de los vidrieros clásicos de la época.

Unas de sus más renombradas obras son las lámparas Tiffany.

Maumejean, hermanos Vidrieros Hermanos vidrieros de origen francés,

tenían un taller en París desde 1860, pero también estaban afincados en Barcelona

con un taller prácticamente de tipo industrial. Su producción, de un cierto eclecticismo,

destacó por la calidad técnica. Se establecieron en Madrid y San Sebastián,

donde consiguieron un gran éxito.

Colaboraron con Jeroni Martorell y Terrats

realizando las vidrieras de los dos edificios de la Caixa Sabadell

También trabajaron en Barcelona en la Casa Pérez Samanillo (1910; Balmes, 169),

del arquitecto JJ. Hervàs, y el Palacio Episcopal de Astorga

(cuando A. Gaudí ya no dirigía las obras).

Capilla del hospital de jornaleros de San francisco de Paula. Hospital de Maudes.

Raimundo Fernández Villaverde, 18 Arquitectos,

Antonio Palacios y Joaquín Otamendi. 1908, 1916.

El estilo arquitectónico está inspirado en el Secessionsstil vienés.

Cuenta con cerámicas de Daniel Zuloaga y vidrieras modernistas de la casa Maumejean.

También podemos observar ejemplos en numerosos edificios de la capital

entre los que destacan las vidrieras del Casino de Madrid y del Instituto San Isidro.

 

Joaquín Otamendi

Joaquín Otamendi

 

Antonio Palacios

Antonio Palacios

 

9.1. Comenta la tipología de la joyería modernista,

por ejemplo los diseños de René Lalique, Lluís Masriera y otros.

 

El esmalte en la joyería. La obra de Lluís Masriera.

 

 

El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo,

teniendo a la naturaleza como la principal fuente de inspiración.

Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado

y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas.

El interés generalizado en el arte japonés

y el entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería,

fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación.

En los dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas, particularmente en los diamantes por lo que la preocupación principal de joyero

consistía en proveer un marco adecuado para su lucimiento.

Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería,

motivada y encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas.

Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo

en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre.

Los críticos franceses contemporáneos eran unánimes al reconocer

que la joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador,

joyero y vidriero René Lalique estaba en su centro.

Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería,

extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales

–como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el arte japonés.

Revolucionó muchos tópicos de la alta joyería,

incorporando en la elaboración de sus piezas un sentido escultórico

que privilegiaba la forma y composición sobre los materiales,

lo que le llevó a utilizar materiales atípicos hasta entonces en la creación joyera,

como el vidrio, el esmalte, el cuerno, el marfil o las piedras semipreciosas,

utilizando las piedras preciosas populares de la época solo cuando entendía que eran necesarias

para la armonía del conjunto, evitando su uso obligado como objeto de valor,

logrando así que sus creaciones fuesen deseadas y perseguidas a nivel mundial

por su belleza inherente, más que por su valor evidente basado en los materiales de fabricación.

En el apogeo de su carrera de joyero, Lalique progresivamente cambia de camino

y se convierte en vidriero. Sus primeros experimentos se remontan a los años 1890,

pero su encuentro con el perfumista Fraçois Coty en 1908 va a jugar un papel decisivo, decidiéndolo no solamente a crear

sino también a producir frascos para los más grandes perfumistas.

Poco a poco se añaden a su producción, cajas, jarrones, lámparas…etc.

Su notoriedad en el dominio del vidrio es tal que la fábrica de Combs-La-Ville,

no puede responder a la demanda que se produce,

por ello después de la primera guerra mundial Lalique abre una segunda manufactura en Alsacia,

en Wingen-sur-Moder, para producir en grandes cantidades,

patentando varios novedosos procesos de fabricación del vidrio

y varios efectos técnicos como el satinado Lalique o el vidrio opalescente.

Los joyeros españoles

Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición distinguida

y para ello buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del joyero como artista más que como artesano.

En la mayoría de los trabajos esmaltados las gemas cedieron su primacía.

A los diamantes se les daba un papel subsidiario en combinación con materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y cuerno animal.

 

En España destaca el orfebre Lluis Masriera, miembro de una conocida saga catalana de artistas, que además fue pintor, dramaturgo y escenógrafo. Sus piezas de joyería se caracterizan

por la aplicación de esmaltes translúcidos.

Su obra presenta una gran influencia de Lalique,

Fuera de Cataluña, sobresale el bilbaíno Paco Durrío,

que trabajó fundamentalmente en París y que, además de diseñar joyas con influencias simbolistas, fue también ceramista y escultor.

 

Paco DurríoT

Paco Durrío

 

Lluis Masriera

Lluis Masriera

 

 

En america

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mackintoch


Bloque 6. Los Felices Años Veinte. El Art Decó

índice BLOQUE 6. LOS FELICES AÑOS VEINTE. EL ART DECÓ

El desarrollo económico del periodo de entre guerras.

El auge del lujo. El arte como producto para la élite.

Notas distintivas de la arquitectura decó.

Estados Unidos: los grandes edificios New York: Chrysler building. Empire State building.

Mobiliario art decó.

Tamara de Lempickca. Pintora.

Escultura: Pablo Gargallo y Constantin Brancusi.

Música: la revista musical. El Folies Bergère. El Moulin Rouge.

Música dodecafónica, serialista y atonal.Arnold Schönberg.

La música norteamericana. Irving Berlin, George Gershwin.

La joyería Decó y los relojes de pulsera.

Las empresas Cartier y Patek Philippe. Moda: la revolución en el mundo de la moda y en el vestido de la mujer. Coco Chanel.

 

Bloque 6. Los Felices Años Veinte. El Art Decó

El desarrollo económico del periodo de entre guerras.

 

 

 

1.1 la relación entre el desarrollo económico mundial y el auge del art decó

 

La denominación felices años veinte o años locos

corresponde al periodo de prosperidad económica que tuvo Estados Unidos desde 1920 hasta 1929, como parte del periodo expansivo de un ciclo económico.

Esta prosperidad benefició a toda la sociedad e hizo que la economía siguiera creciendo

a un ritmo que no se había registrado antes, generando una burbuja especulativa.

Pero esta prosperidad duraría un corto periodo que finalizaría el 24 de octubre de 1929,

conocido como el Jueves Negro,

y con la llegada del Crack del 29

que culminaría finalmente con el advenimiento de la Gran Depresión.

 

Causas.

En la Primera Guerra Mundial EEUU había exportado grandes cantidades de armamento

y otros productos a los países europeos.

Al finalizar la guerra, la economía de Europa quedó tocada seriamente.

Al acabar la guerra, Inglaterra tenía deudas de guerra con EEUU,

al igual que muchos países europeos,

lo que lógicamente favoreció la economía de EEUU al ser receptor de estas.

Estados Unidos se vio frente a un exceso de demanda

lo que provocó ingresos estadounidenses crecieran vertiginosamente

mientras Europa se reconstruía.

La expansión de Estados Unidos se basó en una profunda transformación productiva

dominada por la innovación técnica.

De esta forma se disminuían costes y se aumentaba la producción,

obteniendo más beneficios.

Fue en esta época donde se popularizó el uso del teléfono,

el automóvil y los electrodomésticos.

Estos aparatos eran demasiado caros,

y fue entonces cuando se aplicó por primera vez la venta a plazos.

Esto creó una oleada consumista que hizo que se comprara tanto

hasta el extremo de que los consumidores se endeudaran por encima de sus posibilidades.

También fue objeto de popularidad la difusión de la radio como medio de comunicación masivo,

ya que era un dispositivo económico y al alcance de toda la población.

En estos tiempos la fábrica Ford innovó con la utilización de la cadena de montaje.

De esta forma se reducían costes y tiempos de producción.

Este método se aplicó a otros sectores (siderurgia, cristal,etc).

También tuvieron efectos positivos la demanda de la construcción de rascacielos.

Todo esto tuvo una gran influencia en el mercado de trabajo,

dejando la tasa de desempleados en Estados Unidos muy baja.

Se vivían unos años de excelente bienestar y de gran optimismo frente al futuro.

 

El auge del lujo. El arte como producto para la élite.

Estados Unidos: los grandes edificios.

 

 

 

1.2. Explica la evolución desde el arte basado en la naturaleza (modernismo),

al arte geométrico (art decó).

 

Origen del art déco

(también art decó o incluso art deco) fue un movimiento de diseño popular

a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como

arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial,

también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.

En 1925 organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) en París,

y se llamaron a sí mismos los modernos;

en realidad, el término art déco se acuñó en la retrospectiva titulada «Les Années 25»,

llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs

(Museo de Artes Decorativas) del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966;

1 el término es por lo tanto un apócope de la palabra francesa décoratif.

En inglés suele suprimirse la tilde y se escribe «deco».

En español, la RAE lo ha normalizado como art déco, con la tilde en la «e».

El art déco alcanzó su apogeo en los años 1920.

Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas,

el art déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués.

A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas,

el art déco es sólido y posee una clara identidad propia.

No se trata de un historicismo ni de un anacronismo;

es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial.

Su significación gira en torno al progreso,

el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria.

Elegante, funcional y modernista, el art déco fue un avance frente al art nouveau,

esta vez exitoso en la generación de un nuevo repertorio de formas

acordes con la problemática e imaginería de su tiempo.

El art déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial.

De manera simultánea a una creciente depresión económica

y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra, había un deseo intenso por el escapismo.

La gente gozó de los placeres de la vida y del art déco durante la era del jazz.

 

Características:

Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos

de principios del siglo XX se inspira en las Primeras Vanguardias.

Las influencias provienen del

constructivismo, cubismo, futurismo,

del art nouveau, del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus.

Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto

marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del art déco,

afín a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.

Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas:

las líneas aerodinámicas, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño se expresaron en formas fraccionadas,

cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría.

El color se nutrió de las experiencias del fovismo;

trapezoides, facetamientos, zigzags

y una importante geometrización de las formas son comunes al art déco.

Materiales: aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón y piel de cebra.

El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco,

el facetado y la línea recta o quebrada o greca .

Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles:

desde el diseño de zapatos para señoras hasta las parrillas de radiadores,

el diseño de interiores para teatros y rascacielos como el Edificio Chrysler.

 

El estilo art deco no estuvo limitado a la arquitectura;

el transatlántico SS Normandie, cuyo viaje inaugural tuvo lugar en 1935,

fue diseñado incorporando muchos diseños art deco,

incluyendo un salón comedor cuyo techo y decoración estaba realizada con vidrio de Lalique.

Otros buques con influencia art déco en su decoración fueron

el Île de France, el Queen Mary y el Nieuw Amsterdam.

 

2.1 Relaciona el art decó con los edificios anteriores de la escuela de Chicago,

y los edificios de New York especialmente el Chrysler Building y el Empire State Building Chrysler_Building

 

La Escuela de Chicago. New York: Chrysler building. Empire State building.

 

El Edificio Chrysler,

Fue el edificio más alto del mundo durante once meses,

hasta que le superó el Empire State Building en 1931.

El Edificio Chrysler, diseñado por el arquitecto William Van Alen,

es un ejemplo clásico de la arquitectura art déco y muchos arquitectos contemporáneos lo consideran uno de los mejores edificios de Nueva York.

En los años posteriores a la Primera Guerra Mundial,

los arquitectos de Europa y los Estados Unidos habían empezado a simplificar las formas

de los diseños tradicionales y a usar materiales industriales de manera innovadora

para caracterizar a la edad moderna.

El estilo art déco parecía prestarse especialmente bien al diseño de rascacielos

debido a que este tipo de construcción simbolizaba progreso, innovación y modernidad

más que cualquier otro tipo. Aunque el estilo art déco duró poco tiempo,

coincidió con un gran boom inmobiliario en Nueva York a finales de los años veinte.

El exterior del edificio tiene muchos ornamentos heroicos,

como las gárgolas de las catedrales góticas.

Las esquinas de la planta 61 están decoradas con sendos pares de águilas

esculpidas por Kenneth Lynch, que tienen una longitud considerable

hay réplicas de las decoraciones del capó de Chrysler de 1926;

mientras que en las esquinas de la planta 24 hay piñas de tres metros de altura,

símbolos de la hospitalidad, que fueron fabricadas en el sitio.

El edificio está construido de albañilería, con estructura de acero y revestimiento metálico.

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Empire State Building

Empire State Building, rascacielos en la intersección de la Quinta Avenida y West 34th Street,

en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos.

Su nombre deriva del apodo del Estado de Nueva York.

Fue el edificio más alto del mundo durante más de cuarenta años,

desde su finalización en 1931 hasta 1972. Fue el primer edificio en tener más de 100 pisos.

Edificado por el Estudio de Arquitectura Shreve, Lamb and Harmon.

A diferencia de la mayoría de los actuales rascacielos,

el Empire State cuenta con un diseño art decó,

típico de la arquitectura de pre-Segunda Guerra Mundial en Nueva York.

Las modernistas marquesinas de las entradas de los pisos 33 y 34

conducen a dos pisos de altos corredores de todo el núcleo de ascensores,

atravesado por puentes cerrados de acero inoxidable y vidrio en el segundo piso.

El vestíbulo es de tres pisos de altura.

El corredor norte contiene ocho paneles de iluminación,

creados por Roy Sparkia y Renée Nemorov en 1963,

que representa el edificio como la octava maravilla del mundo, junto a las tradicionales siete.

3.1. Compara la escultura de Pablo Gargallo y de Constantin Brancusi.

 

 Pablo Gargallo El profeta

 

Pablo Gargallo

 

Fue un escultor y pintor español.

Es considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX,

a lo largo de su vida artística combinó paralelamente el clasicismo con la experimentación.

En El profeta, de 1933, culmina toda su trayectoria, que incorpora la vanguardia cubista

en una escultura que conjuga el volumen y el vacío,

y posee una gran energía de carácter expresionista.

Gargallo, influido por su amigo Julio González,

desarrolló un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales

de placas planas de metal, usando también papel y cartón.

También realizó esculturas más tradicionales en bronce, mármol y otros materiales.

Entre sus obras se encuentran tres piezas inspiradas en Greta Garbo:

Masque de Greta Garbo à la mèche, Tête de Greta

y los Garbo avec chapeau y Masque de Greta Garbo aux cils.

Sin embargo, su obra más conocida es su pieza maestra El profeta, de 1933,

que es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco

y a la vez posee una energía expresionista que conecta, por el tema tratado, con la tradición bíblica.

Se le considera uno de los artistas más significativos de la vanguardia española e internacional.

Constantin Brancusi

Constantin Brancusi

 

Aunque de origen rumano, se desarrolló y se dio a conocer en París.

Está considerado como uno de los grandes escultores del siglo XX.

Su obra ha influido en nuevos conceptos de la forma en escultura.

Su obra 215 esculturas, evolucionó desde 1908 hacia un estilo muy personal, geométrico,

con una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción,

proponiendo una realidad distinta. De esta manera, dejaba de lado el realismo escultórico del siglo XIX para dar paso al arte abstracto que se abría camino.

Inspirándose en el arte escultórico prehistórico y africano,

intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo

mediante una simplificación extrema de la forma.

Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce y la madera.

Predomina en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindro alargado.

Realizó una serie de esculturas en metal llamadas Pájaro en el espacio.

Entre otras obras de Brancusi se encuentran:

Madre durmiente (1906-10), El beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (1911),

El comienzo del mundo (1924), El pájaro (1924-49), la Columna del infinito (1933),

El espíritu de Buda (1933) y La gallina (1941).

 

tamara de lampique

 

4.1. Comenta la obra pictórica de la pintora Tamara de Lempicka

Tamara fue “la primera artista mujer en ser una estrella del glamour”.

Influenciada por el Cubismo, Lempicka fue una de las mayores representantes del estilo Art Deco influyente en dos continentes, fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood

y llamada “la baronesa con pincel”.

Fue la retratista más reconocida de su generación entre la “alta burguesía” y la aristocracia,

pintando duquesas, grandes duques y las altas esferas sociales.

A través de su red de amistades, expuso sus pinturas en los salones de mayor élite del momento.

Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos.

Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas,

con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural

por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras;

son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos.

Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general,

y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto.

Curiosamente, Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos

para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de última moda.

Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos,

también retrató a su hija en varias ocasiones

y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York.

También realizó cuadros de flores.

 

5.1. Explica las claves artísticas del musical,

relacionándolo con el “Folies Bergère”, el “Moulin Rouge”, “Cotton Club”

y la trayectoria artística y personal de Joséphine Baker

 

Música: la revista musical. El Folies Berguere. El Moulin Rouge.

 

 Folies Bergère

 

El musical

remonta sus orígenes a varias fuentes teatrales del siglo XIX,

incluida la opereta, la ópera cómica, la comedia musical, la pantomima, el minstrel show,

el vodevil y el género burlesco, también en ocasiones el género erótico cabaret.

 

El vodevil

(del francés vaudeville) fue un género de teatro de variedades que existió en EEUU

principalmente entre los años 1880 y 1930.

Se conoce también como vodevil a un tipo de comedia ligera que se desarrolló en Francia

a partir del siglo XVIII y que solía intercalar números musicales.

 

Cabaré

es una palabra de origen francés cuyo significado original era «taberna»,

pero que pasó a utilizarse internacionalmente para denominar salas de espectáculos,

generalmente nocturnos, que suelen combinar música, danza y canción,

pero que pueden incluir también la actuación de humoristas, ilusionistas, mimos

y muchas otras artes escénicas.

Se distinguen de otros locales de espectáculos, entre otras cosas, porque tienen un bar,

cuando son pequeños, y un bar y un restaurante, cuando son grandes.

A diferencia de lo que sucede en el teatro,

los asistentes pueden beber y conversar entre si, durante las actuaciones.

El público de los cabarés aplaude, con frecuencia, espectáculos atrevidos,

tanto políticos como sexuales.

Moulin Rouge

 

Tipos de Cabaret:

1 Los que siguen la tradición de Le Chat Noir y del Lapin Agile:

 Son pequeños o de tamaño medio, no suelen tener un restaurante, pero siempre tienen un bar. Actúan principalmente cantautores, cantantes, músicos y orquestas de jazz,

pero no exclusivamente ni en todos los lugares.

En inglés este tipo de cabaré se denomina French cafe (café francés) o, simplemente, café o club. En Benidorm, España, son bastante numerosos

y tienen la peculiaridad de que muchos están abiertos durante el día.

También son relativamente numerosos en Nueva Orleans y París.

 

  1. Los que siguen la tradición del Moulin Rouge y del Folies Bergère:

Son grandes, tienen un bar y un restaurante, y presentan revistas de gran espectáculo,

que son del agrado de muchos turistas. Uno de los más famosos es el Lido de París.

 

  1. Cabaré de vanguardia, los que siguen la tradición del Els Quatre Gats

de Barcelona y del Cabaret Voltaire de Zúrich. Folies Bergère. Inaugurado en 1872, music hall,

pero cabaré desde finales del siglo XIX hasta finales del siglo XX.

Se hizo célebre, entre otras cosas, por sus tableaux vivants y sus decorados en trampantojo.

Algunos artistas que actuaron en el Folies Bergère:

Joséphine Baker, Sidney Bechet, La Bella Otero, Charlie Chaplin, Maurice Chevalier,

Norma Duval, Loïe Fuller, Grock, Stan Laurel, Mata Hari, Cléo de Mérode,

Mistinguett, Édith Piaf, Jean Sablon y Charles Trenet.

En la actualidad presenta actuaciones de cantantes, comedias musicales, grupos de baile, etc.

 

Moulin Rouge, desde 1883.

Conocido por los carteles de Tolouse Lautrec

Algunos artistas que actuaron en el Moulin Rouge:

Jane Avril, Charles Aznavour, Joséphine Baker, artistas del cabaré Cotton Club de Nueva York,

en 1937, Bing Crosby, Dalida, Sacha Distel, Yvette Guilbert, La Goulue, Jerry Lewis, Dean Martin, Liza Minnelli, Mistinguett, Yves Montand, Édith Piaf, Ginger Rogers,

Frank Sinatra, Charles Trenet y Peter Ustinov.

 

El Cotton Club

fue un club nocturno de Nueva York (Estados Unidos)

que se mantuvo abierto durante la Ley Seca de los años 1920.

Fue fundado en 1920 en Harlem, en el barrio negro de Manhattan,

aunque generalmente denegaban la admisión a los consumidores afroamericanos.

El club fue abierto por el campeón de los pesos pesados Jack Johnson,

y el contrabandista y gángster Owney Madden adquirió el club en 1923

mientras estaba encarcelado en Sing Sing y cambió el nombre del local al de Cotton Club.

Fue un club mítico en la época ya que era el escaparate de las principales novedades musicales, como Fletcher Henderson, Duke Ellington, Count Basie, Bessie Smith, Cab Calloway,

The Nicholas Brothers, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Nat King Cole,

Billie Holiday o Ethel Waters.

Los domingos eran frecuentes las “Celebrities Nights”,

a las cuales asistían de público personas destacadas de la política y la cultura,

como Jimmy Durante, George Gershwin, Al Jolson, Mae West, Irving Berlin, Eddie Cantor,

el alcalde de Nueva York Jimmy Walker u otras celebridades.

Joséphine Baker

 

Joséphine Baker (1906 -1975)

fue una bailarina, cantante y actriz estadounidense, nacionalizada francesa.

Baker se convirtió en un icono musical y político internacional.

Se le dio apodos tales como la “Venus de bronce”, la “Perla negra” y la “Diosa criolla”.

Baker fue la primera mujer afroamericana en protagonizar una importante película, Zouzou (1934), en integrar una sala de conciertos en Estados Unidos,

y en convertirse en una animadora de fama mundial.

Joséphine Baker creció en el periodo de las peores revueltas racistas vividas en Saint Louis.

En 1922 se unió a una compañía de baile;

un año más tarde ya estaba en el coro de la primera obra de color en Broadway, “Shuffle Along”. Posteriormente trabajó en el mítico Cotton Club.

En 1925 fue a París como integrante del coro de La Revue Nègre.

El público europeo se quedó prendado de Joséphine Baker

y se convirtió en una estrella del Folies Bergière.

Introdujo el Charleston en el viejo continente

y protagonizó varias películas de éxito como

Le Siréne des tropiques, Zou o Princesse Tam-Tam, hasta el año 1935.

Dos años después se nacionalizó francesa.

Su talla como artista sólo es comparable con su humanidad y servicio al prójimo,

y prueba de ello es la vida que llevó a partir de 1939, cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, integrándose primero en el voluntariado y más tarde en la resistencia francesa,

hechos que la hicieron acreedora de la Legión de Honor y de la Cruz de Guerra,

dos importantes condecoraciones de ese país.

 

También es conocida por sus contribuciones al movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos (Coretta Scott King le ofreció el liderazgo no oficial del movimiento en 1968

tras la muerte de Martin Luther King, pero lo rechazó)

 

6.1. Identifica las claves esenciales del mobiliario decó.

En artes del diseño, la cultura Art Decó comprende al menos estos dos estilos:

 

1-Un estilo de recuperación neoclásica,

particularmente Imperio, acaso resurrección nacionalista francesa.

Carece de nombre en los libros de historia, pero habría que llamarlo algo así como neo-Imperio.

En moda, los trajes elevan el talle hasta debajo del pecho, como en los vestidos de 1800.

En muebles, Ruhlmann recupera la volumetría del mobiliario napoleónico,

pero prescinde del dudoso gusto decorativo de aquel estilo.

En arquitectura se hibridiza lo arcaico, procedente

de Egipto, Mesopotamia y América precolombina, con lo clásico occidental,

y surgen edificios de fría y sobria monumentalidad.

Tras la Segunda Guerra Mundial, este lenguaje, que fue favorito de los regímenes totalitarios,

será condenado por Estados Unidos

y hasta finales del siglo XX no ingresará en los libros de historia,

como si se tratara de un estilo maldito.

 

  1. Un estilo llamado aerodinámico

(inglés: streamline o streamlined moderne) por su decoración de líneas paralelas y zigzagueantes, así como por volúmenes acumulados que sugieren la penetración en el aire propia de los vehículos. Coincide con el tiempo de Entreguerras cuando se vivió el gran desarrollo tecnológico

de los medios de transporte: trenes, transatlánticos, aviones, zepelines.

Inspirados en los yates apareció un estilo fresco y desenfadado

en la arquitectura y los interiores hoteleros del sur de Estados Unidos.

Donald Deskey Racio City Music Hall.

En Madrid cabe destacar tanto el edificio Carrión como su interiorismo.

Los vasos de Lalique

Los vasos de Lalique,

con una decoración en altorrelieve muy detallada, se fabricaban según tres procedimientos: soplando con la boca el vidrio dentro de moldes;

mediante un proceso mecánico de aspiré soufflé o pressé soufflé; y moldeados en una prensa.

El material de base era siempre de cristal: cristal con un 50 por ciento de plomo.

Se dejaba claro o se coloreaba con óxidos metálicos, sulfatos y cloratos,

con los que se conseguía una gama de colores exquisitos que iban del verde esmeralda al rojo rubí.

El repertorio de motivos decorativos de Lalique era también variado:

animales naturales o estilizados, flores, formas humanas o mitológicas

y composiciones geométricas abstractas.

Las formas en relieve eran realzadas mediante la aplicación de tintes de colores esmaltados.

En su catálogo había una amplia variedad de objetos:

vasos, vajillas, objetos de tocador, frascos, perfumes, joyas, cajas de reloj, esculturas, espejos, juegos de escritorio, lámparas, muebles, accesorios arquitectónicos, fuentes

e incluso objetos novedosos como las mascotas de automóvil.

La Joyería Art Decó

7.1. Compara la tipología de las joyas decó, por ejemplo Cartier,

con las de otras épocas.

La 1ª Guerra Mundial supuso una ruptura en el diseño de joyería.

La guerra cambió el papel de la mujer en la sociedad.

La necesidad de que las mujeres ocuparan los puestos de trabajo de los hombres

creó una gran emancipación.

Los “Locos Años 20” florecieron con un gusto por el lujo decadente.

La moda femenina adoptó un estilo masculino y estilizado.

Los pantalones se convirtieron en el símbolo de la mujer liberada durante el día.

Pero por la noche, teatrales y provocativos vestidos fueron el último grito.

Las faldas se acortaron para enseñar las rodillas, incluso a veces más,

para bailar cómodamente los ritmos de moda: tango, charleston y fox trot.

El pelo se llevaba “a lo garçonne, destacando de esta manera los pendientes.

 

La joyería Decó y los relojes de pulsera. Las empresas Cartier y Patek Phillipe.

 (Historia de Cartier)

 

Cartier

La joyería Art Deco está caracterizada

por los diseños geométricos, diversas combinaciones de color y motivos abstractos.

 

En 1922, la apertura de la tumba de Tutankamon, inspiró un revival de lo egipcio.

También son comunes las influencias del arte maya.

Las piedras preciosas más populares del período Art Deco fueron los diamantes

Rubíes, zafiros, esmeraldas, coral, marfil, jade, madreperla y cristal de cuarzo fueron empleadas como acentos de color junto a los diamantes o en solitario.

El metal preferido fue el platino

 

La Joyería Art Decó II: Colores y Motivos

Aplicación de los colores y materiales

Aunque en un comienzo la joyería Art Déco tuvo como protagonistas a los diamantes,

poco a poco fueron introduciéndose los colores en los diseños.

Aún así, son muchas y espectaculares las piezas monocromáticas que pueden encontrarse,

puesto que la gran innovación introducida en estos diseños era su montaje

sobre esqueletos de platino, que las hacía enormemente flexibles y ligeras

y permitía trabajos minuciosos y extremadamente detallistas como los que veis en las fotografías.

Otra de las peculiaridades era la versatilidad de las piezas,

puesto que la mayoría de ellas contaban de varios elementos convertibles

que las permitían ser ahora collar, ahora broches, así como pulseras e incluso tiaras.

Fruto de los viajes a otros países y de la influencia de otras disciplinas artísticas,

fue introduciéndose el color en las piezas.

Aunque las combinaciones más comunes eran las que mezclaban los diamantes con piedras de color como los zafiros o las esmeraldas,

poco a poco se fue abriendo la veda hasta mezclar y trabajar en igualdad de condiciones

con materiales y piedras más nobles (diamantes, zafiros, esmeraldas y rubíes)

y otros de menos valor (onix, coral, jade…)

El primero en introducir estas maravillosas combinaciones fue el propio Cartier,

cuya colección Tutti Frutti es conocida ya no sólo por esa combinación de color,

sino por ser un trabajo ejemplo y muestra de las tendencias de la época.

 

MOTIVOS

Fruto de las influencias del arte típico de aquella época,

una de las temáticas más utilizadas fue la de los elementos naturales y los animales.

Plantas autóctonas como las rosas o los bouquets recargados cedieron paso a palmeras,

bambúes y todo tipo de vegetación extranjera.

Una tendencia que también se observó en los animales “retratados” en las piezas de joyería,

que pronto pasó a retratar serpientes, galgos, pekineses o loros.

Quizás el más importante de ellos fue la pantera de Cartier,

que aunque su primera aparición en 1914 tuviera lugar en forma de mascota

de las tarjetas de la exposición de entonces de Cartier

y como estampado en uno de los relojes de aquel evento,

no fue oficialmente nombrada imagen de la casa hasta muchísimo más tarde,

cuando Jeanne Toussant (directora creativa de la marca entonces),

apodada “La Pantera” por su fuerte carácter, oficializara al animal.

Sin duda los motivos con más presencia en esta época fueron los orientales,

tanto de la zona más cercana de Egipto como de China e India.

Tan pronto se reflejaban a la manera clásica en las piezas

(como el brazalete con dibujos de bambú en esmeraldas, diamantes y zafiros),

como se trabajaban de manera más original mezclando las turquesas o el ónix.

 

Cartier

Con el inicio del siglo XX, el estilo Art Nouveau que imperaba en esa época

está prácticamente ausente de las colecciones Cartier.

Los diseñadores de la Maison, incitados por Louis Cartier,

se aventuran en las formas abstractas y geométricas.

El siglo arranca con ímpetu y los códigos establecidos quedan trastocados:

estalla el color con el fauvismo, el movimiento expresionista alemán

o los ballets rusos de Diaghilev que París descubre con sorpresa y fascinación en 1909.

Cartier crea piezas con nuevas formas en lo que entonces se llamó el “estilo moderno”,

inaugurando así el futuro estilo Art Decó adelantándose a sus rivales en la creación artística.

 

7.2. Analiza el concepto del lujo en relación al arte, por ejemplo en la joyería

El precursor de los cambios en joyería fue Jacques Cartier,

 

Gran parte de aquella modernidad le vino de sus frecuentes viajes, sobre todo a Oriente,

cultura de la que quedó prendado. Desde su primer viaje en 1911,

Jacques Cartier viajó a la India, fue allí donde aprendió nuevas técnicas,

tallas y diseños que causaron sensación en la Europa del momento,

como las piezas de la colección Tutti Frutti. Pero la fascinación no fue sólo suya.

Jacques Cartier fue testigo en aquellos viajes del gran respeto y admiración

que las joyas y relojes parisienses suscitaban en los marajás.

Aquellos hombres, dueños de colecciones de piedras preciosas

que parecían haber salido de cuentos de aventuras acabaron confiando en el joyero

con los ojos cerrados, confiándole sus propias piedras

para que las montara en piezas contemporáneas, generalmente en platino.

Algunas piezas (ornamentos para turbantes, brazaletes de antebrazo, collares de gala)

fueron forjadas con formas tradicionales indias,

mientras que otras joyas se elaboraron con un estilo completamente nuevo y moderno.

El encargo más espectacular de todos fue la remodelación de las joyas

de la corona de Sir Bhupindra Singh, Marajá de Patiala,

cliente dueño del collar más grande fabricado por la casa

hasta el momento que incluía el famoso diamante De Beers, de 234,69 quilates,

y 5 vueltas con 2.390 brillantes, ni más ni menos.

Con el tiempo, los marajás más ricos de la India se convirtieron en clientes de Cartier:

el Marajá de Kapurthala, el Marajá de Nawanagar,

el Aga Khan, el Sultán de Mysore, el Nabab de Rampur, el Nizam de Hyderabad…

 

Patek Philippe

7.3. Debate acerca de la relación entre lujo y artesanía,

utilizando entre otros ejemplos posibles la empresa Patek Philippe.

Louis Cartier amigo de Santos Dumont pionero de la aviación le regalo el primer reloj de pulsera

en 1901 al escuchar de que desconocía el tiempo empleado para su hazaña

al no poder despegar los brazos de los mandos para consultar la hora.

Ese pequeño gran diseño tuvo tanto éxito y tal demanda

que Cartier empezó a comercializarlo en 1908,

entonces sólo para clientes selectos, y bajo el nombre de Cartier Santos

en honor a su mutua amistad. Patek Philippe & Co es una empresa suiza de relojes de lujo.

En la actualidad la familia Stern es la propietaria de la empresa.

Su presidente es el multimillonario Henri Stern.

Con los años, los relojes Patek Philippe han sido usados por un número notable de personas, incluidos los miembros de la realeza, estrellas de cine y magnates.

Es conocido el hecho de que el rey emérito de España, Juan Carlos I de Borbón,

suele lucir en su muñeca un reloj fabricado por esta empresa suiza.

Antoni Patek comenzó haciendo relojes de bolsillo en 1839 en Ginebra,

junto con su colega polaco Franciszek Czapek.

Se separaron en 1844, y en 1845 Patek se unió con el relojero francés Adrien Philippe,

inventor del mecanismo de disolución sin llave.

En 1851, se fundó la Patek Philippe & Co. En 1868, Patek Philippe hizo su primer reloj de pulsera. Han sido pioneros en el calendario perpetuo, cronógrafo y repetidor de minutos en los relojes.

La compañía fabricó los primeros relojes de cuarzo e incluso un reloj de pulsera digital,

Henry Graves Jr. fue el primer propietario del reloj más caro del mundo,

un reloj complejísimo con 24 funciones. Luego, fue subastado por 11 millones de dólares.

Más tarde, en el 2008. En la última puja, efectuada en noviembre de 2014,

dicha pieza adquirió un valor de venta de 19,3 millones de euros,

siendo adquirida por un comprador anónimo y batiendo todos los récords hasta la fecha.

 

8.1. Analiza la música dodecafónica, utilizando composiciones,

entre otras posibles, de la obra musical de Arnold Schönberg, Anton Webern o Alban Berg. Durante la Gran Guerra (1914-1918) la actividad musical europea se ralentiza,

muchos músicos son movilizados

y las infraestructuras musicales en muchos casos desaparecen.

Los compositores, durante y después de la guerra,

se ven obligados a trabajar con menos recursos, lo que llevará a una música simplificada, liberada también así de los excesos del último romanticismo.

Las tendencias difusas de los años del cambio de siglo

se convertirán poco a poco en corrientes definidas,

en estilos de época que dominarán el período desde el final de la guerra del 14 hasta la del 39, período conocido como de «entreguerras».

Entre estas corrientes destacan especialmente la dodecafonía y el neoclasicismo.

 

ATONALISMO

Este movimiento se funde con la corriente expresionista.

Durante la primera década del siglo XX,

los excesos de los post-románticos en el plano de la armonía,

hicieron que poco a poco la tonalidad, que hasta entonces organizaba

y era la base de las obras musicales, perdiera su papel.

El Atonalismo nace cuando una serie de compositores, con Arnold Schoenberg a la cabeza,

deciden otorgar a la disonancia la misma importancia que a la consonancia

y escribir sus obras con una tonalidad concreta.

Esto implica que todas las notas tienen el mismo valor, sin jerarquías.

De ahí la sensación de que se han perdido los puntos de equilibrio y de orientación,

por lo que para nuestros oídos, la música atonalista suena desafinada.

Entre las obras en las que Schoenberg recurre al Atonalismo,

podemos destacar “Cuarteto nº 2” y “La noche transfigurada”.

Esta ruptura con la tonalidad influiría también en artistas como

Richard Strauss, Gustav Mahler, Edgar Varese o Charles Ives, entre otros.

Sin embargo, la corriente del Atonalismo como tal tuvo una vida efímera,

ya que se trataba de componer sin ningún tipo de normas,

sumiendo a la música en una especie de caos.

 

Dodecafonía

Hacia 1920, Arnold Schönberg da a conocer un sistema de composición

que ha estado experimentando durante los años de la guerra y la posguerra,

tratando de encontrar un método que le permita componer obras atonales siguiendo unas reglas.

El método, al que llama simplemente «método de composición con doce sonidos»

se conocerá pronto como dodecafonía.

Este método consiste en organizar los sonidos en series

que incluyen las doce notas de la escala cromática temperada.

El compositor parte de una serie original, a la que aplica métodos contrapuntísticos

como la retrogradación, la inversión y el transporte,

consiguiendo así un conjunto de 48 series diferentes a partir de la primera;

de entre estas 48 escoge las que le convienen para su composición,

que queda así organizada en bloques «dodecafónicos».

De este trabajo con series se deriva el nombre de serialismo

con el que se conoce a veces la dodecafonía y sus derivaciones posteriores.

La primera obra importante de esta corriente es la Suite para piano op.25 de Schönberg,

a la que seguirán otras como las Variaciones para orquesta op.31.

Otras obras importantes de la dodecafonía son la Sinfonía op.21 de Anton Webern

y el Concierto para violín o la ópera Lulú de Alban Berg.

 

A partir de 1925, Schönberg imparte clases de composición en Berlín;

tras el ascenso de Hitler al poder, se exilia en Estados Unidos,

donde vivirá hasta su muerte continuando su labor didáctica.

 

Neoclasicismo

El término neoclasicismo surgió también hacia 1920

para referirse a ciertas obras de Igor Stravinski y otros compositores.

Se suele situar su origen en el ballet Pulcinella,

encargado por Diaghilev para relanzar la actividad de los Ballets Rusos tras la guerra;

Diaghilev pide a Stravinski que realice la orquestación de un conjunto de piezas

de compositores italianos de comienzos del XVIII;

el trabajo con esta música hace descubrir a Stravinski líneas musicales que utilizará en sus composiciones posteriores hasta 1950.

Sin embargo, las características fundamentales del neoclasicismo

ya habían aparecido en obras anteriores del mismo Stravinski

y de otros compositores mayores y más jóvenes:

por ejemplo las sonatas de Claude Debussy, compuestas entre 1915 y 1917,

Le tombeau de Couperin de Ravel, de 1917,

o la Sinfonía clásica del ruso Sergei Prokofiev (1891-1953), también del mismo año.

El neoclasicismo se caracteriza principalmente por una fuerte actitud antirromántica,

que rechaza tanto la complejidad de las obras del último romanticismo

como el afán de expresividad que constituye la base de la estética romántica.

Los compositores neoclásicos tratan de huir de ello creando obras más simples,

más asimilables por los oyentes, y ocupándose especialmente de la forma musical sin pretender transmitir o provocar emociones.

Se vuelve al cultivo de las formas y géneros clásicos, buscando una nueva sencillez,

ya que aspira a devolver a las obras musicales la comprensibilidad y el placer para el oído.

Por esa razón, la mayoría de las obras de este movimiento recuperan la tonalidad clásica.

Esta corriente ha tenido continuadores hasta la actualidad.

 

SERIALISMO

El Serialismo es un movimiento que se da a partir de la segunda mitad del siglo XX.

Consiste en la aplicación del concepto de serie, introducido por el Dodecafonismo,

a todos los parámetros integrantes del sonido (timbre, altura, duración, intensidad…),

y no sólo a la altura de las notas.

Aspira a convertirse en un sistema completo y perfectamente estructurado y racional;

sin embargo, el resultado es con frecuencia una música fría,

en la que las alturas, duraciones, timbres e intensidades están perfectamente ordenados

en series de doce grados cada una.

La música serial se caracteriza, por tanto, por el minucioso ordenamiento

de los parámetros musicales y su alto grado de elaboración previa,

ya que el compositor organiza la obra como si las piezas de un puzzle se tratara.

Entre los compositores más destacados cabe recordar a Oliver Messiaen, como

“Modos de valor e intensidad”, y Pierre Boulez, “El martillo sin dueño” o “Sonata para piano nº 3”.

 

9.1. Comenta la obra musical de George Gershwin e Irving Berlin.

Además de las tendencias citadas hay otras presentes en muchas obras de entreguerras.

La principal es el neopopularismo, que consiste en la utilización de técnicas musicales

de la música tradicional (modalidad, ritmos irregulares, estilos populares de canto…)

junto a técnicas de la nueva música.

Esta tendencia la representan principalmente Bartók y Falla,

pero está presente también en músicos más jóvenes,

como los españoles de la generación del 27,

o en cierto modo los jóvenes norteamericanos que se inspiran en la música afroamericana,

como George Gershwin (1898-1937).

Para los músicos norteamericanos, el jazz y las músicas relacionadas

se pueden considerar tradicionales; pero en Europa estas músicas son músicas urbanas,

que se utilizan en el ámbito de los cafés y cabarets. Junto a ellas aparecen otras músicas,

las músicas populares urbanas, conocidas también genéricamente como jazz.

En 1935 Gershwin estrenó su ópera Porgy y Bess,

un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos.

A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess

se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo.

Luego de Porgy y Bess, George Gershwin comenzó a componer música para películas.

Ese mismo año se mudó a California y escribió “Shall we dance?” Fred Astaire y Ginger Rogers,

y “A damsel in distress” (Una damisela angustiada) para Astaire, Joan Fontaine y Gracie Allen.

 

Irving Berlin (1888 –1989),

nacido en Rusia fue un compositor y letrista De Broadway estadounidense,

uno de los más prolíficos y famosos de la historia contemporánea de América.

Berlin, judío, fue uno de los pocos compositores de Tin Pan Alley/Broadway

que escribieron tanto las letras como la música de sus canciones.

Aunque no llegó a aprender nunca a leer música más allá de un nivel elemental,

compuso alrededor de 3000 canciones, muchas de las cuales se conviriteron en canciones populares y estándares, como “Cheek to Cheek”, “Puttin’ on the Ritz”, “Alexander’s Ragtime Band”,

“There’s No Business Like Show Business”,

canciones festivales como “White Christmas” (Blanca Navidad)

o “Eastern Parade” (Desfile de Pascua) e himnos patrióticos como “God Bless America”.

Todas ellas dejaron una huella indeleble en la música y cultura estadounidense.

Produjo 17 películas y 21 espectáculos de Broadway, además de sus canciones individuales.

 

10.1. Identifica los ritmos de la música negra americana:

espiritual, blues, jazz.

 

Diferencia en piezas musicales entre música espiritual, Blues y Jazz.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA AFRICANA QUE HEREDA EL JAZZ

 

Escala pentatónica.

Sólo tienen cinco sonidos y evitan los semitonos, lo que da a esta música una sonoridad especial.

 

La interpretación es colectiva.

Todos participan tocando, cantando, dando palmas, bailando o simplemente llevando el ritmo.

No existe la idea de público pasivo que solamente escucha y aplaude al final,

como en la música europea.

 

La música africana se recuerda,

no se escribe, y a menudo cambia durante la interpretación mediante la improvisación.

Se sigue un patrón de llamada y respuesta,

un tipo de estructura que consiste en una especie de diálogo musical entre un solista y el coro.

 

El solista entona una frase y el coro responde.

Esta es una forma de cantar canciones típicamente africana

que los esclavos africanos aplicaron a las canciones de trabajo:

en las canteras, o en las cuadrillas que construían carreteras,

gran parte del trabajo se realizaba manejando picos, martillos y palas

que seguían un ritmo constante; los cantos de trabajo se adaptaban a la velocidad de los martillos

y eran liderados por un miembro de la cuadrilla, al que después se unían los demás.

Esta forma de cantar es también muy corriente en los espirituales,

que la copian de las canciones de trabajo.

De los espirituales ha pasado a otras formas de música afroamericana,

como el blues o el ragtime.

 

Ritmos complejos.

Normalmente se superponen varios ritmos distintos,

lo que se conoce como polirritmia.

 

Utilización frecuente de la síncopa.

Una síncopa es una nota que comienza en una parte de compás más débil

rítmicamente que aquélla en la que termina,

de manera que se produce un desplazamiento en el acento.

Esto da una sensación rítmica muy rica y marcada y una acentuación “fuera de pulso”,

en la parte débil del compás, que suele acompañarse con palmas

 

Work songs o cantos de trabajo

Los esclavos negros trabajaban en la construcción y desempeñaban tareas agrícolas,

como la recolección de algodón en las plantaciones.

Para mitigar las penurias de la dura faena entonaban canciones de trabajo

en las que ya estaban definidas las características del denominado “sentido del ritmo negro”:

sus melodías sincopadas, basadas generalmente en la escala pentatónica,

estaban articuladas sobre un pulso musical muy marcado, que ayuda a llevar el ritmo en el trabajo,

y utilizaban un patrón de llamada- respuesta típicamente africano.

Los cantos de trabajo desaparecen con la abolición de la esclavitud,

pero influyen en el espiritual y el blues y contribuyen a la formación del jazz.

 

Los espirituales

Los esclavos adoptaron la religión de sus “propietarios”:

el cristianismo protestante, en cuyo culto tenía un importante lugar el canto de himnos

por parte de toda la congregación. Pero los negros adaptaron estos himnos a su forma de cantar,

y esto dio lugar al espiritual negro. Este estilo contiene elementos de los himnos protestantes,

pero manteniendo la expresión espontánea y libre característica de la música africana:

canciones europeas en lo que se refiere al lenguaje musical y a la forma,

pero africanas en el estilo de canto y el modo de expresión

Características de los espirituales:

– Uso de síncopas que variaban los acentos y daban gran riqueza rítmica.

– Los contratiempos eran marcados por palmas.

– El canto era acompañado por movimientos corporales

que recuerdan el antiguo “baile sagrado africano”.

– Existe un paralelismo estructural entre letra y música: a cada sílaba le corresponde una única nota.

– Se generaliza la estructura estrofa-estribillo.

– Se sistematiza la utilización del leit-motiv: suele ser, por lo general, un verso o una palabra

(por ejemplo, “Alleluia”) en forma de interjección

que aparece tanto en las estrofas como en los estribillos.

– Son frecuentes los gritos y clamores espontáneos de los fieles,

como “¡Gloria!” u otras frases de ánimo o afirmación.

– Algunos espirituales eran de movimiento rápido, ritmo vivo y carácter alegre

(Oh, when the Saints).

Otros espirituales, sin embargo, eran lentos y conmovedores, impregnados de nostalgia,

y solían reflejar la creencia de que el sufrimiento se vería recompensado en el cielo.

La interpretación de éstos últimos es emotiva y melódica

y la expresión pasa por una gran elasticidad rítmica.

 

El blues, una canción redonda

blues es un tipo de canción afroamericana que surgió en la segunda mitad del siglo XIX

de la misma mezcla de ideas africanas y europeas

que habían dado origen a los cantos de trabajo y a los espirituales.

Como éstos, el blues cantaba los sentimientos, temores y esperanzas de los cantantes,

pero lo hacía de una forma muy personal.

Los blues eran canciones de lamento e ironía que hablaban del duro trabajo,

de las creencias religiosas o de los desengaños amorosos.

El blues, en gran medida, fue creado por gente que no sabía música,

y por tanto, era una música aprendida de oído e improvisada.

Para facilitar la improvisación, tanto de versos como de música,

se desarrollan una serie de patrones, el más familiar es  el del blues de doce compases.

Musicalmente el blues se caracteriza por lo que se conoce como “rueda de acordes del blues”,

un ostinato armónico formado por una serie de acordes encadenados que se repiten en la canción.

 

La escala del blues

El blues produce a menudo un efecto de melancolía,

lo que se debe a que muchas de sus melodías se basan en la llamada “escala del blues”,

que consiste en una versión de la escala mayor diatónica, en la que algunos grados,

generalmente el tercero y el séptimo se tocan o se cantan un semitono más bajo.

Esto produce un efecto de desafinación intencionada (“calado”)

que ayuda a darle al blues ese sabor tan especial.

 

Guitarra “slide “

La “desafinación” de algunas notas era a menudo resaltada

por el cantante que medio hablaba y medio cantaba.

También fue imitada por los guitarristas que tocaban con un cuello de botella o slide,

un tubo que se coloca sobre uno de los dedos de la mano izquierda del guitarrista

y que después se desliza por las cuerdas hacia arriba y hacia abajo

mientras éstas se puntean con la mano derecha.

La guitarra tiene que estar especialmente afinada para esto.

Los primeros guitarristas usaban un cuello de botella (bottleneck),

que es también propio de la guitarra hawaiana.

 

El blues de doce compases

El blues se caracteriza por su movimiento, que en general es lento

y por su estructura de doce compases en 4/4, que consiste en tres frases

o secciones de cuatro compases cada una. El texto del blues se adapta a esta estructura,

utilizando los cuatro primeros compases para decir algo,

los cuatro siguientes para repetirlo y los cuatro últimos para concluir la idea.

 

La estructura de doce compases y la serie armónica no sólo es utilizada en el blues y en el jazz, sino también en el rock.

Muchas de las primeras canciones del rock que llegaron a ser famosas,

como Rock around the Clock, de Bill Halley; Blue Suede Shoes, de Elvis Presley,

o Can’t Buy me Love, de Los Beatles, están basadas en ellos.

 

Las letras

El sentido del blues queda definido por su propio nombre, ya que la palabra blue significa tristeza, melancolía, y “tener el blues” es sentir la tristeza de una situación a la que no se ve remedio.

Con su especial balanceo rítmico, estas canciones son una síntesis del sentimiento de un pueblo

que a la vez sufre, ama la vida y nunca se da por vencido.

 

La mano izquierda mantiene una pulsación regular y muy marcada

en compás de 2/4 imitando a una marcha de desfile.

– La mano derecha interpreta una melodía sincopada que se “cruza” con la pulsación,

dando lugar a la una sensación rítmica muy fuerte característica del ragtime.

De ahí el nombre de ragged time (“tiempo rasgado”)

En principio el ragtime se tocaba sólo con piano, pero pronto empezó a adaptarse para ser interpretado por las bandas de los locales de diversión de Nueva Orleans.

 

Características del jazz

  • El ritmo marca la melodía.
  • Uso de ritmos sincopados y diferentes al mismo tiempo (polirritmia).
  • La personalidad del solista se muestra por medio de la improvisación: el músico de jazz
  • crea al mismo tiempo que actúa, de manera que dos versiones de una misma melodía
  • son dos obras distintas.
  • Existe una sensación rítmica peculiar, indefinida, que los aficionados llaman “swing”. Así,
  • el jazz tiene swing del mismo modo que el flamenco tiene duende.
  • Las melodías se forman con las escalas mayor, menor, pentatónica y blues.
  • La armonía se va haciendo más compleja, con acordes modernos cada vez más disonantes.
  • Es una música en evolución constante.

 

La formación musical del dixieland nueva Orleans 1910 es bastante estable.

Hay tres instrumentos que destacan: la trompeta, el clarinete y el trombón (sección melódica).

El contrabajo, la batería, el banjo y el piano (sección rítmica) sostienen el ritmo y la base armónica, aunque también pueden improvisar solos.

Es un tipo de música que a menudo se toca en la calle o desfilando. Los instrumentos más pesados, e imposibles de trasladar al aire libre, como el piano, el contrabajo o la batería,

se sustituyen por la tuba e instrumentos de percusión, como la caja y los platos.

 

1920: Estilo Chicago

Una banda de estilo Chicago no se diferencia sustancialmente de una banda de DiXieland.

Lo que sí cambió fue la forma de entender la improvisación:

– Se pierde en gran medida la improvisación colectiva, que producía cierta sensación de confusión.

– Se consolida el “solo” (la improvisación individual).

– Las composiciones se estructuran en torno a un tema principal,

que se escucha solo al principio y al final.

En la parte central los músicos improvisan en función de unas armonías

y un número de compases determinados.

– Esa parte central se estructura en “chorus”, estrofas de improvisación individual.

En cada chorus improvisa un instrumento mientras los demás acompañan.

– Lo típico de estos años es que las bandas de jazz versionen canciones populares.

– La voz se incluye como un instrumento solista más,

que también improvisa y utiliza todos sus recursos expresivos, como el scat.

– El ritmo se suaviza. El estilo Chicago no es tan “alocado “ como el Dixieland.

Louis_Armstrong_restored

Louis Armstrong

es considerado el responsable de la transformación del estilo de Nueva Orleáns en estilo Chicago. Como improvisador, va más lejos que nadie en la transformación de un tema.

Sus solos, tanto de trompeta como vocales,

están perfectamente construidos y respiran espontaneidad.

Su figura ha sido fundamental en el desarrollo del lenguaje del jazz

y ha influido en todos los músicos posteriores.

 

Muchos blues suelen tener una temática social. Las letras hablan de la miseria de la población negra y su segregación en ghetos, de la violencia, los trabajos forzados, el paro y el éxodo rural. Los blues urbanos se centran en la vida hostil y en la soledad del ser humano en las grandes ciudades.

El ragtime

El ragtime es un género para piano en el que las dos manos del pianista tienen funciones claramente diferenciadas:

 

Moda: la revolución en el mundo de la moda y en el vestido de la mujer. Cocó Chanel

coco chanel

 

 

11.1. Analiza la revolución en el traje femenino que supuso la obra de Coco Chanel.

Si hay algo icónico en los años 20 son las flappers.

Pocas cosas pueden resumir tan perfectamente el espíritu de esos locos

y supuestamente felices años como esas mujeres liberadas,

que se enfrentan a todas las normas establecidas

y piden el voto femenino, bailan jazz, beben licores, fuman con boquilla,

conducen, se cortan el pelo en bobs o el incluso más atrevido “Eton Crop”

Eduardo Benito

que se puede apreciar en el dibujo de Eduardo Benito,

un dibujante español que triunfó en revistas como Vogue o Vanity Fair en esos años.

Resulta curioso que muchos de los gustos estéticos preferidos de Gabrielle “Coco” Chanel

sigan siendo los que hoy siguen dominando:

mujeres altas y delgadas, de piel morena, el uso de prendas sport y de influencia masculina,

la influencia marinera, los trajes como prendas elegantes

o la bisuteria como sustituto perfectamente aceptable de las joyas.

Nacida en 1883 en una familia de pocos recursos, se cría en un orfanato y es allí con las monjas donde aprende a coser y son ellas las que con 17 años le consiguen un trabajo como costurera,

que pronto abandona para dedicarse al mundo del cabaret.

En este mundo se relaciona con muchos hombres adinerados

y será uno de sus amantes el que financie su primera tienda,

una sombrerería que abre en París en 1909

que rápidamente extenderá a otras ciudades costeras francesas.

Y mientras alternaba amantes ricos (se la llega a realacionar incluso con el Duque de Windsor)

y mentiras sobre su vida, en 1910 abre por fin su casa de modas

en el 21 de la Rue Cambon de Paris, que en pocos años ocupará también los números 27, 29 y 31.

A partir de aquí todo son éxitos: en 1921 crea el perfume Nº 5,

en 1927 su famoso vestido negro, la generalización del punto.

Una de las tradiciones más antiguas en cuanto a la vestimenta

es la de asociar el color negro al luto,

costumbre que está documentada se practica desde el Imperio Romano.

Por eso no es de extrañar que en un encuentro casual en París el diseñador Paul Poiret

le preguntase a Coco Chanel por quién lo llevaba al verla vestida con un vestido negro.

“Por usted” fue la respuesta.

Y es que una de las mayores revoluciones de Chanel fue romper este vínculo

e introducir ese color en la vida de la mujer como sinónimo de elegancia.

Y es que el Petite Robe Noir (PRB), el Little Black Dress (LBD) o simplemente el vestido negro que revolucionó la moda en 1926 y que fue calificado como “el modelo Ford T de Chanel

o como el uniforme de la mujer moderna tras ser publicado en Vogue.

La II Guerra Mundial la obliga a cerrar sus tiendas y los años de ocupación nazi,

junto con su romance con un oficial alemán así como las acusaciones de haber sido una espía nazi

la obligan a exiliarse en 1945 a Suiza.

En 1954 regresa a París siguiendo el consejo de la directora de Harper’s Bazaar Carmel Snow

y reabre su negocio. En Francia no es muy bien recibido su regreso,

ya que no habían olvidado su comportamiento,

y la prensa de moda en Gran Bretaña critican su inmovilismo

pero triunfa en Estados Unidos con su pieza estrella estos años: el traje de tweed.

Los 17 años siguientes, en los que trabajó incansablemente hasta su muerte a los 87 años, terminarían por darle la razón a Coco y en la actualidad las creaciones de ambas etapas

son fuente continua de inspiración en la moda actual.

 

Mas conceptos artísticos de esta época, que se solapan en otros bloques

 

Cine: El ángel azul, Josef von Sternberg, Marlene Dietrich.

 

(El ángel azul)

https://youtu.be/LXcxyAs2V68

 

El expresionismo alemán:

El gabinete del doctor Caligari. Robert Wiene.

 

 

El género de la “Ciencia ficción”. Frizt Lang y su película

“Metrópolis”.

 

 

Música dodecafónica, serialista y atonal. Arnold Schönberg.

 

La música norteamericana. Irving Berlin, George Gershwin

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


bloque 7 la gran depresión y el arte de su época

índice BLOQUE 7. LA GRAN DEPRESIÓN Y EL ARTE DE SU ÉPOCA

El fin de la fiesta. La crisis económica. El crack bursátil de 1929.

Crisis económica mundial. Auge de los totalitarismos.

  • La fotografía comprometida con los pobres: Dorothea Langue, Walker Evans.
  • La primera película de animación: Blancanieves y los siete enanitos” de Walt Disney.
  • El cómic europeo: “Tintín”, Hergé.
  • El cómic norteamericano.El primer súper héroe: “Superman” Jerry Siegel, Joe Shuster.
  • El héroe triste y solitario: “Batman” BobKane, Bill Finger.

El orgullo americano: “Captain America” Joe Simon, Jack Kirby.

Las aventuras espaciales: “Flash Gordon”, Alex Raymond.

  • El exotismo selvático: “Tarzán”, Burne Hogarth.
  • El cine español. Producciones Cifesa. Ballet:

La trayectoria del Ballet de la Ópera de París. Serge Lifar.

  • Las “Big Band” americanas: Benny Goodman, Glenn Miller, Duke Ellington, Tommy

 

7 la gran depresión y el arte de su época

El fin de la fiesta. La crisis económica. El crack bursátil de 1929.

Crisis económica mundial.

 

  1. El crack bursátil de 1929. Crisis económica mundial. Auge de los totalitarismos.

 

Causas de crack de 1929

En primer lugar, hay que tener en cuenta que Estados Unidos

había tenido un crecimiento económico, y una alta prosperidad.

Los ingresos de la población no habían subido tanto

como para que el consumo siguiera creciendo.

En la industria se había producido un incremento importante de la producción,

tras la recuperación de la crisis de 1921, el desarrollo había sido constante hasta 1927, produciéndose abundancia de productos industriales.

En la agricultura el aumento de la producción era importante había superproducción.

La principal causa fue la especulación

(los precios de las acciones no reflejaban la situación económica real de las empresas),

los negocios eran más rápidos y beneficiosos, los pequeños ahorradores que decidieron invertir, hicieron de esto su forma de vida; no se invertía con el dinero ahorrado,

los agentes de la bolsa prestaban a sus clientes más dinero

tomando como garantía los propios títulos comprados,

porque pensaban que el precio de las acciones nunca bajaría.

 

Consecuencias del crack en EEUU

A partir de ese momento empezó la gran depresión.

Miles de inversores se arruinaron, y los que habían comprado las acciones con créditos,

ya no los podían pagar.

Aumentó el pánico de toda la población

Hubo suicidios masivos.

Crisis agrícola por la caída de precios.

Los bancos quiebran (más de 2000) ya que miles de personas acudieron a retirar sus ahorros

de las entidades, y estos no lo pudieron soportar.

Falta capital para la industria

El paro aumenta (más de 12 millones de desempleados)

El consumo se contraerá, por lo que las empresas no podrán salir adelante,

ya que el número de consumidores de sus productos desciende,

ya que muchos de ellos están arruinados y otros con una situación económica muy complicada.

 

La fotografía comprometida con los pobres: Dorothea Langue, Walker Evans

 

A NIVEL MUNDIAL

La crisis se expande al resto del mundo,

con lo que se generaliza una cierta desconfianza frente el sistema capitalista

que se centra en las clases más desfavorecidas.

En esta época tienen un auge espectacular el comunismo y el fascismo.

Las conexiones entre la economía internacional y la de Estados Unidos,

pero sobre todo la dependencia de este país sobre la economía europea,

hicieron que la Gran Depresión, se extendiera por todo el mundo.

La caída de los precios en América afectó a las industrias de otras partes de mundo

que tenían precios superiores a los estadounidenses y que al no poder competir,

vieron disminuidas sus exportaciones.

Por otra parte, la reducción de la demanda norteamericana, (es decir, de sus importaciones), frenó las exportaciones de muchos países, con lo que disminuyó el comercio mundial.

Los Estados Unidos también trataron de repatriar capitales

que habían invertido en diferentes países.

Esto tuvo una especial repercusión en Alemania

que tenía cuantiosos créditos tomados a Norteamérica,

pues ese país había sido prácticamente obligado a endeudarse

para hacer frente a las reparaciones de guerra estipuladas en el Tratado de Versalles,

las que debían ser pagadas en efectivo.

 

En España, el frustrado proceso de modernización

que intentaron algunos sectores de la sociedad, durante la II República,

coincidió con la depresión económica más grave de la historia del capitalismo.

La Guerra Civil Española desangró a España,

la convirtió en un Estado totalitario

y sirvió de preámbulo a la gran guerra que estaba por venir en el continente.

 

  1. El arte social o comprometido.

 

2.1. Comenta la obra fotográfica de Dorothea Lange y Walker Evans.

Fotografía como documento social

  • Diferencia entre reportaje documental

y reportaje de actualidad

  • La fotografía documental

trata de situaciones existentes y prolongadas.

  • El reportaje de actualidad

toma las situaciones o sucesos como si fuesen casos breves

y aislados y se concentra sobre los hechos básicos (Qué ocurrió, a quién, cuándo y donde).

  • La fotografía documental

examina sucesos y las condiciones relacionándolos con las vidas afectadas por ellos.

Busca las causas del suceso y

las consecuencias de éste para las personas que han tomado parte o que se ven afectadas por él.

  • La fotografía de actualidad

ilustra acontecimientos que conmueven a la opinión pública y la hacen reaccionar.

  • La fotografía documental

está motivada por un sentimiento de identificación, la toma de cierta postura

y por el interés que posee el fotógrafo.

Lo que está mostrando es importante para él y desea que ella,

en el convencimiento de que si las consecuencias humanas son comprendidas,

el público tomará consciencia y actuará.

Dorothea Lange -

Dorothea Lange

(1895 – 1965) fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense,

mejor conocida por su obra la “Gran Depresión”

para la oficina de Administración de Seguridad Agraria.

Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión

la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.

Con el comienzo de la Gran Depresión,

Lange llevó el objetivo de sus cámaras de su estudio a las calles.

Sus estudios de desempleados y gente sin hogar

llamaron pronto la atención de fotógrafos locales

y la llevaron a ser contratada por la administración federal,

posteriormente llamada “Administración para la Seguridad Agraria”

(Farm Security Administration).

En diciembre de 1935 se divorcia de Dixon

y se casa con el economista agrario Paul Schuster Taylor,

profesor de economía de la Universidad de California.

Taylor forma a Lange en asuntos sociales y económicos,

y juntos realizan un documental sobre la pobreza rural y la explotación de los cultivadores

y trabajadores inmigrantes durante los siguientes seis años.

Taylor hacía las entrevistas y recogía la información económica,

y Lange hacía las fotos.

Entre 1935 y 1939 Lange trabajó para departamentos oficiales,

siempre retratando en sus fotos a pobres y marginados,

especialmente campesinos, familias desplazadas e inmigrantes.

Distribuidas sin coste a los periódicos nacionales,

sus fotos se transformaron en íconos de la era.

Lewis Hine

Lewis Hine

En 1932 publicó su colección Men at Work, Periodo 1920-1940 En éste periodo,

Hine comenzó la serie “El hombre en su trabajo”,

que documentalizó la dignidad y personalidad de quienes trabajaban en la industria.

Esta serie culminó a principios de los años treinta

con un excepcional proyecto documental sobre la construcción del Empire State Building,

desde la primera excavación hasta la colocación de la viga de acero más alta.

Hine apuntó por vez primera que la idea de una fotografía documental

completamente real y objetiva, era imposible.

Walker Evans

Walker Evans,

(1903 1975) fotógrafo estadounidense.

Estudio en Williams College entre 1922-1923 y en la Sorbona en 1926,

se inició en la fotografía en 1930.

Obtuvo una beca de la Fundación John Simon Guggenheim en 1940.

Se incorporó en 1945 la revista Time y a la revista Fortune en 1965.

Ese mismo año pasó a ser profesor de fotografía en la escuela de arte de la Universidad de Yale.

Su trabajo está relacionado con la crisis económica del 29 ,

durante esta década participa en el programa Farm Security Administration.

Las imágenes de los aparceros en Alabama,

al igual que las de Dorothea Lange se encuentran entre los iconos del mundo moderno.

Evans encuentra la belleza en los objetos banales y cotidianos

Su obra fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte en 19942

Todos los derechos corresponden por lo tanto al Met,

excepto las fotos que hizo para el Farm Security Administration

y que conserva la Biblioteca del Congreso

 

2.2. Compara la obra fotográfica de los artistas comprometidos socialmente,

con la fotografía esteticista, de, por ejemplo, Cecil Beaton.

Cecil Beaton

 

Cecil Beaton

fue conocido por su primera exposición en Londres de 1926.

A continuación, tras crear su propio estudio de fotografía (dedicado a la moda y a los retratos)

a finales de la década de 1920, trabajó para la edición americana de Vogue,

que le contrató inicialmente como ilustrador antes de convertirse en fotógrafo.

Poco después, firma un contrato con la versión británica de la revista Vogue en 1931

Comenzó su carrera fotografiando a sus amigos ricos y famosos.

También trabajó con la revista de moda Harper’s Bazaar y para la revista Vanity Fair.

Realizó numerosos retratos de celebridades en el Hollywood de los años 1930,

y fue retratista oficial de la familia real británica en 1937

A principios de la década de 1950, acusó una cierta decadencia como fotógrafo de moda,

y se convirtió en un fotógrafo independiente.

En esta época, se encargó de fotografiar la magnificente fiesta organizada

en su palacio de Venecia por el excéntrico multimillonario de origen hispano-mexicano

Carlos de Beistegui, a quien llegó a conocer de cerca.

A partir de entonces, se fue volcando en la elaboración de decorados y vestuarios

para el teatro y para el cine.

 

3 La importancia del arte como denuncia social.

Las Hurdes, tierra sin pan” de Luis Buñuel.

Las Hurdes, tierra sin pan de Luis Buñuel.jpeg

 

Las Hurdes, tierra sin pan es un documental de 27 minutos, dirigido por el cineasta español Luis Buñuel y rodado entre el 23 de abril y el 22 de mayo de 1932.

Aunque originalmente era mudo, en 1935 obtuvo dinero de la embajada de España en París

para sonorizarlo (narrado en francés por una voz en off).

Este crudo documental sobre la situación de atraso en que permanecían Las Hurdes

está basado en un estudio de antropología de Maurice Legendre, (1927),

que por esos años leyó el cineasta.

Con esta película Buñuel da un giro a su obra, alejándose del surrealismo ortodoxo

para acercarse a propuestas más sociales y al comunismo.

Pero el surrealismo siempre aspiró a reflejar la realidad en sus distintas facetas

y nunca a darle la espalda.

Partían de la realidad para encontrar los elementos nunca vistos convencionalmente para constituir nuevas facetas del surrealismo,

que era un movimiento de rebeldía contra la sociedad burguesa en todos sus aspectos

y que tenía como arma principal el escándalo.

Buena parte de estos objetivos se cumplen en esta cinta de Buñuel,

pues consiguió escandalizar a los gobernantes e intelectuales de su tiempo

y con ello obtuvo una repercusión que permitió difundir el mensaje social

y de denuncia que tenía este documental

financiado por el intelectual anarquista Ramón Acín.

La belleza terrible y amarga de las imágenes de Las Hurdes

(el burro matado por abejas,

el entierro del niño en su ataúd blanco descendiendo por el río)

encierra tanto surrealismo como La Edad de Oro.

 

Repercusión

Al estreno del filme en el Palacio de la Prensa de Madrid

acudió el doctor Gregorio Marañón,

que había acompañado a Alfonso XIII en su visita a Las Hurdes en 1922.

Indignado por lo desagradable y según él lo injusto de la película,

protestó enérgicamente contra ella,

opinión que recibió y compartió el gobierno de la Segunda República

que decidió prohibirla por la mala imagen que presentó de España.

En 1937 el filme se estrenó en Francia

donde, también a los pocos días de su proyección,

hubo de ser retirada a instancias del gobierno francés y de la prensa.

Es curioso observar que casi veinte años después

ocurrió algo parecido con la película Los olvidados,

que retrataba los barrios más deprimidos de Ciudad de México

y cuyo estreno en México provocó reacciones violentísimas.

Fue solicitada la expulsión de Buñuel por parte de la prensa,

sindicatos y otras asociaciones.

Permaneció solo cuatro días en cartel

sin que faltaran intentos de agresión física contra el cineasta,

solo que en esta ocasión el premio conseguido en el Festival de Cannes

hizo que la película fuera avalada por el prestigio de este importante certamen,

así como por la defensa que de ella hicieron algunos intelectuales mexicanos,

entre los que destacó Octavio Paz.

 

La primera película de animación: Blancanieves y los siete enanitos” de Walt Disney.

Blancanieves y los siete

4 La importancia para el cine de la obra creativa de Walt Disney.

“Walt” Disney

DisneyDali_Walt

(Chicago 1901-1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación infantil,

está considerado un ícono internacional

gracias a sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento

durante gran parte del siglo XX, famoso por personajes como

el Pato Donald o Mickey Mouse. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney

la compañía Walt Disney Productions, que años después se convirtió

en la más célebre productora del campo de la animación

hoy es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos del mundo, en especial Mickey Mouse, una caricatura de un ratón,

a la que el propio Disney puso su voz original.

«La locura de Disney»: Blancanieves y los siete enanitos

Aunque los ingresos del estudio eran muy considerables,

no eran todavía suficientes para Disney,

quien en 1934 empezó a planear la producción de un largometraje.

Cuando en la industria de la animación se supo que Disney planeaba la producción

de un largometraje animado sobre Blancanieves,

se bautizó al proyecto como «la locura de Disney»,

y todo el mundo estuvo de acuerdo en que el proyecto terminaría arruinando al estudio. Investigaría acerca de la animación realista de seres humanos,

la creación de personajes animados con personalidad definida,

efectos especiales, y el uso de procesos especializados

y aparatos como la cámara multiplano.

Frente a la cámara se coloca una serie de capas espaciadas unas de otras,

y se mueven a distintas velocidades, para generar una sensación de profundidad.

El proceso de producción de Blancanieves y los siete enanitos

(Snow White and the Seven Dwarfs) se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937. Blancanieves, el primer largometraje animado de lengua inglesa,

y el primero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938.

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Aportaciones de Disney al cine de animación.

 

Las películas de Disney siempre han ido a la vanguardia

en lo que se refiere a la tecnología del cine de animación.

A veces experimentando con técnicas por primera vez,

otras veces lanzando a nivel masivo innovaciones creadas por otros.

Veamos algunos de sus hitos:

 

Interacción de actores reales con dibujos animados

Cortos conocidos como Alice Comedies (1923),

en los que una niña interpretada por Virginia Davis nteractuaba con personajes animados

de un mundo de fantasía y con su gato, llamado Julius.

 

Sincronización de imagen y sonido en animación

En 1928 Disney estrenó el revolucionario Steamboat Willie,

primera película de animación con sonido protagonizada por Mickey Mouse.

La primera película sonora de la historia se estrenó solo unos meses antes,

en 1927 El cantor de Jazz

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Technicolor

Dentro de su serie Silly Symphonies, Disney fue experimentando

con distintas temáticas y técnicas.

En 1932, lanzó Flowers and Trees, primer corto animado en Technicolor

 

Primer largometraje animado

También en Blancanieves se presentó la cámara multiplano

que inventó William Garity para la compañía.

 

Sonido estereofónico

En Fantasía en 1940 y por primera vez en una película comercial,

Disney usó sonido estereofónico multicanal.

Fantasía en 1940

 

Canción del Sur, en 1946, o solo fue el primer largometraje de Disney

en usar a actores reales, y  compartirlos con escenas con dibujos animados.

ejemplos

 

Innovación en el uso de xerografía.

101 Dálmatas introdujo un nuevo proceso de Xerografía:

el animador Ub Iwerks había estado experimentando con cámaras Xerox,

para transferir dibujos directamente a celuloide, eliminando el proceso de entintar.

 

Animación por ordenador

Tron es una película insólita, casi inexplicable desde una perspectiva empresarial,

pero esencial para entender el cine de animación actual:

con ella, John Lasseter comenzó a testear las posibilidades

de un corto con fondos digitalizados.

Fue despedido después de una reunión en la que intentó convencer a sus jefes

de la conveniencia de producirlo.

De ahí a Lucasfilm Computer Graphics y a Pixar desarrollaron la animación por ordenador

con hitos como Toy Story, Monstruos SA o Cars.

El círculo se completó cuando en abril de 2006, Disney compró Pixar

y Lasseter pasó a ser director creativo de Pixar… y Walt Disney Animation Studios.

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CAPS (Computer Animation Production System)

CAPS era una colección de programas, sistemas de escaneado, servidores, ordenadores en red

y estaciones de trabajo dedicadas que desarrollaron Disney y Pixar a finales de los ochenta.

Este sistema eliminó la necesidad de celuloide,

cámara multiplano y efectos especiales tradicionales,

computerizando el proceso de entintado y coloreado, entre otros detalles de postproducción. Paradójicamente, el sistema solo se empleó en un plano de La Sirenita.

La Sirenita supuso, así, la última película de la productora

que incluyó en su metraje animación clásica en celuloide.

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5 El Cómic en la gran depresión

La Gran Depresión de 1929 impulsaría una renovación temática

y estilística en la historieta estadounidense, de tal manera que,

a pesar de la aparición de notables series de comedia como Li’l Abner (1934) de Al Capp,

los siguientes años estarían marcados por las tiras de aventuras,

tras el éxito Flash Gordon (1934) de Alex Raymond, Príncipe Valiente de Harold Foster

y el Tarzán de Burne Hogarth, ambos de 1937, Superman Jerry Siegel

y Joe Shuster 1938, Batman de Bob Kane.,

potenciarían un grafismo realista y elegante, cercano a la ilustración,

en detrimento del grafismo caricaturesco habitual hasta entonces,

pero, lo que es más importante, sustituyeron definitivamente lo episódico por la continuidad, tornando fundamental el suspense en la última viñeta para fidelizar lectores.

Mientras tanto, Paul Winckler había fundado en 1928 y en París la agencia Opera Mundi

para distribuir el cómic norteamericano en toda Europa.

 

Las revistas franco-belgas como Junior o Coeurs Valliant

que incluían una historieta de aventuras con un grafismo característico:

Tintín, creado en 1929 por Hergé.

Pronto se sumará a ellas Le Journal de Spirou, revista nacida en 1938 en Marcinelle (Bélgica), que hoy en día se sigue publicando

y en la que habrán de trabajar todos los grandes maestros del cómic franco-belga.

 

El cómic europeo: “Tintín”, Hergé.

Hergé

 

5.1. Analiza la importancia del cómic europeo,

especialmente la obra de Hergé

Las aventuras de Tintín (cuyo nombre original, en francés, es Les Aventures de Tintin et Milou) es una de las más influyentes series europeas de historieta del siglo XX.

Creada por el autor belga Georges Remi (Hergé),

y característica del estilo gráfico y narrativo conocido como “línea clara”,

está constituida por un total de 24 álbumes,

el primero de los cuales se publicó en 1930 y el penúltimo en 19761

(el último, Tintín y el Arte-Alfa, no llegó a terminarse,

aunque se publicaron posteriormente los bocetos realizados por el autor).

En la serie, junto a Tintín, un intrépido reportero de aspecto juvenil

y edad nunca aclarada que viaja por todo el mundo junto con su perro Milú,

hay una serie de personajes secundarios que han alcanzado tanta o más celebridad

que el protagonista: entre ellos, el capitán Haddock,.

Las aventuras de estos personajes están cuidadosamente ambientadas en escenarios reales

de los cinco continentes, y en lugares imaginarios creados por Hergé.

 

  • Línea clara:
  • Delimitación de las figuras mediante una línea continua y depurada.
  • Ausencia de tonos intermedios, manchas de negro y efectos de sombra y luz.
  • Aplicación del efecto máscara, es decir la combinación

de unos personajes gráficamente caricaturescos con un entorno realista.

  • Respeto a la narrativa clásica,

aunque no excesivamente encorsetada en el montaje de los planos (viñetas).

  • Amor a la Historieta de Género, especialmente a la historieta de aventuras.

 

El cómic norteamericano.

 

El primer súper héroe: “Superman” Jerry Siegel, Joe Schuster. El héroe triste y solitario: “Batman” Bob Kane, Bill Finger. El orgullo americano: “Captain

Superman

 

 

5.2. Explica el nacimiento de los superhéroes norteamericanos del cómic:

 

Un superhéroe

es un personaje de ficción cuyas características superan las del héroe clásico,

generalmente con poderes sobrehumanos aunque no necesariamente,

y entroncado con la ciencia ficción.

Generados a finales de los años 1930 en la industria del comic book estadounidense,

que contribuyeron a levantar, han gozado de multitud de adaptaciones a otros medios, especialmente el cine. características típicas de los superhéroes son:

Un origen o momento en el que se convierte en superhéroe,

ya sea por ser el modo en que obtuvo sus capacidades especiales

o el momento del trauma que le obligó a ello.

Los más frecuentes son:

Origen no humano:

extraterrestres, dioses mitológicos, semidioses, razas ficticias apartadas de la humanidad, robots, fantasmas, demonios, etc.

Ejemplos: Superman, Thor, los Inhumanos, la Visión y Ghost Rider.

Origen natural:

mutantes.

Ejemplos: Wolverine y Cíclope.

 

Experimentos científicos.

El origen del superhéroe puede ser una consecuencia accidental de un experimento.

Ejemplos: Spider-Man, Flash, Hulk o Los 4 Fantásticos.

También pueden ser incluidos experimentos con un fin buscado deliberadamente

(como Capitán América).

 

Obtención de tecnología avanzada o artefactos místicos,

como el anillo de Linterna Verde, la armadura de Iron Man o el adamantium

del que están hechos las garras y el esqueleto de Wolverine.

 

Traumas.

Por ejemplo, aquellos superhéroes cuyas familias fueron asesinadas.

Suelen carecer de superpoderes pero disponen de sofisticadas armas,

herramientas y habilidades que les permiten hacer justicia:

Batman, The Punisher, Daredevil, etc.

 

Una o varias capacidades especiales:

Superpoderes:

capacidades superiores a las de los humanos corrientes,

como lanzar rayos energéticos, volar, fuerza sobrehumana,

invulnerabilidad, telepatía, telequinesis, etc.

 

Tecnología

muy por delante de su época, como Iron Man.

 

Poderes místicos,

como el Doctor Extraño, Zatanna o el Doctor Fate.

Por lo general no aparecen como poderes “propios” del personaje,

sino como técnicas ocultas de invocación de poderes

o entidades sobrenaturales que podrían ser aprendidas y dominadas

por cualquiera que también las estudiase.

 

Conocimientos

de artes marciales, científicos, o de otro tipo, como Puño de Hierro.

 

Habilidades atléticas,

como el Capitán América o Flecha Verde.

 

Gran inteligencia,

como Mr. Fantástico y Batman.

 

Su lucha desinteresada en defensa del inocente,

ya sea combatiendo el crimen, catástrofes, invasiones extraterrestres o cualquier otra amenaza, con frecuencia al margen de la ley.

Se puede hablar así de su estructura de valores morales:

generosidad, sacrificio, autocontrol, piedad, etc.

que convierten a los superhéroes en verdaderos “santos” modernos

(“salvadores del mundo” dentro de la más auténtica tradición cristiana),

en un mundo que carece de fe en los antiguos.

En cualquier caso, no modifican de forma importante la vida en la Tierra,

dedicándose a asuntos de poca trascendencia

(no acaban con la guerra ni el hambre, por ejemplo).

También puede relacionarse con el triunfo del individualismo,

atemperado con la idea de servicio a la comunidad y el trabajo en equipo.

 

Su perfección anatómica

suele seguir cánones cercanos a los grecolatinos,

aunque puedan seguir otras estéticas, como la del manga.

 

Una identidad secreta

(doble identidad o álter ego); tienen una identidad de “civil”,

aparentando ser una persona corriente, y otra bajo la que actúan como superhéroes,

como Clark Kent (Superman) o Peter Parker (Spider-Man),

aunque hay excepciones como Los cuatro fantásticos.

 

Un uniforme, generalmente muy ajustado

(para llevarlo bajo la ropa civil) y de colores llamativos, que suele ocultar su identidad secreta,

a la vez que le identifica como superhéroe.

Para algunos teóricos, este “traje ajustado que parece una exhibición de ropa interior”

es el verdadero rasgo que los distingue de otros personajes con poderes sobrehumanos,

como Doc Savage o La Sombra.

 

Una galería de villanos,

personajes con características similares a las de los superhéroes

excepto en las referidas a su motivación y sus métodos,

por lo general opuestos a los del mismo.

Las historias sobre superhéroes casi siempre involucran en algún grado un conflicto

del héroe con un villano o grupo de villanos:

el Duende Verde (de Spider-Man), el Joker (de Batman), el Mandarín (de Iron Man),

Lex Luthor (de Superman) o Red Skull (del Capitán América).

 

Originalmente los creadores de Superman,

1938 Jerry Siegel y Joe Shuster, concibieron al personaje como un villano creado por un científico loco pero dándole vueltas a la idea crearon un cuento de un Súper Hombre proveniente de otro planeta que hacia el bien.

La idea fue rechazada de golpe,

pero convencidos de que había creado un concepto totalmente nuevo insistieron hasta que,

ya en formato de comic, su historia fue aceptada.

En el año 1938, el editor Max Gaines aprobó la publicación

y en el mes de junio de ese año, Superman fue publicado en la revista “Action Comic”,

al precio de diez centavos.

El éxito fue instantáneo; en dos semanas, la edición # 1 de la revista Action Comic,

en la que se publicó la primera aventura de Superman, se agotó.

Este fue el inicio de la avalancha de superhéroes que coparon el mercado

de los magazines de comics o revistas de historietas de los años 30 y 40.

Superman posee extraordinarios poderes

y se le describe tradicionalmente como «más rápido que una bala,

más poderoso que una locomotora, capaz de saltar altos edificios de un solo salto»,

superfuerza, invulnerabilidad, supervelocidad,

poderes de visión (rayos x, calorífica, telescópica, infrarroja, y microscópica),

superoído, y superaliento, el cual le permite soplar a temperaturas congelantes

así como ejercer la fuerza de un viento huracanado.

Batman

Batman

es una serie de cómics con el héroe homónimo de DC Comics. 1939.

En 1940, un mes después de la primera apareció su nuevo compañero,

Robin el Chico Maravilla.

Autores Bob Kane, Bill Finger.

El caballero de la noche, un emblema de DC.

A diferencia de muchos otros superhéroes, Batman no posee superpoderes,

por lo que hace uso de «sus conocimientos científicos, habilidades detectivescas

y una gran destreza física». Así como tampoco utiliza armas de fuego,

ya que manifiesta un rechazo a las mismas debido al asesinato de sus padres

perpetrado con un arma de fuego.

En las historias es considerado como uno de los mejores detectives del planeta.

Sin embargo posee solo una regla, razón por la cual es conocido y temido

por los criminales de la ciudad:

Batman no mata, pero si sabe hacer daño,

ya que se vale de cualquier método para atrapar a los criminales

u obtener la información que necesita de ellos,

incluyendo a veces la intimidación y la tortura física.

Captain America

“Captain America” Joe Simon, Jack Kirby.

El superpatriota supersoldado de los Estados Unidos.

Steve Rogers fue inoculado con un misterioso suero del supersoldado

desarrollado por el profesor Reinstein para el gobierno estadounidense,

lo que le permitió “aumentar su físico y mejorar sus tejidos cerebrales

hasta alcanzar una estatura e inteligencia sorprendentes.

” En el universo Ultimate, además, el suero del supersoldado

ha hecho a Rogers inmune a gases venenosos,

enfermedades de todo tipo y le permiten recuperarse a una velocidad mayor de cualquier herida. Además de sus habilidades de combate,

Rogers tiene una gran habilidad arrojando su escudo,

pudiendo impactar contra varios blancos con un solo lanzamiento.

Debuto en 1941 en Captain América Comics

1, número que en la portada lo mostraba metiéndole un sonoro puñetazo al mismísimo Hitler,

el número vendió un millón de copias.

FlashGordon

1934 “Flash Gordon”, Alex Raymond.

Su punto de partida es bastante delirante: Flash Gordon, un famoso jugador de polo,

y Dale Arden, futura novia del héroe, se lanzan en paracaídas

cuando el avión en que viajaban se estrella contra un meteorito.

Caen cerca del lugar donde el científico Hans Zarkov prepara sus planes

para desviar la trayectoria de un meteorito mayor que va a chocar contra la Tierra.

El plan consiste nada menos que en lanzar un cohete contra el meteorito.

En ese cohete viajan él mismo, Dale Arden y Flash Gordon.

Como resultado, viajan con ese cohete por el espacio y, van a parar al planeta Mongo,

futuro escenario de sus aventuras.

A pesar de lo absurdo del planteamiento inicial, las aventuras de Flash y sus amigos

en el planeta Mongo, y sus combates contra el malvado Ming en unos extraños escenarios,

en parte futuristas, en parte inspirados en antiguas civilizaciones, tuvieron un gran éxito.

La obra de Alex Raymond, en especial Flash Gordon fué modelo de todas las historias

de ciencia ficción durante muchos años. Se ha alabado la perfección académica de sus figuras, de una concepción casi escultórica, e incluso el efectismo en general de su dibujo,

 

Influencias de Flash Gordon Serie TV que se emitió en los 50 .

“The new adventures of Flash Gordon”, emitida entre 1979 y 1980,

fue la única serie de dibujos animados sobre el héroe.

Se produjo también una película de dibujos para televisión,

escrita por el guionista de Star Trek Samuel Anthony Peeples y llamada

“Flash Gordon: The greatest adventure of all”.

1980 se filmó la película “Flash Gordon”,

producida por Dino de Laurentiis y protagonizada por Sam J. Jones,

acompañado de actores como Max Von Sydow (Ming) u Ornella Mutti (Aura).

Esta nueva versión introducía algunos cambios en el argumento,

pero mantenía la esencia de la tira original.

El grupo británico Queen se hizo cargo de la banda sonora,

dándole al film aún más repercusión con el tema principal, “Flash”.

 

America” Joe Simon, Jack Kirby. Las aventuras espaciales: “Flash Gordon”, Alex Raimond. El exotismo selvático: “Tarzán”, Burne Hogarth.

 

 

(Flash Gordon)

 

Tarzán”de Burne Hogarth

 

(Tarzan)

 

 

5.5. Comenta la relación entre cine y cómic en el caso de:

“Tarzán”de Burne Hogarth. “Tarzán” de Burne Hogarth.

en 1936 le llegó su gran oportunidad al ser designado sucesor de Harold Foster

al frente de la página dominical de Tarzán, de United Feature Syndicate, q

ue realizaría durante un total de doce años, de 1937 a 1945, y de 1947 a 1950.

En su trabajo con Tarzán se han observado influencias del manierismo

—sobre todo en su tratamiento del cuerpo humano—,

el barroco e incluso el expresionismo alemán y el arte chino,

en lo que se refiere a la abigarrada composición de sus páginas,

hasta el punto de recibir el apodo de «Miguel Ángel del noveno arte».

Otorgó una agitación y un dinamismo inéditos en el resto de cómics de la época.

 

Hogarth ha superado brillantemente los márgenes del tiempo y sigue estando vigente

desde el punto de vista gráfico Del Cómic al Cine Tarzán,

uno de los íconos de la cultura popular, y por ende,

el personaje más representativo de la jungla africana,

ha tenido una agitada historia desde su creación en 1912 ,

pasando de los cómics a la pantalla grande.

Repasemos a continuación su trayectoria a través de los años.

Tarzán fue creado por Edgar Rice Burroughs,

y apareció por primera vez en el “pulp” ALL STORY MAGAZINE (octubre de 1912).

Tarzán y sus padres – aristócratas ingleses – fueron abandonados en la costa occidental

de África, y luego de que estos últimos murieron, el niño John Clayton III

-Lord de Greystoke- fue adoptado por Kala, perteneciente a una manada de monos.

Tarzán no solo fue un éxito en el papel sino que traspasó su gran influencia a la pantalla grande, donde se produjeron 89 películas entre 1918 y el 2010

(el primer actor en caracterizarlo fue Elmo Lincoln).

También se realizaron series televisivas entre 1958 y el 2003.

Quizá los actores más recordados fueron Johnny Weissmüller, Lex Barker,

Gordon Scott y Ron Ely

Los Primeros Dibujantes de Tarzán LOS DIBUJANTES DE TARZAN

Tarzán empezó a publicarse en los clásicos pulps en 1929, novelas de edición popular,

donde no había más dibujo que en la portada.

Si embargo, a poco tiempo pasó a editarse en las tiras dominicales y en el cómic book,

lo cual significó que un gran número de artistas deje su marca y sea recordado notablemente.

A continuación un listado de los grandes dibujantes de Tarzan.

 

1.Tira dominical:

Inicialmente fue Hal Foster el que le dio la apariencia a Tarzán

Luego continuarían Rex Maxon, Burne Hogarth, Ruben Moreira,

Bob Lubbers, John Celardo, Russ Manning (el más reconocido de todos),

Gil Kane, Mike Grell, Thom Yeates y Gray Morrow.

 

  1. Cómics:

Varias editoriales americanas tuvieron los derechos para realizar cómics del hombre mono. Caben resaltar a la DELL Comics, luego Gold Key, DC Comics, Marvel Comics,

Editorial Novaro, Blackthorne Comics, Malibu Comics y Dark Horse.

6 Explicar la trascendencia posterior en el arte,

del cómic de esta época El cómic como obra de arte.

El comic como modelo el obras de arte (el arte Pop)

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX

que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular

tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios,

comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. …

Artista destacado Roy Lichtenstein.realizó pinturas utilizando como referencia tiras de comic

de los años 30-50

 

El cómic y los museos

Considerado el noveno arte, no es por ello menor que las ocho artes que lo preceden.

El cómic, uno de los lenguajes artísticos más populares del siglo XXI,

se hace hueco Los grandes centros de arte.

En 2009, Le Louvre abrió sus puertas para mostrar el trabajo de los autores

que participaron en esta colección.

En 2012, mostró los originales del álbum Les Fantômes du Louvre de Enki Bilal.

Esta iniciativa inspiró a otros museos que entendieron las posibilidades narrativas del cómic.

El Museo de Orsay, junto a la editorial Futuropolis,

creó en 2014 su propia colección de cómics ambientada en la mítica estación de tren

y sus colecciones de arte. Hasta la fecha han aparecido dos álbumes

dibujados por Catherine Meurisse y Manuele Fior.

Los cómics llegaron a los museos españoles en 2014 con el álbum

Mitos del Pop de Miguel Ángel Martin, un encargo del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid como complemento de la exhibición homónima dedicada al Pop Art.

 

Cabría preguntarse si existe un verdadero deseo de incluir

en las colecciones de los museos el cómic

o si es solamente utilizado para que otros públicos visiten las salas del museo

Alta cultura , cultura popular , cultura de masas.

Alta Cultura: es un concepto utilizado de formas diferentes en entornos académicos,

cuyo uso más común es la valoración de ciertos productos artísticos y culturales

especialmente obras de arte, obras literarias y obras musicales,

para ponderarlos como los de más alta estima.

También designa a la sofisticada, cultura de las élites por oposición a la cultura de las masas (tanto a la cultura de masas como a la cultura popular),

o a conceptos como lo kitsch, lo bárbaro, lo rústico o lo primitivo (culturas primitivas);

todos ellos términos identificables con lo que puede denominarse baja cultura.

 

Cultura Popular

En la música: el tango, el jazz, el reggae, el rap, el heavy metal y el rock

En las artes plásticas: el grafiti,

En la literatura: las llamadas literaturas de género: fantástico, novela negra, ciencia ficción

En nuevos medios de expresión: el cómic/manga, los videojuegos, el anime, los juegos de rol

 

La cultura de masas

consigue fabricar a gran escala, con técnicas y procedimientos industriales,

ideas, sueños e ilusiones, estilos personales, y hasta una vida privada

en gran parte producto de una técnica, subordinada a una rentabilidad,

y a la tensión permanente entre la creatividad y la estandarización;

apta para poder ser asimilada por el ciudadano de clase media.

Surge, así, el concepto de industria cultural, el cine y la radio no necesitan ya darse como arte, se autodefinen como industrias

 

7 El cine español.

Cultura y situación económica de España Antes y después de la Guerra Civil

La crisis del cine sonoro y el cine de la Segunda República

 

En 1931, la llegada de producciones extranjeras con sonido hunde la producción nacional,

que se reduce únicamente a cuatro títulos.

Al año siguiente, Manuel Casanova funda la Compañía Industrial Film Española S.A. (CIFESA), la productora más importante que jamás haya tenido el país.

Se ruedan 6 películas, incluida la primera película de Luis Buñuel en España,

de carácter documental, Las Hurdes, tierra sin pan.

En 1933 se habían rodado ya 17 películas (4 en 1931, 6 en 1932 y 7 en 1933), y en 1934, 21, entre las cuales está el primer éxito del cine español sonoro

La hermana San Sulpicio (1934) de Florián Rey.

La producción de filmes iría ascendiendo hasta las 24 películas rodadas en 1935.

En estos años se consolidaron productoras y directores de películas

que obtuvieron una importante aceptación popular,

como Benito Perojo, a quien se deben El negro que tenía el alma blanca (1934)

y La verbena de la Paloma (1935), el mayor éxito del cine español de este período;

o Florián Rey que se ocupa de la dirección de La hermana San Sulpicio (1934),

Nobleza baturra (1935) y Morena Clara (1936).

Este podría haber sido el comienzo de la consolidación de la industria cinematográfica española, pero el inicio de la Guerra Civil aborta los pequeños avances de la cinematografía

de la Segunda República.

 

El cine español. Producciones Cifesa

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La guerra y la posguerra

Desde 1936, los dos bandos empiezan a usar el cine como medio de propaganda.

En el bando franquista, se crearía el Departamento Nacional de Cinematografía.

Al concluir la guerra civil, numerosos profesionales del cine marcharían al exilio.

En el nuevo régimen, se instaura la censura y se impone la obligatoriedad del doblaje

al castellano de todas las películas estrenadas en territorio nacional.

Destacarían directores como Ignacio F. Iquino (El difunto es un vivo, de 1941),

Rafael Gil (Huella de luz, de 1941), Juan de Orduña (Locura de amor, de 1948),

Arturo Román, José Luis Sáenz de Heredia (Raza, de 1942, con guion del propio Franco)

y, sobre todo, Edgar Neville (La torre de los siete jorobados, de 1944).

También puede destacarse Fedra (1956) de Manuel Mur Oti.

CIFESA se impone como la productora más rentable de la época,

cuyos largometrajes inspirados en episodios o personajes de relevancia histórica obtienen el beneplácito de las autoridades y a menudo el respaldo del público.

 

8 La situación del ballet europeo,

la influencia de los coreógrafos soviéticos

en el Ballet de la Ópera de París.

 

El Ballet ruso soviético

Mientras Ballets Russes de Diaghilev

estaba compuesto por bailarines de la comunidad francesa

que habían sido exiliados de la Revolución Rusa.

En Rusia el ballet continuó su desarrollo bajo el dominio soviético

Después de un estancamiento en la década de 1920,

a mediados de la década de 1930 la nueva generación

de bailarines y coreógrafos apareció en escena.

Se promovió la perfección en la técnica y la precisión en la danza.

Agrippina Vaganova, quien fue entrenado por Petipa y Cecchetti,

encabezando la Academia de Ballet Vaganova.

Esta escuela fue diseñada para entrenar a bailarines

para el Ballet Kirov en San Petersburgo/Leningrado.

El ballet obtuvo una buena posición en el gusto del público.

Las compañías de Moscow-Bolshoi y la de St. Petersburg- Kirov

fueron muy populares en el público.

Algunas piezas de la época tuvieron un gran impacto como la de “Romeo y Julieta” producido por Prokofiev y Lavrovsky.

La pieza, “Llamas de Paris”, muestra todas las facetas del arte realista socialista.

La pieza “Fuente de Bakhchisara” con música de Boris Asafiev

y coreografía de Rostislav Zakharov fue todo un éxito.

El ballet reconocido de “La Cenicienta”, en la cual Prokofiev creó la música,

también fue creación del ballet soviético.

 

Ballet: La trayectoria del Ballet de la Ópera de París. Serge Lifar.

 

 

 

 

Ballet Ruso en el Resto del Mundo

Después de la muerte de Serguéi Diáguilev en 1929

los maestros que trabajaban con él

tuvieron un gran papel en la difusión del ballet en todo el mundo.

Pero crear un colectivo igual, que reuniera artistas

de tantos géneros del arte, nadie pudo hacerlo.

 

Las huellas del conjunto de Diáguilev en el mundo

El primer bailarín del conjunto de Diáguilev, Serguéi Lifar,

encabezó el ballet de la Ópera de París.

La primera bailarina Anna Pávlova fundó su propio conjunto en Londres

y también organizó clases para niños británicos en su estudio.

Estos niños compondrían más tarde su propio conjunto londinense.

Creando su propia compañía que viajó por todos el mundo.

Michel Fokine trabajó con muchos grupos de ballet,

incluido el futuro American Ballet Theatre.

Leonid Massine colaboró con el Ballet Ruso de Monte Carlo,

compañía creada tras la muerte de Diághilev,

donde trabajaron bailarines de los conjuntos de Serguéi Diáguilev y Anna Pávlova.

 

Ballet de la Ópera de París.

Sus orígenes pueden ser rastreados hasta 1661

con la fundación de la Académie Royale de Danse (Academia Real de Danza)

y la Escuela de Danza de la Ópera (1713) por Luis XIV de Francia.

Como parte del Théâtre National de l’Opéra,

la compañía dominó la danza teatral del siglo XVIII y el inicio del siglo XIX.

Sus artistas desarrollaron técnicas de ballet clásico

La decadencia de la compañía a fines del siglo XIX fue detenida por Jacques Rouché, director de la Ópera de París y de la Opéra-Comique entre 1914 y 1944.

Después de las exitosas producciones de vanguardia de los Ballets Rusos

de Sergei Diaghilev, Rouché contrató a los artistas estrellas rusos

Michel Fokine, Anna Pávlova y Bronislawa Nijinska

y en 1930 nombró a Serge Lifar director de la compañía.

Entre los principales bailarines al mando de Lifar estuvieron

Yvette Chauviré, Solange Schwarz, Marjorie Tallchief, Michel Renault y George Skibine.

9 Las composiciones musicales de las denominadas “Big Band” americanas

por ejemplo la orquesta de Benny Goodman

9.1. Identifica la música “Swing”

y su relación con las Big Band americanas.

 

La expresión en inglés big band (literalmente, gran banda)

hace referencia a un grupo amplio de músicos de jazz que tocan conjuntamente;

puede ser traducida libremente como orquesta de jazz.

Las big bands aparecen como tales a finales de la década de 1920,

aunque su etapa de oro es el periodo comprendido entre 1935 y 1950.

La estructura de las big bands ha ido evolucionando a lo largo del tiempo,

desde las bandas de diez u once miembros de la época inicial del swing,

hasta las grandes orquestas de más de veinte músicos de los años setenta.

En cualquier caso, característica esencial de las big bands

es la existencia de secciones instrumentales,

en algunas de las cuales los mismos instrumentos se encuentran duplicados.

Como regla general, aunque no exista un único formato de Big Band,

habitualmente se compone de tres secciones: metales (horn section), maderas (reeds) y ritmo.

 

Las “Big Band” americanas: Benny Goodman, Glenn Miller, Duke Ellington, Tommy Dorsey, etc.

 

 

 

Época swing

Con la consolidación del estilo swing,

las big bands pasaron a constituirse en el eje del desarrollo del jazz.

Fueron precisamente estas grandes bandas las que facilitaron la enorme popularización

del estilo, al convertirse en sinónimo de música de baile.

Precisamente su papel de orquestas de baile, y el hecho de que el público blanco,

al bailar, se desconcertaba fácilmente si no percibía con claridad la estructura melódica,

llevaron a muchas orquestas a tocar straight, es decir, solo el tema principal,

reduciendo las improvisaciones a unos pocos compases.

Esta tendencia, que se desarrolló frente a la línea principal de evolución del jazz,

originó una diferenciación entre swing bands

(aquellas que subrayan los aspectos rítmicos y el trabajo de improvisación de los solistas),

y sweet bands (que reducen los aspectos característicos de las primeras,

y se centran en la melodía y sus arreglos,

dirigidas básicamente al baile, como la mayor parte de las orquestas blancas,

entre ellas las de Glenn Miller, Harry James, Buddy Morrow, Frankie Carle o Guy Lombardo).

 

Benny Goodman,

fue un clarinetista y director de orquesta estadounidense de jazz.

Conocido como El rey del swing, el representante más popular de este estilo jazzístico

e iniciador de la llamada era del swing.

Una de sus interpretaciones más famosas es la de “Sing, sing, sing (with a swing)”,

empleada en múltiples bandas sonoras y obras de teatro y musicales.

Otros músicos importantes fueron: Glenn Miller, Duke Ellington, Tommy Dorsey,

 

 


bloque 12 – años 2000 – 2013

índice BLOQUE 12. LOS AÑOS 2000-2013

El ecologismo y el arte.

El islamismo radical.

La destrucción de las imágenes religiosas.

El internacionalismo universal. Internet.

Arquitectura: Barroquismo: Frank Gehry. Espectacularidad

y polémica: Santiago Calatrava.

El concepto “High Tech”. La obra de Norman Foster.

La obra de Zara Hadid.

La tecnología digital: cine, televisión, fotografía y música.

Música y baile: nuevas tendencias: Hip hop, dance.

Nuevos canales de promoción artística: YouTube.

Cine en español: el éxito internacional de Guillermo del Toro con “El laberinto del fauno”.

La internacionalización del cine español: Juan Antonio Bayona, Rodrigo Cortés.

El género documental en el cine.

Televisión: las series de TV, equiparables en popularidad y audiencia al cine.

Técnicas de la producción audiovisual. Integración multimedia.

 

BLOQUE 12. LOS AÑOS 2000-2013

El ecologismo y el arte.

El islamismo radical.

La destrucción de las imágenes religiosas.

El internacionalismo universal. Internet.

Arquitectura: Barroquismo: Frank Gehry. Espectacularidad

y polémica: Santiago Calatrava.

El concepto “High Tech”. La obra de Norman Foster.

La obra de Zara Hadid.

La tecnología digital: cine, televisión, fotografía y música.

Música y baile: nuevas tendencias: Hip hop, dance.

Nuevos canales de promoción artística: YouTube.

Cine en español: el éxito internacional de Guillermo del Toro con “El laberinto del fauno”.

La internacionalización del cine español: Juan Antonio Bayona, Rodrigo Cortés.

El género documental en el cine.

Televisión: las series de TV, equiparables en popularidad y audiencia al cine.

Técnicas de la producción audiovisual. Integración multimedia.

 

  1. La ecología y el arte.

 

El ecologismo. Documental- La Historia de Green Peace

 

 

Arte ambiental (Environmental art, en inglés)

o arte ecológico es una expresión que se usa en dos sentidos diferentes.

El término puede usarse de forma genérica en referencia a un arte que trata de temas ecológicos

o el medio ambiente natural, mediante distintas estrategias:

  • suscitando la conciencia de la fragilidad de la naturaleza:

fotografía basada en el paisaje, pintura, dibujos, libros-obras y arte propio de un lugar

  • investigando fenómenos naturales:

incluye ilustración científica así como prácticas artísticas interdisciplinares.

  • usando materiales naturales reunidos en el exterior :

como ramillas, hojas, piedras, suelo, plumas; lo que a menudo es llamado Arte de la naturaleza.

  • no contribuyendo a la degradación medioambiental:

lo que incluye obras «verdes» realizadas con materiales biodegradables o reciclados;

la «Eco escultura», que está sensiblemente integrada en un hábitat natural.

 

para referirse a una obra de arte de grandes dimensiones que utiliza el entorno natural; habitualmente con respeto al medio ambiente,

pero que también puede relacionarse con otros aspectos del medio ambiente,

tales como el contexto formal, político, histórico o social.

 

Historia:

El arte ambiental o ecológico como movimiento artístico comienza a finales de los años 1970

En sus primeras fases se relacionó sobre todo con la escultura –

especialmente con el «arte para un lugar específico» (Specific-site art),

el Land Art y el Arte povera – habiendo crecido como una forma de crítica

hacia las formas escultóricas y prácticas tradicionales

que eran vistas de forma progresiva como desfasadas y

potencialmente en desacuerdo con el medio ambiente natural.

El Arte ambiental también crea consciencia de la importancia de reciclar materiales

y de las consecuencias de la actividad artistica en el medio ambiente.

Por ejemplo, a pesar de su mérito estético,

la celebrada escultura del artista land art Robert Smithson Spiral Jetty (1969)

implicó un daño permanente considerable al paisaje en el que trabajó.

El paisaje se convirtió en una forma de campo de residuos,

y Smithson usó un bulldozer para raspar y cortar el paisaje, afectando al lago.

El arte se convertía entonces en otra forma de contaminación del medio ambiente.

Otros artistas land art han sido también objeto de crítica, como el escultor europeo Christo

cuando envolvió temporalmente la costa de Little Bay, al sur de Sídney, Australia, en 1969.

Los ecologistas locales protestaron argumentando que la obra era ecológicamente irresponsable y

afectaba al medio ambiente local de manera negativa, especialmente a los pájaros que tenían nidos en los acantilados envueltos. Las quejas subieron de tono cuando varios pingüinos y una foca quedaron atrapados bajo la tela y tuvo que cortarse. Los comentarios de los ecologistas atrajeron la atención internacional que llevó a que los artistas contemporáneos replantearse este tipo de prácticas.

spiral-jetty

El escultor británico Andy Goldsworthy

realiza su trabajo en los bosques construyendo sus esculturas con materiales del entorno,

estos materiales se degradan de forma que dejan el paisaje en el que han actuado sin daño alguno,

y en algunos casos han hecho, en el proceso artístico,

vuelto a cubrir de vegetación con flora autóctona adecuada

tierras que habían resultado dañadas por el uso humano.

De esta forma, la obra de arte suscita una sensibilidad hacia el hábitat.

Pionero de la intervención en el paisaje,

 

Andy Goldsworthy

César Manrique tuvo sus mayores logros en un tratamiento de carácter arquitectónico

y conservacionista del territorio, en la isla de Lanzarote.

En los años 70 algunos artistas conceptuales realizaron acciones en escenarios naturales:

unos, como Nacho Criado,

propusieron su propio cuerpo como elemento en interacción con el medio.

César Manrique

 

Fernando Casás, Eva Lootz, Mitsuo Miura y, sobre todo, Adolfo Schlosser.

En los últimos años, los artistas con más peso, coherencia y constancia en este ámbito

han sido Perejaume, que reflexiona sobre el lugar

y su representación desde puntos de vista múltiple (históricoartístico, pictórico, lingüístico), incluyendo la intervención en el paisaje, y Miguel Ángel Blanco,

cuya Biblioteca del Bosque, conjunto de más de mil “libros-caja”,

es uno de los más ambiciosos proyectos de relación vital y artística con el medio natural.

Otro de los ejemplos españoles se llama Petrolart,

corriente y técnica en la que se utiliza petróleo reciclado que el artista Jimmy Pons (Menorca 1965) recoge de las costas.

El petróleo es recogido en galletas sólidas

y una vez reciclado se utiliza como material principal para sus creaciones.

Fernando Casás

Fernando Casás

Eva Lootz

Eva Lootz

Mitsuo Miura

Mitsuo Miura

Adolfo Schlosser

Adolfo Schlosser

 

2.1. Comenta el concepto iconoclasta del islamismo radical.

Referenciado, por ejemplo a la destrucción de las imágenes de Buda, entre otras posibles.

Un versículo del Corán exhorta a combatir las estatuas, consideradas una expresión de idolatría,

y el propio Mahoma eliminó las que rodeaban la Kaaba.

Seguía así el dictado del dios único del Antiguo Testamento,

que ya ordenó a los hebreos terminar con los ídolos.

Desde el año 2014, la banda terrorista Estado Islámico ha destruido o robado patrimonio cultural

en Irak, Siria y Libia.

La premeditada destrucción ha tenido como objetivos diversos lugares de culto

y antiguos objetos artisticos históricos.

Tras la caída de Mosul (Irak) entre junio de 2014 y febrero de 2015,

Estado Islámico ha saqueado y destruido al menos 28 edificios históricos religiosos.

Los artículos de valor de algunos de los edificios fueron saqueados

con el fin de pasar de contrabando y los venden para financiar las actividades de Estado Islámico.

La Unesco ha conseguido la declaración de la destrucción de patrimonio Histórico

como crímen contra la Humanidad

y en agosto de 2016 se ha juzgado en el tribunal de la Haya

a la persona que ordeno destruir los concreto nueve mausoleos sagrados

y la mezquita de Sidi Yahya, en Tombuctú (República de Malí)

calificados en 1990 de patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

No obstante, el odio a las imágenes y sus aliadas la quema de libros y la destrucción de bibliotecas, no son una exclusividad del islam fundamentalista, se han dado en otros monoteísmos.

De hecho, la palabra iconoclastia nació en el imperio bizantino,

donde la prohibición de cualquier imagen (icono)

de Jesús, la Virgen María y los santos fue doctrina oficial en los siglos VIII y IX.

El calvinismo, en Ginebra, y su versión inglesa, la tiranía de Cromwell,

también persiguieron con saña las artes plásticas y cualquier forma de diversión.

Y una variante ibérica y secular llegaría en las primeras décadas del siglo XX

cuando sectores del movimiento obrero la tomaron con las iglesias y las estatuas religiosas.

 

El islamismo radical. La destrucción de las imágenes religiosas.

 

 (Destrucción de estatuas de la ciudad iraquí de Hatra)

 

(Documental TVE)

 

 

 

3.1. Analiza los edificios estrellas y su repercusión mundial.

Desde los 70 y 80 los arquitectos estrella fueron contratados,

de manera muy parecida a los “top-designers” de la moda,

en la producción y el consumo de una demanda de arquitectura como “capital simbólico”.

Su capacidad de crear un estilo auténtico satisfacía al mercado

dotaba de distinción en un entorno crecientemente basado en el valor competitivo de los símbolos.

Este énfasis arquitectura de iconos alejó a la profesión de la innovación estructural

y el compromiso social y la acercó a las estrategias del marketing”.

Uno de los requisitos para ser un verdadero arquitecto estrella es la recogida del Premio Pritzker, inaugurado en 1982 y confusamente definido como premio otorgado a

“arquitectos vivos cuyo trabajo demuestra la combinación de las cualidades como talento, visión y compromiso, que han producido consistentes y significativas contribuciones

a la humanidad y al entorno construido a través del arte de la arquitectura”.

Para economía urbana, las contribuciones a la humanidad realizadas por este tipo de arquitecturas, si bien son valorables, no resultan del todo completas al beneficiar, en la mayor parte de los casos,

a sólo una parte de la sociedad.

 

Características de la arquitectura estrella:

–          Se trata de arquitecturas iconográficas, reconocibles,

en algunos casos escultóricas, y portadoras de valor añadido a través del diseño y la forma. Arquetipos marketing que generan una imagen identificadora,

novedosa y simbólica de una ciudad o de una marca.

–          Sus presupuestos son elevados,

–          dado que sus clientes suelen ser individuos o entidades con alto poder de inversión:

Ayuntamientos enfrascados en grandes proyectos urbanos,

–          grandes marcas o, simplemente, individuos adinerados.

–          No se trata de edificios “comprometidos” y rara vez van unidos a movimientos sociales

–          o demandas ciudadanas.

–          Dado que en sí mismos generan un alto valor añadido, pueden alcanzar inversione

elevadas.

–          El objetivo principal de este tipo de edificio (y por el cual sus clientes lo demandan)

se aleja en la mayor parte de las ocasiones de la mejora social o la experimentación.

Puestos al servicio de la mejora económica a través de la rama de la representatividad

de la arquitectura, se consideran más exitosos cuanto mayor es la repercusión mediática

y el “capital simbólico” generados.

 

4-Las innovaciones que plantean van dirigidas a resultados de gran espectacularidad o belleza. Como producto de consumo basado en la imagen, en la mayor parte de los casos,

buscan la diferenciación más que la innovación como experimentación o investigación.

 

5-Son objetos descontextualizados, globalizados y globalizadores.

En el caso de las ciudades, la posesión de uno de estos ejemplares sirve para situarla a nivel global; asimismo, se erigen como representativos de una marca

y para ello deben repetirse de manera parecida en diversos lugares, apareciendo tipos similares en rincones muy alejados del planeta.

No suelen recoger en su estructura, materiales, funcionamiento o construcción

elementos o usos autóctonos del lugar en el que se implantan.

 

6 -Deben estar construidas por un miembro del Star System (SS para economía urbana),

a los que podríamos definir como arquitectos reconocidos internacionalmente,

con una forma de hacer propia y, salvo raras excepciones, de alta calidad.

En España la apertura del Museo Guggenheim diseñado por Frank Gehry obró milagros en Bilbao. Gracias a este prodigio de la arquitectura icónica,

la ciudad voló de la grisura posindustrial a los brillos de la economía terciaria.

Alcaldes y presidentes autonómicos de toda España vieron en el ejemplo bilbaíno

la llave de su futuro. Un edificio espectacular con firma de postín

–Calatrava, Hadid, Herzog & De Meuron, Foster, Eisenman…–

les pareció garantía de visibilidad global, imán de turistas y estímulo para la economía local. Valencia, Zaragoza, Madrid, Barcelona o Santiago experimentaron este frenesí.

Contrataron a los astros del firmamento arquitectónico internacional,

descuidando la proporción entre la necesidad

y el precio de las monumentales obras que les encargaron.

Rem Koolhaas

Arquitectura estrella… de la propaganda

Dirigentes totalitarios emplean proyectistas de fama para erigir símbolos de supuesta apertura.

Hace unos años, Rem Koolhaas declaró estar convencido de que su sede para la televisión china

en Pekín, un enorme rascacielos espectacularmente fotogénico,

contribuiría a llevar el progreso y la democracia a China.

No se le ocurrió pensar que si ya tenían el símbolo puede que no necesitaran el cambio.

Por esas fechas, Norman Foster concluía en Astaná, la actual capital de Kazajistán,

su primera gran aportación al urbanismo de esa ciudad:

la inmensa pirámide del Palacio de la Paz y la Reconciliación.

Más allá de Nursultán Nazarbáyev —el presidente kazajo que, en 1997,

hizo coincidir la fundación de esa nueva urbe con el día de su cumpleaños—,

Foster es el gran protagonista de la operación urbanística

que quiere transformar un antiguo pueblo de la estepa en la primera capital del siglo XXI.

piramide de la paz norman foster

El último ejemplo de cómo la mejor arquitectura está sirviendo a regímenes totalitarios

para enviar un mensaje de progreso adquiere las formas curvas

del nuevo edificio firmado por Zaha Hadid: el Centro Cultural Heydar Aliyev.

Levantado en Bakú (Azerbaiyán), quiere contribuir a la modernización y,

por tanto, democratización, de la antigua república soviética.

Pero evidentemente no lo tiene fácil.

Centro Cultural Heydar Aliyev

 

3.2. Compara las creaciones emblemáticas de

Frank Gehry, Santiago Calatrava y Norman Foster entre otros posibles.

El arquitecto Frank Gehry (Toronto, 1929)

Una arquitectura visual, la de Gehry, que enfrenta a detractores y apasionados

aunque a ambos les gusta lo que ha hecho el arquitecto canadiense.

Sus obras arquitectónicas son puro arte, esculturas suele llamarlas él mismo.

Aunque el secreto de su éxito pasa por que sus esculturas son plenamente funcionales.

Frank Gehry es autor de edificios llamados a perpetuarse

y capaces de regenerar una ciudad como ocurrió con el Museo Guggenheim de Bilbao.

Otros edificios similares como la Sala de Conciertos Walt Disney de Los Ángeles

han dejado una huella imborrable.

En 1989 fue galardonado con el Premio Pritzker, el más importante del mundo de la arquitectura. Quizá en una época en la que la arquitectura puramente visual estaba más en boga.

A pesar del paso del tiempo, la arquitectura de Gehry sigue gozando de gran éxito de crítica.

Museo Guggenheim. Bilbao La obra que le dio fama mundial.

El museo fue inaugurado el 18 de octubre de 1997 y se destaca por las formas curvilíneas

en forma de barco varado en la ría, que están recubiertas de piedra caliza,

cortinas de cristal y planchas de titanio.

 

Arquitectura: Barroquismo:

Frank Ghery.

Frank_Gehry

 

 

Santiago Calatrava (1951)

es un arquitecto, ingeniero civil y escultor español.

Se le considera un arquitecto especializado en grandes estructuras.

Posee influencias de Fernando Higueras, Jørn Utzon, Antoni Gaudí,

y las arquitecturas gótica y romana.

Estación de Ferrocarril del Aeropuerto de Lyon llamada Estación de Lyon-Saint-Exupéry TGV. Dos años después creó su tercer despacho, esta vez en Valencia,

donde trabajaba en un proyecto de grandes dimensiones, la Ciudad de las Artes y de las Ciencias. En 1992, Calatrava firma la torre de comunicaciones de Montjuic (Barcelona)

y uno de los puentes de la Exposición Universal de Sevilla, el Puente del Alamillo,

que une la capital hispalense y la vecina localidad de Camas.

En el año 2003 concluyó el edificio del Auditorio de Tenerife en Santa Cruz de Tenerife,

 

Espectacularidad: Santiago Calatrava.

 

Calatrava

 

 

 

 

Norman Foster

(Mánchester, 1 de junio de 1935) es un arquitecto británico.

Ha sido galardonado con el premio Pritzker en 1999

y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2009.

Los proyectos iniciales de Foster se caracterizan por un estilo “High-tech” muy pronunciado.

Más adelante las líneas de sus edificios se suavizan y desaparece

en buena parte ese carácter técnico llevado al extremo.

En todo caso, los proyectos de Foster y sus socios llevan un marcado sello industrial,

en el sentido de que emplean en los edificios elementos que se repiten multitud de veces,

por lo que son fabricados en lugares alejados de la obra.

Frecuentemente se diseñan componentes para un edificio ex profeso,

reflejando con ello un estilo de buena manufactura.

 

El concepto “High Tech”. La obra de Norman Foster.

 

  (Las mejores obras de Norman Foster)

Foster

 

 

Zaha Hadid

nació en Bagdad el 31 de Octubre de 1950-2016

ha ganado numerosos premios internacionales de arquitectura,

Fue capaz de llevar el diseño de sus dibujos a la realidad,

ampliando de este modo las posibilidades formales y estructurales de la arquitectura.

Logró convertir sus dibujos y fantasías en edificios y abrir nuevos caminos,

defendiendo así el proceso creativo a través del dibujo.

Hadid diseñó una colección de mobiliario urbano, compuesta de cuatro elementos.

El primero es el Banco Serac, un banco para exteriores, casi una escultura urbana,

inspirado en un bloque de hielo repleto de las grietas de los glaciares.

El banco está hecho en una resina especial mezclada con cuarzo natural,

rígido y resistente que, además, refracta la luz para contrastar la pieza.

Esta colección fue presentada en Fuorisalone 2013, la semana del Diseño de Milán.

Tratando de romper los límites de la arquitectura

hablaba de convertir los edificios en paisaje y de repensar los límites físicos de las construcciones.

Hadid

 

5.1. Describe la importancia de internet en el arte actual.

El internacionalismo universal. Internet. Internet en el arte actual

Los órganos centrales del mundo del arte, como los museos, las bienales y las ferias,

han mostrado poco interés en la cultura digital

y muchas veces favorecen las formas analógicas que encajan con facilidad en la historia del arte

o que conservan valor financiero obvio en el mercado.

Si que usan internet para difundir la obra de sus artistas y coleciones,

para contactar con el público o relacionarse internacionalmente.

Los Artistas encuentran que internet puede ser un entorno ideal para sus prácticas artísticas:

1-por que es democrático y la interactividad es su clave de futuro.

2-Las imágenes, los textos, los movimientos y los sonidos puestos en común por los artistas

están al alcance del espectador, quien puede crear sus propios montajes multimedia,

de los cuales la “autoría” final queda como una cuestión abierta.

3-Para los artistas, Internet ofrece un nuevo modo de distribución

y un nuevo medio con características propias y únicas.

Para ver algunas prácticas http://rhizome.org

 

El arte post-internet,

en este sentido simple, se basa en esos experimentos previos,

teniendo en cuenta nuevos factores como las redes sociales,

la tecnología móvil o la vigilancia, es una respuesta de segunda generación a la tecnología digital. En lugar de utilizar internet como un medio, se lo toma como un hecho de vida que se da por hecho, incluso como algo común y corriente, y se parte de allí.

 

La verdadera virtud del arte post-internet

no es que rompa con la distinción entre las formas digitales y analógicas.

El arte que denominamos post-internet alcanza su mejor momento

cuando se reconoce que la propia internet, con todas sus innovaciones,

no es la gran noticia de nuestro tiempo.

Lo que realmente importa son los elementos que coexisten tanto alrededor como dentro de internet: las perturbaciones económicas, las revoluciones políticas,

los peligros ecológicos y los desórdenes psicológicos.

El resto son solo píxeles en una pantalla.

Usos de internet en las actuales prácticas artísticas:

  1. Trabajar en sobre la imagen en las redes sociales: mediante el rapto de las imágenes.

Nuevos apropiacionismos fotográficos. Trabajar sobre la circulación de las imágenes.

  1. Creación de Blog y páginas en redes sociales.
  2. Microblogging. es un servicio que permite a sus usuarios enviar y publicar mensajes breves, generalmente solo de texto.

Las opciones para el envío de los mensajes varían desde sitios web,

a través de SMS, mensajería instantánea o aplicaciones móvil

  1. Creaciones de entornos y juegos: Intervenciones en entornos multijugador y metaversos
  2. Creación de entornos de participación social
  3. Sobre el arte post-Internet : relaciones entre el espacio material e inmaterial,

trabajo con geonavegadores

  1. Cuestionamientos acerca de la noción de poder en el contexto del sistema‐red: la liberación de la información: hacktivismos y estrategias parasitarias
  2. Otras líneas de trabajo: La manifestación política de la multitud como práctica artística, Activismos pro–común Poéticas en torno a la vigilancia

 

5.2. Analiza la tecnología digital y su relación con la creación artística.

La tecnología digital: cine, televisión, fotografía y música.

 

Cine en la era digital:

Consideremos, pues, los siguientes principios de la creación fílmica digital:

  • 1. Hoy en día, en lugar de filmar la realidad física,

es posible crear escenas similares directamente en un ordenador

con la ayuda de la animación en 3-D.

Por lo tanto, las secuencias filmadas de acción fílmica abandonaron su rol

que las consideraba el único material sobre el que el film ya terminado podría ser construido.

  • 2. El ordenador no distingue entre una imagen obtenida a través de la lente fotográfica

y una producida por animación.

  • 3. Las secuencias filmadas de acción fílmica

que se mantuvieron intactas en el proceso de creación fílmica tradicional,

ahora sirven de materia prima para después componer, animar y transformar.

  • 4-Ahora procesos film digital =

secuencias filmadas de acción fílmica + pintura + procesamiento de la imagen + composición

+ animación por ordenador en 2-D + animación por ordenador en 3-D.

 

El rol privilegiado que desempeña la construcción manual de imágenes en el cine digital

supone la vuelta a las técnicas precinemáticas de imágenes en movimiento.

Marginadas por la institución del siglo XX del cine de acción

dinámica narrativa que los relega a los dominios de la animación

y de los efectos especiales, estas técnicas renacen como fundamento

de la realización fílmica digital..

La cultura de la imagen movimiento está volviendo a ser redefinida;

el realismo cinemático se ve desplazado de su posición como única forma dominante

para convertirse sólo en una opción entre otras muchas.

La tecnología digital: cine, televisión, fotografía y música

 

(Diferencias entre el cine analógico y digital)

 

 

Fotografía Digital

tecnología digital plantea cuestiones de gran importancia como la confusión entre realidad y ficción, las relaciones entre pintura y fotografía o el auge de la narratividad en el arte contemporáneo.

Pero, como es obvio, la manipulación digital, al igual que cualquier otra técnica artística,

no es más que una herramienta que sólo puede demostrar su valor al servicio de un proyecto

con sentido y con ambición creativa.

El laboratorio fotográfico se ha extinguido y los químicos , las cubetas y la ampliadora,

han sido sustituidos por potentes programas de software que permiten redefinir la imagen

hasta el infinito, posibilitando su plasmación en extraordinarias impresoras

que admiten no sólo tintas de máxima durabilidad,

sino que además aceptan soportes hasta ahora inimaginables.

Y qué decir de las propias cámaras fotográficas.

Aquellas cámaras de mediano y gran formato que otorgaban la condición de fotógrafo

han ido quedando obsoletas desde la aparición de los primeros lectores CCD

hasta llegar a nuestros días con la presencia inusitada de la captura de imágenes

a través de los teléfonos móviles, haciéndose necesario definir, de nuevo, el papel del artista

y con ello, el papel del fotógrafo.

 

Daniel Canogar

Por medio de sutiles proyecciones, ha hecho flotar, en obras anteriores,

las imágenes sobre paredes y techos, la fragmentación es otro de sus conceptos recurrentes,

se distribuyen etéreamente en el espacio fotográfico, creando una impresión de movimiento,

de derrumbamiento simbólico.

canogar

 

Televisión Digital

La innovación tecnológica en el campo televisivo

se corresponde con un escenario dominado por el tránsito entre lo analógico y lo digital.

A los cambios propiciados por los avances en la electrónica y la microelectrónica,

sin cuyo concurso no se hubiera conocido una transformación tan vertiginosa

como la registrada en la última mitad del siglo pasado,

se deben sumar los promovidos por la digitalización.

La resultante más destacada es la multiplicación de los canales disponibles sin limitación,

la dotación de diferentes grados de interactividad, la flexibilización de los equipos de producción y la dotación de una capacidad variable de proceso en los equipos de recepción.

La aparición de canales especializados da la posibilidad al espectador de elegir lo que quiere ver

en cada momento, y el idioma en que lo quiere escuchar.

Con la llegada de las redes sociales vemos como los espectadores vuelven a socializar,

pero de una manera diferente.

Por ejemplo, por medio de hashtags pueden compartir sus opiniones de un determinado programa, llegando a participar en el mismo.

La mayoría del tiempo me entero de lo que ocurre en la televisión sin necesidad de verla

(gracias amigos de Twitter).

Este intercambio es recíproco.

Ahora los canales televisivos ofrecen una gran parte de su contenido en sus páginas web,

pudiendo acceder a la mayoría de los programas emitidos una vez que han finalizado.

De esta manera, los espectadores no necesitan adaptar su horario

y pueden decidir en que momento quieren ver dichos programas.

Poco a poco se va descentralizando el poder mediático.

Al principio no se daba credibilidad a las noticias que circulaban por la Red,

pero vemos como esto está cambiando radicalmente.

Incluso hay programas televisivos que basan el 100% de su contenido

en información y multimedia encontrada en páginas web.

 

Música en la era Digital

La música digital se genera a partir de transformar los sonidos en información binaria y luego, interpretando esta información por un sistema, transformarlos nuevamente en sonidos.

En el caso de la música almacenada en forma de archivos,

esta suele estar comprimida bajo distintos formatos, como por ejemplo el popular mp3.

En estos casos, la música suele sufrir un tratamiento que la hace ocupar menos espacio

perdiendo también un poco de calidad.

La música digital significó un enorme problema para la industria discográfica

posibilitando la copia masiva de obras afectó enormemente los rendimientos de la misma.

Si bien es cierto que siempre existió piratería y copias que se hacían de modo ilegal,

con este tipo de tecnología el problema alcanzó niveles difíciles de soportar.

La música digital hace muy sencillo multiplicar las copias

y la distribución de las mismas de un modo anónimo.

Más adelante, con la masificación del uso de internet

las grandes discográficas veían caer uno de los negocios más rentables del siglo XX.

Al mismo tiempo, esta revolución digital está cambiando modelos de negocio.

Sin ir más lejos, la industria discográfica sufre desde hace años una tremenda crisis motivada,

en parte, por su incapacidad para adaptarse a los nuevos tiempos.

Cada vez se vende menos música grabada; no sólo por la piratería,

sino también porque la era digital ha cambiado la forma de consumir música.

Los jóvenes no quieren comprar un CD completo

para descubrir después que sólo disfrutan de un par de canciones.

Es más cómodo descargarse la música de Internet

y escucharla desde un pequeño reproductor que permite llevar cientos de canciones allí donde vaya.

 

La música electrónica

es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación

de instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica.

En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos

de aquel producido utilizando tecnología electrónica que también puede ser mezclada.

Ejemplos de dispositivos que producen sonido electro mecánicamente son el telarmonio,

el órgano Hammond y la guitarra eléctrica.

La producción de sonidos puramente electrónica

puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.

La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 1990,

la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles

permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular.

En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva,

abarcando desde formas de música culta experimental

hasta formas populares como la música electrónica de baile.

 

Los avances en la miniaturización de los componentes electrónicos

dan una nueva revolución en las herramientas electrónicas usadas para la creación musical.

Por ejemplo, durante los años 90 los teléfonos móviles incorporaban generadores de tonos monofónicos que algunas fábricas usaron no solo para generar los Ringtones de sus equipos,

sino que permitieron a sus usuarios algunas herramientas de creación musical.

Posteriormente, los cada vez más pequeños y potentes computadores portátiles,

computadores de bolsillo y PDA´s abrieron camino a las actuales Tablets y teléfonos inteligentes que permiten no solo el uso de generadores de tono,

sino el de otras herramientas como samplers, sintetizadores monofónicos y polifónicos,

grabación multipista etc. que permiten la creación musical en casi cualquier lugar.

 

5.3. Explica el potencial difusor de la creación artística que supone “YouTube”

y otras plataformas similares.

YouTube es un sitio web en el cual los usuarios pueden subir y compartir vídeos.

Aloja una variedad de clips de películas, programas de televisión y vídeos musicales,

así como contenidos amateur como videoblogs.

A pesar de las reglas de YouTube contra subir vídeos con todos los derechos reservados,

este material existe en abundancia.

Fue creado por tres antiguos empleados de PayPal en febrero de 2005.4 En octubre de 2006,

fue adquirido por Google Inc. a cambio de 1650 millones de dólares

y ahora opera como una de sus filiales.

Actualmente es el sitio web de su tipo más utilizado en internet.

 

Nuevos canales de promoción artística: YouTube.

 

  (guía para aprender a compartir en youtobe)

 

 

 

 

YouTube usa un reproductor en línea basado en Adobe Flash para servir su contenido,

aunque también puede ser un reproductor basado en el ESTANDAR

YouTube ha tenido un gran impacto en la cultura popular;

prueba de ello es haber obtenido el premio al «Invento del año»,

otorgado por la revista Time en noviembre de 2006

El sitio es también un medio de promoción para artistas videocradores, músicos…

Consciente de queEl 19% de los vídeos que se suben a Youtube son musicales.

El 38,4% del total de las reproducciones que se hacen también son de vídeos musicales.

YouTube ha creado nuevas utilidades para artistas Ideas

y herramientas que te ayudarán a compartir tu música,

interactuar con tus fans y hacer de tu trabajo un modo de vida.

  • 1 Mayor facilidad para que tus fans encuentren tus vídeos
  • 2 Listas de reproducción con mayor protagonismo
  • 3 Facilidad para que te descubran a través de listas personalizadas
  • 4 Selecciones según estado de ánimo
  • 5 Posibilidad de reproducir álbumes enteros con calidad

 

6.1. Comenta las nuevas coreografías relacionadas con el “Hip Hop” y el “Dance”.

 

El Hip hop

es un movimiento artístico y cultural compuesto por un amplio conglomerado de formas artísticas, originadas dentro de una subcultura marginal en el Sur del Bronx y Harlem,

en la ciudad de Nueva York, entre jóvenes latinos y afroamericanos durante la década de 70

Se caracteriza por cuatro elementos,

los cuales representan las diferentes manifestaciones de la cultura:

Rap (Oral: recitar o cantar), Turntablism o “DJing” (Auditiva o musical),

Breaking (Físico: baile) y Graffiti (visual: pintura)

El baile Hip Hop como tal no existe ya que Hip Hop es una corriente cultural.

El baile al que nos referimos como New Style, palabra creada en Francia, es FreeStyle Hip Hop.

Street dance (SD) es el termino que se utiliza para describir estos estilos de danza

que por naturaleza son danzas sociales, de mucha improvisación

y contacto con el espectador y entre los bailarines.

Contrariamente a otras formas de danza la mayoría de las SD

alientan la creatividad y originalidad individual.

Los bailarines interpretan libremente los movimientos ya existentes,

improvisando y creando nuevos.

La improvisación es el corazón de las danzas de la calle

es por eso que la danza está en constante desarrollo.

Muchas SD incluyen encuentros o duelos conocidos como jamming.

Los Jamm son un tipo de espectáculo informal que ocurre dentro del marco de una danza social. Los bailarines forman un círculo y por turnos, solos o en parejas, muestras sus habilidades

mientras los otros observan y deciden quién es el ganador.

 

Generalmente SD esta asociada al funk y al hip hop.

Sin embargo son muchos los estilos que involucra:

Breakdance, Hip hop, Krumping, Liquid dancing, Locking, Popping, Robot, Tutting, Uprock.

 

Música y baile: nuevas tendencias: Hip hop, dance.

 

(Historia y evolución del Hip hop)

 

 

 

7.1. Comenta la obra cinematográfica española reciente, referenciando, por ejemplo,

los trabajos de Juan Antonio Bayona, Daniel Monzón, Jaume Balagueró, etc.

 

Juan Antonio García Bayona

(Barcelona, 9 de mayo de 1975) es un director de cine, español. Entre sus películas más conocidas se encuentran El orfanato (2007) y Lo imposible (2012).

Inició su carrera dirigiendo anuncios de televisión y videoclips.

En 2013 recibió el Premio Nacional de Cinematografía

en el marco de la 61ª edición del Festival Internacional de San Sebastián.

El 18 de abril de 2016 se anunció que había sido elegido por Steven Spielberg

para ser el director de la secuela de Jurassic World.

La película será estrenada el 22 de junio de 2018.

 

Daniel Monzón Jerez

(Palma de Mallorca, España, 1968) es un director, guionista y actor español.

Recibió el premio Goya al mejor director en 2010 por la película Celda 211.

con las actuaciones de Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines y Marta Etura,

y guión de Jorge Guerricaechevarría basado en la novela homónima de Francisco Pérez Gandul,

que narra el enfrentamiento de un funcionario de prisiones a un motín carcelario,

en su primer día de trabajo. La película ganó ocho premios Goya,

incluyendo los de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado.

El niño (2014) Una película que logró el mejor debut

y que arrasó en la taquilla de los cines españoles.

Además, en la 29ª edición los premios Goya fue una de las grandes favoritas,,

Celda 211 (2009) La caja Kovak (2007),

El robo más grande jamás contado (2002) El corazón del guerrero (1999)

 

Jaume Balagueró i Bernat

(Lérida, 3 de noviembre de 1968) es de los directores españoles con más caché internacional

en el género de terror.

Obtuvo el Mèlies de Oro a la mejor película fantástica europea de 1999

por Los sin nombre.

Filmografía: [Rec] (2007) que tuvo un remake americano

y una segunda parte., [Rec]² (2009)

y Frágiles (2005).

 

7.1. Cine en español:

el éxito internacional de Guillermo del Toro con “El laberinto del fauno”.

 

El laberinto del fauno

2006 – Guillermo del Toro Género: Drama, Bélico, Fantástico.

En la España fascista de 1944, una niña fascinada con los cuentos de hadas (Ivana Baquero)

es enviada junto a su madre embarazada (Ariadna Gil) a vivir con su nuevo padrastro,

capitán del ejército nacional (Sergi López).

Durante la noche, la niña se encuentra con un hada

que la lleva hasta el centro de un laberinto habitado por un fauno.

El ser mitológico le dice que ella es una princesa pero que debe demostrarlo superando tres retos.

Si no los supera, nunca podrá ser princesa ni reencontrarse con su padre biológico: el rey

Guillermo del Toro se inspiró en los cuentos de Los Hermanos Grimm para escribirla y dirigirla.

Es la película rodada en castellano más taquillera de la historia.

Fue estrenada en España el 11 de octubre de 2006, en México el 20 de octubre,

y el 29 de diciembre fue el estreno general en los Estados Unidos.

Obtuvo varios Oscar y Goyas y festivales Internacionales.

El director Guillermo del Toro regresaba a la senda iniciada con El espinazo del diablo, en la que conseguía integrar el conflicto bélico de la guerra civil española y el elemento fantástico,

de forma que ambos conseguían conformar un conjunto armónico inesperado y muy interesante.

El director hace bascular la narración entre las esferas de lo real y lo fantástico

pasando de una a otra de la manera más natural del mundo.

El laberinto del fauno es una fábula, un cuento de hadas invertido

en el que por fin el director explota en toda su dimensión su poética visual

y consigue sacarle todo el partido posible a su potente fuerza expresiva.

 

8.1. Describe las características más importantes del género documental en el cine.

 

El documental

es la expresión de un aspecto de la realidad, mostrada en forma audiovisual.

La organización y estructura de imágenes y sonidos (textos y entrevistas),

según el punto de vista del autor, determina el tipo de documental.

La secuencia cronológica de los materiales, el tratamiento de la figura del narrador,

la naturaleza de los materiales —completamente reales, recreaciones, imágenes infográficas, dan lugar a una variedad de formatos tan amplia en la actualidad,

que van desde el documental puro hasta documentales de creación,

pasando por modelos de reportajes muy variados,

llegando al docudrama (formato en el que los personajes reales se interpretan a sí mismos),

llegando hasta el documental falso conocido a veces como Mockumentary.

Con frecuencia, los programas de ficción adoptan una estructura

y modo de narración muy cercanas al documental,

y a su vez, algunos documentales reproducen recursos propios de la creación de obras de ficción.

Documental natural:

Los documentales en los que se describen y muestran distintos aspectos de la vida natural,

tanto animal como vegetal, pueden inscribirse dentro de este subgénero.

En ellos, trabajan equipos de personas

que generalmente pasan temporadas registrando el desarrollo de aspectos de la vida natural,

y la documentación recolectada suelen ser testimonios de los investigadores,

y fotografías y filmaciones del hábitat o animal investigado.

 

1.1. Analiza las manifestaciones artísticas relacionadas con el ecologismo.

Utiliza entre otras posibles, las fotografías de Ansel Adams, la película “Dersu Uzala”, o los documentales de Félix Rodríguez de la Fuente, o del National Geographic.

 

Ansel Adams

(1902 – 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco.

Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite

en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía

como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia).

Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como

Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.

Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de Angloamérica,

muchas de ellas centradas en el parque natural Yosemite.

Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y a sus animales,

siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías.

Precisamente por esto fue criticado a menudo,

ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya.

El fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo sobre él:

“El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams

y Weston fotografían son piedras y árboles”.

Pese a opiniones como ésa, recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad.

Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen,

pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams

y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.

Ansel-Adams2

 

Dersu Uzala (El cazador)

es una película soviético-japonesa de 1975 dirigida por Akira Kurosawa,

siendo esta su primera película en el extranjero y la única rodada en 70mm.

La película ganó varios premios, entre los que se encuentra el Festival de Cine de Moscú

y el Óscar a la mejor película extranjera.

1 El film está basado en las memorias escritas por el explorador Vladimir Arseniev en 1923

sobre Dersu Uzala, un hombre de la etnia hezhen

que acompañó a sus hombres durante varias expediciones por la región siberiana de Sijoté-Alín

El rodaje se realizó casi en su totalidad en la taiga siberiana

y se centra en un hombre nativo que vive cómodamente en los bosques

llevando un estilo de vida que de manera inevitable será destruida por el avance de la civilización. En la misma película se trata el tema del respeto y la amistad entre dos personas de diferentes etnias y sobre la pérdida de fuerzas y habilidades con el paso de los años.

La película vendió 20,4 millones entradas en los cines de la Unión Soviética

y recaudó 1,2 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá.

Se establece por parte de Kurosawa una dialéctica,

que lo relacionaría directamente entre el campo y la ciudad,

y que le permitirá desarrollar un discurso, en el que se evidencia el carácter

destructor de la civilización y en el que se apuesta, con convicción,

la imprescindible necesidad de convivir en armonía con la naturaleza.

 

Félix Rodríguez de la Fuente

(Poza de la Sal, Burgos, 1928-1980) fue un naturalista y divulgador ambientalista español,

defensor de la naturaleza, y realizador de documentales para radio y televisión,

destacando entre ellos la exitosa e influyente serie El hombre y la Tierra (1974-1980).

Licenciado en medicina por la Universidad de Valladolid y autodidacta en biología,

fue un personaje polifacético de gran carisma

cuya influencia ha perdurado a pesar del paso de los años.

Su saber abarcó campos como la cetrería y la etología,

destacando en el estudio y convivencia con lobos.

Contribuyó en gran medida a la concienciación ecológica de España

en una época en la que el país todavía no contaba con un movimiento de defensa de la naturaleza. Su repercusión no fue solo a nivel nacional sino también internacional

y se calcula que sus series de televisión, emitidas en numerosos países

y plenamente vigentes hoy en día, han sido vistas por varios cientos de millones de personas.

Murió en Alaska, Estados Unidos, junto con dos colaboradores y el piloto

al accidentarse la aeronave que los transportaba

mientras realizaban una filmación aérea para uno de sus documentales.

felix rodriguez y lobo

 

9.1. Analiza las claves de la producción de series para televisión

 

Una serie de televisión

es una obra audiovisual que se difunde en emisiones televisivas,

manteniendo cada una de ellas una unidad argumental en sí misma y con continuidad,

al menos temática, entre los diferentes episodios que la integran.

Aunque el término se emplea popularmente para designar a la ficción seriada,

otros géneros son susceptibles de ofrecerse en serie, como el documental.

No se debe ser confundida con la película.

 

Televisión: las series de TV, equiparables en popularidad y audiencia al cine: “Los Soprano”, “Mad Men”, etc.

 

 

  (Las cinco mejores series de la Historia. La numero uno. “Los Soprano”)

 

 

Producción y programación.

Por norma general, las series de ficción son producciones mucho más costosas que las telenovelas. Ello se debe a que suelen plantearse para cubrir los horarios de mayor consumo televisivo

o prime time, mientras que los últimos se destinan a las bandas diurnas o daytime,

donde los niveles de audiencia son menores.

Una serie suele concebirse de forma cerrada, con final previsto,

pero dejando abierta la posibilidad de ampliar la producción,

en función de los resultados de audiencia.

Lo más habitual es que se realice una primera tanda de trece episodios y, si el éxito acompaña,

es muy probable que la serie regrese con nuevas entregas.

 

Tipología

Comedia de situación.

(Sitcom en inglés) Desde el punto de vista de la producción y la programación,

se definen por una duración entre 20 y 40 minutos por sus limitados escenarios

(uno o dos y casi siempre interiores) y porque se graban con la asistencia de público.

Ejemplos:

Seinfeld, Friends, How I Met Your Mother, Two And A Half Men y The Big Bang Theory, etc.

 

Teleserie o series de largo recorrido.

Cada capítulo dura entre 50 y 60 minutos,

si bien, en algunos países, como España, Argentina, Colombia y México,

los metrajes pueden ser muy superiores.

Poseen diferentes escenarios, tanto interiores como exteriores.

Se distinguen entre dramas y comedias..

 

Antología:

Se trata de un tipo de serie que, en cada capítulo, cambia de personajes, de escenarios

e, incluso, de equipo de producción.

La continuidad entre uno y otro se consigue mediante el tema, el mismo para todos los episodios. Un ejemplo es la producción española La huella del crimen (1985),

que, en cada entrega, abordaba un caso criminal distinto, basado en hechos reales.

Un ejemplo de una serie de antología donde cambian los personajes

pero el equipo de producción y los actores son los mismos, es American Horror Story (2011).

 

Miniserie. Es un tipo de producción a medio camino entre las teleseries y los telefilmes

(en inglés, TV Movie). Suelen plantearse para al menos tres episodios, con una duración,

cada uno de ellos, de aproximadamente 90 minutos,

esto es, el estándar que la industria televisiva estadounidense tiene asignado a los telefilmes.

—-

Raíces (1977) Hombre rico, hombre pobre (Rich Man, Poor Man), en 1976

Raíces (Roots) (1977) de Alex Haley es considerado el primer éxito masivo del formato.

Su masividad en los Estados Unidos estuvo asociado al horario:

las doce horas de su duración total fueron divididas en ocho episodios

emitidos en noches consecutivas, terminando en un episodio final que alcanzó 71% de share,

con una audiencia de 130 millones de telespectadores.

 

Microserie: Producción que dura entre 3 o 5 minutos. Al igual que las comedias de situación, tienen pocos escenarios pero; con una narrativa clara y con temáticas fuertes.

Pueden tener episodios mínimos a 20, incluso por temporadas, se manejan mayormente en Internet.

 

Televisión: las series de TV, equiparables en popularidad y audiencia al cine: “Los Soprano”, “Mad Men”, etc.

 

 

(Las cinco mejores series de la Historia. La numero uno. “Los Soprano”)

 

 

9.2. Expone los factores del éxito de audiencia en las series para Televisión,

referenciando ejemplos.

A menudo la televisión ha sido sinónimo de contenidos de baja calidad,

de programas basura y de poca exigencia,

pero gracias a las nuevas ficciones este concepto está empezando a cambiar.

Ahora se escucha a menudo que “el mejor cine actual se está haciendo en la televisión”.

En los últimos diez años la ficción seriada ha ganado considerablemente en calidad

y ha provocado la emergencia de una nueva palabra:

Si antes hablábamos de “cinéfilos” ahora se habla, sin rubor, de “seriéfilos”.

Las claves de un éxito mundial.

 

1-La “seriemanía” se globaliza

El interés del público por las serie televisivas, en especial las que vienen de Estados Unidos,

y que llega a todos los rincones del mundo,

pero con honrosas excepciones locales en muchos países,

en concreto Reino Unido o Francia,

donde se hacen producciones de extraordinaria calidad.

Los siguientes nombres seguro que les resultan familiares: “Breaking Bad”, “Dexter”,

“Sons of Anarchy”, “House of Cards”, “Homeland”, “Anatomía de Grey”

o la recién llegada “True Detective”, la última de HBO,

que tiene la mejor audiencia media de la cadena en una primera temporada.

De las que ya son historia, ¿quién no ha oído elogios de “El ala oeste de la Casa Blanca”,

“The Wire”, “Friends”, “Urgencias” o “Seinfeld”?

La singularidad de las series actuales es que el mismo día del estreno se empiezan a ver

ya en decenas de países a través de las posibilidades que permite internet.

 

  • 2-las grandes cadenas apuestan por las series

 

Las series se han convertido en el auténtico caballo de batalla

de las grandes empresas de televisión de Estados Unidos,

tanto las que distribuyen sus contenidos en el aire

como las que prefieren el cable o la difusión por internet.

  1. Un capítulo de una serie cuesta tres veces menos de lo que les costaría producir un telefilm.

Un episodio de prestigio como cualquiera de los de “Boardwalk Empire”,

que tiene como productor ejecutivo a Martin Scorsese, también cuesta menos que un unitario.

  1. Fidelizan espectadores

(a menudo tienes la sensación de ver una buena película que dura 80 horas

y que te tiene en vilo hasta el último capítulo)

  1. Abren las vías a nuevos modos de consumo puesto que se ven en ordenadores,

tabletas e incluso teléfonos móviles.

Se ven en video a la carta y tienen una buena venta online y en DVD.

  1. Desde el punto de vista creativo, estas ficciones son un buen laboratorio de experimentos

de estilo y narrativos, sin la rigidez que caracteriza a las ficciones televisivas convencionales.

  1. En lo que se refiere a los contenidos, todo vale si está bien hecho y engancha:

desde la fantasía heroica pasando por la ciencia ficción, la historia, el horror,

el suspense, la medicina, la política o el periodismo.

  1. El formato tampoco tiene limitaciones,

desde serie largas con duraciones clásicas de 8 a 13 episodios por temporada,

a otras que tienen seis episodios por año

o miniseries que concluyen en 4 u 8 episodios.

 

La novedad en esta última década es que las grandes estrellas de cine

se han acercado a la televisión, que antes era un medio menor que rechazaban.

Muchos actores, saturados por el empobrecimiento cultural

de las grandes producciones de Hollywood,

han buscado papeles interesantes en el mundo de la ficción televisiva

 

9.3. Compara la técnica narrativa de las series televisivas con la ficción cinematográfica.

A la hora de disfrutar de un contenido audiovisual es interesante la diferencia

entre serie de televisión y película,

dado que son muy similares entre sí

a pesar de que en el fondo esconden profundas distinciones entre ambos.

  • Una serie de televisión no suele exceder en duración los 20 ó 45 minutos,

convirtiéndose así en un producto recomendable de consumir en horas del día como la comida,

la cena o momentos antes de irse a dormir.

  • En una serie de televisión el espectador es todavía más pasivo dado que personajes,

entornos y situaciones suelen compartirse en cada episodio,

provocando cierta sensación de familiaridad entre la audiencia.

  • Una película, sin embargo, requiere por parte del usuario una mayor concentración,

normalmente porque presenta un argumento mucho más complejo

de lo que un simple capítulo de televisión puede preparar.

  • A pesar de ello las películas tienen muchas ventajas.

La primera de ellas es, obviamente, la autoconclusión (salvo en algunas excepciones),

que permite disfrutar de un contenido con principio y final.

En las series de televisión los capítulos se suceden unos tras otros

provocando siempre una continuidad, más o menos cerrada.

  • Una película también presenta una duración mayor,

perfecto para periodos largos de tiempo como la tarde o una noche sin obligaciones al día siguiente.

 

Queda claro, además, que una película goza de mayor presupuesto,

permitiendo así que el contenido se presente con la mayor calidad posible.

 

Eva Lootz

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